Gilbert & George -Gilbert Prousch (San Martino, Dolomitas, Italia, 1943) George Passmore, (Devon, Reino Unido, 1942) - es una de las parejas de artistas más reconocidas en el Reino Unido. Desde que se conocieron en 1967 en la St Martin School of Art de Londres trabajan juntos proclamando una concepción anti-elitista del arte y el “arte para todos”, basado en lo que ellos denominan la “vida de la gente”. Gilbert & George se oponen con sus planteamientos al arte enigmático, oscuro y obsesionado por la forma, tal y como afirman en sus manifiestos.
En sus comienzos fueron erróneamente catalogados dentro del campo de la performance, debido a su presentación como “Esculturas Vivientes”, una categoría que han mantenido a lo largo de su carrera y que está relacionada con la ausencia de distinción entre el arte y la vida. Durante su trayectoria Gilbert & George han presentado, además, toda suerte de esculturas: esculturas-objetos, esculturas-conferencias, esculturas-revistas, esculturas-postales, esculturas-libros, etc. “Toda nuestra vida es una gran escultura”, afirman ignorando deliberadamente las habituales divisiones entre escultura, pintura, dibujo, escritura y otros medios y disolviendo las barreras entre el artista y la obra. Sus esculturas fotográficas son inmensas piezas a modo de murales. Las fotografías, como si de piezas de un puzle se tratara, se reúnen en hileras de paneles enmarcados bajo una forma reticular.
Esta exposición en el Palacio de Velázquez, la primera individual de Gilbert & George realizada en España abarca, desde sus primeras series de 1971 realizadas en blanco y negro y con los parques londinenses como escenario, hasta la profusión multicolor de las New Moral Works (1985). En la muestra se puede ver la frecuente presencia de los artistas representados en sus propias obras. En New decorative Works y Modern rubbish (1973) las esculturas vivientes se entregan al mundo de la ebriedad. Aturdidos por la bebida, Inca pisco o Human Bondage (1974) tienden a distorsionar la imagen, a romperla en fragmentos o a unir dos imágenes en una. Son las denominadas “piezas de la Bebida” (1972-74).
La pareja de artistas trabajó con el blanco y negro hasta Cherry Blossom (1974). A partir de entonces, el color rojo se impone en obras como Bloody Life, para combinarse a principios de los ochenta con el amarillo durante un breve periodo tras el cual entrarán en escena una gama mucho más amplia de colores intensos que, dependiendo de su empleo, remiten a características simbólicas, atmosféricas o emocionales.
En las obras de los 80 el sentimiento se iguala en importancia con el pensamiento. El interés de los artistas por las religiones orientales se aprecia en Bhuna (1980), que marca un momento crucial por suponer la inclusión de otras personas en sus obras. En Life without End (1982) -una obra de 154 paneles y casi diez metros de ancho a modo de vidriera- una multitud de personas se incorporan mezcladas con el simbolismo religioso de la escena. No obstante, su afán más provocador quedará claramente evidenciado en otras de sus obras como Sperm eaters y Shit faith de 1982 o Friendship pissing (1983).
El color adquiere una evidente textura fruto de una nueva técnica empleada a partir de Death Life Hope Fear (1984), una de las obras más reconocidas de estos artistas que se muestra en el Palacio de Velázquez de Madrid.
Datos de la exposición
CAPC Musée d'Art Contemporain de Bordeaux (9 mayo - 7 septiembre, 1986); Kunsthalle, Basel (28 septiembre - 9 noviembre, 1986); Palais des Beaux Arts, Brussels (21 noviembre - 11 enero, 1986-87); Städtische Galerie im Lenbachhaus, Múnich (15 abril - 14 junio, 1987); Hayward Gallery, Londres (9 julio - 26 septiembre, 1987)
