Celebrada el 26 feb 2021
La Cátedra Juan Antonio Ramírez del Museo Reina Sofía invita a la cineasta, poeta y escritora Margarita Ledo (Castro de Rei, Lugo, 1951) a su programa de conferencias magistrales. Exiliada en Portugal en los años finales de la dictadura franquista, que la perseguía por su militancia en la Unión do Povo Galego, Margarita Ledo es hoy miembro de la Real Academia Galega y catedrática de Comunicación Audiovisual en la Universidad de Santiago de Compostela. Su filmografía supone una singular apuesta dentro del cine de autor por el modelado continuo de unos temas recurrentes, que van asentándose en busca de una cada vez mayor complejidad formal. Entre ellos, destaca el especial énfasis que otorga a la recuperación de voces de mujeres migrantes, cuyos relatos están marcados por la diáspora y los exilios.
En esta edición de la Cátedra, articulada en una conferencia magistral, Margarita Ledo propone una reflexión en torno al cuerpo como vestigio, como punto de llegada tras recorrer un hilo invisible que transita por un cine de la memoria, de los contrapoderes, de la marginación de la mujer del espacio público, del extrañamiento de su propio cuerpo y del poder del ensayo fílmico como práctica artística.
Como presentación e inicio del debate, reproducimos estas palabras de la cineasta:
“Las diferentes escrituras del ‘yo’ con el cuerpo como artefacto, como archivo de vestigios y de interferencias, como sujeto de deseo, como lugar para hacer cine, se distinguen unas de otras porque en cada uno de sus fragmentos reside la huella en la que se inscribe ese desasosiego elemental que conlleva producir una imagen y mirar. Por eso, en cada obra, de alguna manera, resuenan esos ‘golpes detrás de la puerta’ que suelen dormitar en notas, dietarios, situaciones que rememoramos y que nos traen para las manos esas creadoras de actitud no reconciliada que a nivel intelectual y personal transitaron la noche; expusieron, en primer plano, su existencia; hicieron del filme una experiencia también para quien mira.
Recorrer los pliegues, la línea de sombra en la que se engarzan variaciones de esa mirada diferente, de ese female gaze que los estudios feministas persiguen y que va más allá de las obras realizadas por mujeres, es nuestro compromiso con autoras y autores que, a nivel de pensamiento —de Benjamin a Stuart Hall—, siguen siendo fuente, con aquellas prácticas que, desde la historia material de la cultura, toman posición en armonía con Adrienne Rich y sus reflexiones en su ensayo seminal ‘Notes toward a Politics of Location’ (1985) o con una generación en presente de la que una obra de aroma fenomenológico como la de Iris Brey, Le regard féminin (2020), es un síntoma gozoso que se alarga a las creadoras que llegan al mundo de la performance para transitar la oscuridad apoyándose en la incorporación canónica de imágenes patriarcales y la decisión de resignificarlas.
En su doble percepción —que comienza en ese momento de gracia que te vincula con determinada secuencia de un viaje hacia la producción de esa imagen ‘otra’ y continúa en la de quien mira—, el cuerpo deviene un realizativo contra la fetichización. Es un viaje en el que resuena un objeto múltiple que se formaliza en el flujo de pensamiento sobre lo vivido, en los ‘sentimientos oscuros’ en torno a ciertos episodios que tal vez deban quedarse en lo oscuro, no ser revelados, y que Chantal Akerman nos regala en Ma mère rit. Traits et portraits (2013). Aunque, repentiza, a veces es muy importante buscar la verdad. Cuando la hay, la sentimos en los libros y en los filmes, se dice a sí misma la Akerman. Sentimos que hay algo que ‘pasa subterránea y lentamente, a veces muy lentamente; cuando ni piensas en ello, la verdad aparece y se produce un momento extraordinario que no llega todos los días; un buen momento, tan bueno que de repente nos sentimos calmas y ligeras’.
Esta verdad oscura fue exilio y aniquilación, algo difícil de nombrar. Fue la marginación de la mujer del espacio público, el extrañamiento de su propio cuerpo. Es la intrahistoria del siglo. Pero, desde la oscuridad, el ensayo fílmico emerge en la pantalla como paisaje, como práctica artística, como encuentro de la carne con el cuerpo. Y esa verdad latente, oscura, adquiere sentido. Como en 1928, mientras Walter Benjamin entrevista a André Gide en Berlín. En determinado momento el escritor cita al marinero de Bougainville: ‘Cuando abandonamos la isla le dimos el nombre de Isla Salvador’. Y Benjamin comenta que entonces, precisamente entonces, Gide añade aquella frase estremecedora: ‘Ce n’est qu’en quittant une chose que nous la nommons’ [Es solo cuando abandonamos algo que lo nombramos]. En ese instante da comienzo el relato. La memoria es ahora material en bruto para una obra que nos sirve, tal vez, para colmar los huecos. Las quiebras en el proceso histórico. Los miedos”.
Margarita Ledo, febrero de 2021
Organiza
Museo Reina Sofía
Colabora
Máster universitario en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual, organizado por la Universidad Autónoma de Madrid, la Universidad Complutense de Madrid y el Museo Reina Sofía
Programa
Cátedra Juan Antonio Ramírez
Programa educativo desarrollado con el patrocinio de
Fundación Banco SantanderParticipantes
Margarita Ledo Andión es cineasta, escritora, docente e investigadora. Catedrática de Comunicación Audiovisual de la Universidade de Santiago de Compostela y directora del Grupo de Estudios Audiovisuales de esa Universidad. Sus estudios en torno a la política de representación en la imagen documental fotográfica y cinematográfica se reflejan en obras como Del Cine Ojo a Dogma 95 (Paidós, 2004) o Cine de fotógrafos (Gustavo Gili, 2005). Entre sus filmes pueden destacarse el documental Santa Liberdade (2004), Liste, pronunciado Líster (2007) y A cicatriz branca (2012). En 2008 recibió el Premio Nacional da Cultura Galega en la modalidad de cine y audiovisual y, desde ese mismo año, es numeraria de la Real Academia Galega.
Más actividades
El sí mágico
Jueves 28 de mayo, 2026 - 17:30 H
Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que han participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa se articula en cuatro bloques temáticos en torno a la idea de lo monstruoso.
Esta última sesión se articula en torno a High Roads (Giuliana Racco, 2022), una película que desplaza la mirada desde los grandes relatos del genocidio en Palestina hacia formas cotidianas de resistencia. A través de cuatro mujeres palestinas que practican deporte, respiración y otras disciplinas corporales en un contexto marcado por la ocupación militar israelí, la obra muestra cómo el cuidado, la persistencia y la construcción de comunidad pueden convertirse en prácticas políticas. La película conecta con la idea del “sí mágico” desde la decisión de seguir produciendo bienestar, movimiento y vínculos allí donde las condiciones parecen impedirlo.
También propone una forma de descentralización: la resistencia no aparece en las instituciones ni en los discursos oficiales, sino en los cuerpos, los afectos y los gestos compartidos.Esta última sesión se desarrolla a partir de películas que ensayan formas de desviarse del eje institucional y activar otros modos de mirar, jugar, resistir y organizarse colectivamente. A través de máscaras, reglas alteradas, ficciones corporales o prácticas cotidianas de cuidado, las obras trabajan con situaciones donde aceptar lo improbable o lo extraño funciona como una especie de «sí mágico»: un gesto que permite que algo se desplace y se transforme dentro de un contexto hegemónico.
El museo deja entonces de aparecer como un lugar fijo desde el que se ordena la cultura y pasa a convertirse en un espacio atravesado por otras reglas, temporalidades y maneras de habitar lo común. Las películas reunidas en esta sesión desplazan la mirada hacia lo que normalmente queda fuera: territorios periféricos, prácticas híbridas, gestos torpes pero llenos de intención o formas de organización alejadas de los códigos dominantes. En lugar del brillo institucional, aquí aparecen lo áspero, lo precario y lo extraño como formas legítimas de hacer y mostrar cultura.
La propuesta no busca tanto afirmar una nueva centralidad como abrir una pregunta sobre qué ocurre cuando la autoridad del centro se desestabiliza y otras sensibilidades, cuerpos o imaginarios entran en escena. Un cine que, más que ofrecer respuestas cerradas o buscar consenso, ensaya maneras distintas de habitar el museo y de producir espacio común.
Ordinario, común y público. Arreglos comunes para comunidades ordinarias
26, 27 MAY 2026
Ordinario, común y público. Arreglos comunes para comunidades ordinarias es el título del decimocuarto encuentro de Sociología Ordinaria, un grupo de investigación transdisciplinar que explora el conocimiento cotidiano, considerado como ordinario, superficial o frívolo por la visión académica e intelectual tradicional.
Esta edición propone abordar y mapear las conexiones entre los conceptos de lo común y lo público —recordando que lo ordinario también es lo común— y procurar la movilización de los afectos y humores del descontento hacia la esperanza.
A través de sus múltiples declinaciones —la comunidad, lo comunitario, el procomún, lo comunal—, el encuentro pretende reflexionar sobre las diferentes formas de crear, (re)configurar, mantener, arreglar, apañar, cuidar y defender lo público y lo común. Por otra parte, se indaga en sus formas de invocación y experimentación como herramientas frente a las impotencias generadas en este presente incierto, así como en las resistencias a los intentos de su expropiación, tergiversación, privatización y turistificación.
Felix Gonzalez-Torres. Dulce venganza
26 MAY 2026
Nancy Spector y Alejandro Cesarco, comisarios de la exposición Felix Gonzalez-Torres. Dulce venganza, conversan con Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía, en una sesión dedicada a profundizar en los marcos de lectura de esta muestra, la primera presentación a gran escala en Madrid de la obra de Felix Gonzalez-Torres (1957–1996), cuya práctica continúa generando nuevas resonancias en el presente.
La conversación parte del propio título de la exposición, Dulce venganza, entendido como una noción paradójica que articula buena parte del pensamiento del artista. Desde ahí se exploran las tensiones que recorren su trabajo: la convivencia de registros opuestos, la ambigüedad como método y la carga simultáneamente afectiva y política de sus obras.
El diálogo recorre también algunos de los ejes que atraviesan su producción, como las nociones de identidad, ciudadanía y autoridad, junto a experiencias vinculadas a la crisis del sida y a emociones como el amor, la pérdida, el duelo o el optimismo. Se presta especial atención a la forma en que Gonzalez-Torres desplaza lenguajes asociados al arte povera, el conceptualismo y el minimalismo hacia estructuras abiertas, participativas y profundamente personales.
La sesión incluye asimismo una reflexión sobre el proceso de investigación que ha dado forma a la exposición, permitiendo situar las decisiones curatoriales y los criterios que la estructuran. En este contexto, la obra de Gonzalez-Torres aparece como un dispositivo que implica directamente a quienes la activan o la interpretan, distribuyendo la responsabilidad en la producción de sentido, siempre inestable y en constante negociación.
Estas charlas inaugurales, que forman parte de una de las líneas de trabajo principales del Área de Programas Públicos, tienen como objetivo profundizar en los contenidos de las exposiciones organizadas por el Museo desde la perspectiva de artistas, comisariadosy especialistas.
Klangforum Wien
25 MAY 2026
Bajo la dirección de Josep Planells Schiaffino, Klangforum Wien regresa al escenario, por segunda vez en esta temporada del ciclo Series 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), para protagonizar una velada que celebra el diálogo entre dos figuras fundamentales de la música contemporánea: Georg Friedrich Haas y Mauricio Sotelo.
El ensemble austriaco interpreta, en primer lugar, Hommage à Bridget Riley, obra del propio Haas inspirada en el arte óptico de la pintora británica, y, a continuación, el estreno absoluto de Homenaje a Georg Friedrich Haas, nueva obra de Mauricio Sotelo que rinde tributo al compositor austríaco desde una perspectiva personal. Un encuentro entre dos universos creativos complementarios que comparten una misma voluntad de exploración sonora.
De Viva Voz 2. Elena Alonso
Lunes 25 de mayo, 2026 — De 18:30 a 20:00 h
La obra Antojo, expuesta en la Sala 14 de la cuarta planta del Museo, consiste en un arco de medio punto que funciona como continente y catalizador de múltiples referencias ornamentales y formales de la artista Elena Alonso, condensadas en un objeto liminal. A medio camino entre la escultura, la arquitectura y la instalación, la pieza acoge la experiencia-ritual de paso que supone atravesar el umbral que propone, activando en ese tránsito otros sentidos y lecturas.
La propia artista, en conversación con la comisaria Beatriz Alonso, arroja luz en este encuentro a dichas referencias, en un diálogo que pretende además dar contexto a una pieza que condensa inquietudes y prácticas de la autora en torno a la escultura en los últimos diez años.