El pintor Sean Scully (Dublín, 1945), de origen irlandés pero nacionalizado estadounidense, se suma desde comienzos de los años setenta a la Abstracción. El artista se interesa por profundizar en la humanización de la pintura, desde una oposición a los parámetros formalistas. Según sus propias palabras, su trabajo se resume en el paso “de la línea objeto a la línea sujeto”. Las direcciones, reflejadas por líneas horizontales y verticales y las tensiones que de ellas se generan son la base de su producción. Esta nueva consideración de la geometría, que se aleja de la idea de pureza y asume el error, sirve como reflejo de las relaciones problemáticas entre el individuo y lo colectivo. Todo ello abre un nuevo campo de reflexión, hasta entonces desconocido por la pintura abstracta.
Esta exposición en el Palacio de Velázquez se origina en 1985, cuando Nicholas Serota, entonces director de la Whitechapel Art Gallery, comienza la selección de las obras de Scully para preparar la muestra. Su sucesora, Catherine Lampert, continúa con las visitas a los estudios de Nueva York y Londres. El resultado son cuarenta y cuatro piezas de pintura y obra sobre papel de los años ochenta.
La muestra está dedicada a un amigo del artista, Charles Choset, escritor, compositor y coleccionista. La exposición introduce el procedimiento habitual de trabajo de Scully, basado en la unión de un mínimo de tres paneles y lienzos para formar la obra final. Cada panel tiene su serie de bandas donde se alternan los colores. La pintura se aplica en capas, sin necesidad de que esté seca la anterior, por ello es habitual observar varios colores diferentes en una misma franja, en apariencia uniforme.
Scully diferencia las capas de pintura hacia el final de los años setenta, alterna acrílicos mates y óleos brillantes. El artista aprovecha al máximo los matices que el color y la textura le permiten, y desarrolla un juego de reflexividad que continúa hasta que aligera la paleta. En 1970 aparecen ya púrpuras y azules y Scully se limita exclusivamente al trabajo en óleo.
Para la realización del enrejado, el acrílico le resulta útil, porque seca con más rapidez. En los comienzos usa también la cinta adhesiva para borrar la marca de la mano en sus obras, pero en 1981 realiza algunos cambios al lienzo How It Is al retirar la cinta. Desde entonces ya no vuelve a utilizarla. La obra Araby (1981), pintada ya sin ese recurso, lleva al artista al periodo al que pertenecen las pinturas y los grabados que se exhiben en la exposición.
En los veintitrés lienzos de la muestra se aprecian diferencias respecto a trabajos anteriores, ya que algunas de las bandas se ensanchan hasta parecer campos monocromos. Otras se convierten en finas líneas, tal y como sucede en Narcissus (1984) o en Standing (1986).
En White Window (1988), una de las pinturas más recientes, queda patente la concepción estructural que articula internamente las obras de Scully. Las rayas negras y grises pautan el orden sobre el principio simple y estable del rectángulo. Sin embargo, se aleja de la simetría, ya que tiene en sí mismo punto y contrapunto y hace palpable la tensión.
Las bandas poseen en el trabajo de Scully una función arquitectónica. En White Window y en Why and What (Yellow) (1988) se comportan como equivalentes pictóricos de postes y dinteles. Estos mismos apoyos de unas líneas en otras, que juegan con el equilibrio y desequilibrio, se observan en la obra sobre papel. El conjunto de las diez pinturas en pastel, los tres monotipos, cinco aguatintas, dos xilografías y una acuarela completan la muestra, y prueban el dominio de los principios artísticos que forman la obra de Sean Scully.
Datos de la exposición
Whitechapel Art Gallery, Londres (5 mayo - 25 junio, 1989); Städtische Galerie im Lenbachhaus, Múnich (12 julio - 27 agosto, 1989)
Obras de la Colección incluidas en la exposición
