Celebrada el 26 feb 2021
La Cátedra Juan Antonio Ramírez del Museo Reina Sofía invita a la cineasta, poeta y escritora Margarita Ledo (Castro de Rei, Lugo, 1951) a su programa de conferencias magistrales. Exiliada en Portugal en los años finales de la dictadura franquista, que la perseguía por su militancia en la Unión do Povo Galego, Margarita Ledo es hoy miembro de la Real Academia Galega y catedrática de Comunicación Audiovisual en la Universidad de Santiago de Compostela. Su filmografía supone una singular apuesta dentro del cine de autor por el modelado continuo de unos temas recurrentes, que van asentándose en busca de una cada vez mayor complejidad formal. Entre ellos, destaca el especial énfasis que otorga a la recuperación de voces de mujeres migrantes, cuyos relatos están marcados por la diáspora y los exilios.
En esta edición de la Cátedra, articulada en una conferencia magistral, Margarita Ledo propone una reflexión en torno al cuerpo como vestigio, como punto de llegada tras recorrer un hilo invisible que transita por un cine de la memoria, de los contrapoderes, de la marginación de la mujer del espacio público, del extrañamiento de su propio cuerpo y del poder del ensayo fílmico como práctica artística.
Como presentación e inicio del debate, reproducimos estas palabras de la cineasta:
“Las diferentes escrituras del ‘yo’ con el cuerpo como artefacto, como archivo de vestigios y de interferencias, como sujeto de deseo, como lugar para hacer cine, se distinguen unas de otras porque en cada uno de sus fragmentos reside la huella en la que se inscribe ese desasosiego elemental que conlleva producir una imagen y mirar. Por eso, en cada obra, de alguna manera, resuenan esos ‘golpes detrás de la puerta’ que suelen dormitar en notas, dietarios, situaciones que rememoramos y que nos traen para las manos esas creadoras de actitud no reconciliada que a nivel intelectual y personal transitaron la noche; expusieron, en primer plano, su existencia; hicieron del filme una experiencia también para quien mira.
Recorrer los pliegues, la línea de sombra en la que se engarzan variaciones de esa mirada diferente, de ese female gaze que los estudios feministas persiguen y que va más allá de las obras realizadas por mujeres, es nuestro compromiso con autoras y autores que, a nivel de pensamiento —de Benjamin a Stuart Hall—, siguen siendo fuente, con aquellas prácticas que, desde la historia material de la cultura, toman posición en armonía con Adrienne Rich y sus reflexiones en su ensayo seminal ‘Notes toward a Politics of Location’ (1985) o con una generación en presente de la que una obra de aroma fenomenológico como la de Iris Brey, Le regard féminin (2020), es un síntoma gozoso que se alarga a las creadoras que llegan al mundo de la performance para transitar la oscuridad apoyándose en la incorporación canónica de imágenes patriarcales y la decisión de resignificarlas.
En su doble percepción —que comienza en ese momento de gracia que te vincula con determinada secuencia de un viaje hacia la producción de esa imagen ‘otra’ y continúa en la de quien mira—, el cuerpo deviene un realizativo contra la fetichización. Es un viaje en el que resuena un objeto múltiple que se formaliza en el flujo de pensamiento sobre lo vivido, en los ‘sentimientos oscuros’ en torno a ciertos episodios que tal vez deban quedarse en lo oscuro, no ser revelados, y que Chantal Akerman nos regala en Ma mère rit. Traits et portraits (2013). Aunque, repentiza, a veces es muy importante buscar la verdad. Cuando la hay, la sentimos en los libros y en los filmes, se dice a sí misma la Akerman. Sentimos que hay algo que ‘pasa subterránea y lentamente, a veces muy lentamente; cuando ni piensas en ello, la verdad aparece y se produce un momento extraordinario que no llega todos los días; un buen momento, tan bueno que de repente nos sentimos calmas y ligeras’.
Esta verdad oscura fue exilio y aniquilación, algo difícil de nombrar. Fue la marginación de la mujer del espacio público, el extrañamiento de su propio cuerpo. Es la intrahistoria del siglo. Pero, desde la oscuridad, el ensayo fílmico emerge en la pantalla como paisaje, como práctica artística, como encuentro de la carne con el cuerpo. Y esa verdad latente, oscura, adquiere sentido. Como en 1928, mientras Walter Benjamin entrevista a André Gide en Berlín. En determinado momento el escritor cita al marinero de Bougainville: ‘Cuando abandonamos la isla le dimos el nombre de Isla Salvador’. Y Benjamin comenta que entonces, precisamente entonces, Gide añade aquella frase estremecedora: ‘Ce n’est qu’en quittant une chose que nous la nommons’ [Es solo cuando abandonamos algo que lo nombramos]. En ese instante da comienzo el relato. La memoria es ahora material en bruto para una obra que nos sirve, tal vez, para colmar los huecos. Las quiebras en el proceso histórico. Los miedos”.
Margarita Ledo, febrero de 2021
Organiza
Museo Reina Sofía
Colabora
Máster universitario en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual, organizado por la Universidad Autónoma de Madrid, la Universidad Complutense de Madrid y el Museo Reina Sofía
Programa
Cátedra Juan Antonio Ramírez
Programa educativo desarrollado con el patrocinio de
Fundación Banco SantanderParticipantes
Margarita Ledo Andión es cineasta, escritora, docente e investigadora. Catedrática de Comunicación Audiovisual de la Universidade de Santiago de Compostela y directora del Grupo de Estudios Audiovisuales de esa Universidad. Sus estudios en torno a la política de representación en la imagen documental fotográfica y cinematográfica se reflejan en obras como Del Cine Ojo a Dogma 95 (Paidós, 2004) o Cine de fotógrafos (Gustavo Gili, 2005). Entre sus filmes pueden destacarse el documental Santa Liberdade (2004), Liste, pronunciado Líster (2007) y A cicatriz branca (2012). En 2008 recibió el Premio Nacional da Cultura Galega en la modalidad de cine y audiovisual y, desde ese mismo año, es numeraria de la Real Academia Galega.
Más actividades
![Dias & Riedweg, Casulo [Crisálida], 2019, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/desafios-cine-2.png.webp)
Otras voces en todos nosotros
17 ABR, 8 MAY 2026
Esta sesión parte de un tipo de desafío corporalmente sutil, que invita a confrontar la razón desde la sensibilidad y la emoción, vinculadas a la diferencia en la salud mental o al espiritismo. Abre la sesión un bello y peculiar cortometraje titulado A família do Capitao Gervásio (2013), de Tamar Guimarães y Kasper Akhøj. En un pequeño pueblo del interior de Brasil, aproximadamente la mitad de sus habitantes son médiums psíquicos que realizan un trabajo de sanación comunitaria. La segunda obra, Casulo, de Dias & Riedweg, es el resultado de un proyecto participativo con un grupo de pacientes del Instituto de Psiquiatría de la Universidad Federal de Río de Janeiro. El vídeo permite asistir a la evolución de sus rutinas tras la hospitalización y escuchar sus ideas e impresiones sobre numerosos aspectos de la vida, poniendo de manifiesto la división entre los territorios de la razón y la locura en su vida cotidiana.
En el marco de La Colección proyectada, programa a partir de los fondos de cine, vídeo e imagen en movimiento de la institución, el Museo invita a Laura Baigorri, una de las mayores especialistas en videoarte, a abordar aspectos concretos vinculados a la identidad, la autorrepresentación y el cuerpo en la colección audiovisual del Museo desde la década de 1990.
Aquí seguimos… y no nos moveremos
16 ABR, 7 MAY 2026
La sesión propone una agenda centrada en la performance en su forma más elemental: la acción simple y directa que parte de la autoexposición corporal. En ocasiones, desde la calculada serenidad de Tengo tiempo (1994), de Miguel Benlloch; otras, desde el desafiante impulso visceral de Bollos (1996), de Cabello y Carceller, o la rabia de Habla (2008), de Cristina Lucas; y, finalmente, desde la experimentación videográfica desconcertante y sostenida en la cultura de la danza de Moving Backwards (2019), de Pauline Boudry y Renate Lorenz, cuya puesta en escena recuerda que sí, que no es un déjà vu, sino que el presente, desafortunadamente, transita por un periodo reaccionario.
En el marco de La Colección proyectada, programa a partir de los fondos de cine, vídeo e imagen en movimiento de la institución, el Museo invita a Laura Baigorri, una de las mayores especialistas en videoarte, a abordar aspectos concretos vinculados a la identidad, la autorrepresentación y el cuerpo en la colección audiovisual del Museo desde la década de 1990. Esta sesión recupera performances paradigmáticas, de tres décadas consecutivas, atravesadas por la expresión incontestable del género; esto es, mediadas por la acción confrontadora de los feminismos y de los paradigmas queer de la cultura.
Tras el muro, ¡la playa!
12, 19 ABR 2026
¿Dónde habita la esperanza en una guerra? Tras el muro, ¡la playa! es la visión de un mundo mejor a través de los ojos de la infancia en Palestina. Una experiencia que se aborda en este programa a través de un conjunto de películas procedentes de este país en conflicto, tanto de ficción como de animación. En la apreciación adulta, la guerra encuentra una justificación de carácter político y moral. En cambio, la mirada de la infancia derriba cualquier lógica ante la barbarie y muestra la tragedia bélica como un error sin justificación. Frente a la destrucción adulta, la infancia siempre reafirma la vida en su plenitud.
La selección de cineastas de origen palestino que se presentan, Ibrahim Handal, Tariq Rimawi, Firas Khoury, Rami Abbas, Nisreen Yaseen y Haneen Koraz, son un buen ejemplo en este sentido. Ibrahim Handal se ha erigido como una de las voces emergentes del joven cine palestino. Su obra se centra en la cotidianidad, la identidad y la resistencia con un trabajo que, aun partiendo de lo real, juega entre el documental de creación y la ficción. Por su parte, Firas Khoury es un reconocido director palestino que ha contribuido a expresar cómo sería la vida normalizada de la niñez en Palestina, al mostrar la realidad de cualquier infancia. Ambos cineastas consiguen quitar el velo del prejuicio al igualar la vida de un menor palestino a la de cualquier otro en un país en paz.
La presentación del ciclo cuenta con la presencia de Rami Abbas, cineasta de origen palestino con formación en Siria y actualmente residente en Madrid. Su trabajo es un ejemplo más de la diáspora, pero de igual forma, de la memoria y la resistencia. Hide & Seek (2024) refleja esa dimensión del éxodo y, sobre dicha experiencia, la protección a los seres más vulnerables.
A su vez, Nisreen Yaseen transmite una visión del tránsito de la infancia a la adolescencia en la que se diluye el ruido de la guerra, mientras que el galardonado corto animado Zoo (2022), de Tariq Rimawi, es una obra estética de enorme calado simbólico que expone la oposición entre la opresión y la libertad.
Por último, Haneen Koraz ha llevado a cabo todo su trabajo desde los campos de refugiados en la franja de Gaza. Esta realizadora ha dado voz, a través de talleres de cine de animación, a menores, madres y familias. A day in the Tent [Un día en la tienda de campaña, 2024] es una muestra cinematográfica de resiliencia y verdad que permite al pueblo gazatí transmitir al mundo lo que supone vivir bajo las bombas. Y es solo a través de la mirada de la infancia, de sus dibujos, como se muestra esta realidad sin prejuicios.
READ Madrid. Festival de Libros e Ideas
Viernes 17 y sábado 18 de abril, 2026 – Consultar programa
READ Madrid. Festival de Libros e Ideas nace como un espacio de encuentro para voces críticas y experimentales en el ámbito de la literatura, la teoría y la edición. Con especial atención a las prácticas de producción artística y de edición autónomas, y tratando de tejer un puente cultural transatlántico con América Latina, el programa busca descentrar los marcos hegemónicos de producción del saber y abrir nuevas comunidades de interpretación y horizontes de imaginación política. Para ello, toma la escritura y la lectura, entendidas de manera amplia y plural en sus modos, formas y registros, como configuradoras de un laboratorio público de aquello que llamamos estudio: un espacio para pensar en colectivo, debatir y acuñar ideas, hacer y deshacer argumentos, así como articular nuevos imaginarios y formas de enunciación.
En un contexto de crisis ecológica, política y epistemológica, el festival propone modalidades de encuentros que permiten sostener tiempos y espacios para pensar en común, y contribuir así a reconfigurar los términos del debate cultural. De esta forma, el programa se concibe como una intervención en las condiciones contemporáneas de circulación y legitimación del pensamiento y la creación, ampliando los márgenes tradicionales del libro y enlazando literatura, artes visuales, performance y pensamiento crítico. Estos formatos se organizan en torno a tres ejes temáticos protagonizados por voces relevantes de la escritura, la creación y el pensamiento actuales.
Los ejes temáticos de READ Madrid. Festival de Libros e Ideas son: lo popular minoritario, o cómo activar una práctica de lo popular emancipadora; paz rabiosa, o cómo sostener la justicia, el duelo y la reparación sin recurrir a imaginarios pacificadores exentos de conflicto; ficción frente a olvido, en el que se aborda el papel de la ciencia ficción, el terror y las narrativas especulativas como resistencia frente al liberalismo del olvido. Se trata, en definitiva, de interrogar a nuestro presente desde la potencia que las ideas y los libros pueden convocar en un espacio compartido de estudio, debate y disfrute.
Juan Uslé y la experiencia neoyorquina
Miércoles 15 de abril, 2026
En el marco de la exposición Juan Uslé. Ese barco en la montaña, esta mesa redonda propone un viaje hacia un tiempo y un lugar decisivos: el Nueva York de los años ochenta y noventa, escenario de una efervescencia artística que marca profundamente a toda una generación de artistas procedentes de España que encuentran allí un territorio fértil, caótico, exigente y lleno de posibilidades. Tal es el caso de Juan Uslé, que en enero de 1987 atravesó el Atlántico en dirección contraria al buque Elorrio —cuyo hundimiento en 1960 en la costa de Langre (Cantabria) quedaría grabado en su memoria— y fijó su residencia en Nueva York.
La conversación, moderada por el comisario de la exposición Ángel Calvo Ulloa, reúne a Juan Uslé, Vicky Civera, Txomin Badiola y Octavio Zaya, cuatro voces que vivieron ese momento desde perspectivas diversas y complementarias. Su diálogo reconstruye la experiencia de llegar a un contexto ajeno y explora los modos en que estas figuras del arte forjan vínculos y comunidades en un ambiente atravesado por la intensidad creativa y las tensiones del cambio cultural.
Asimismo, se aborda la relación con un Museo Reina Sofía que, en esos años, comienza a redefinir su papel dentro del ecosistema artístico internacional. La mesa invita a reflexionar sobre cómo se percibe, desde la distancia neoyorquina, la escena española y la institución museística, recuperando a través de la oralidad un episodio clave de la historia del arte español.