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5 septiembre, 2016
Mesa 1. Redes, nodos y zonas de contacto para un orden geopolítico no alineado
Desde la Conferencia de Bandung de 1955, el Movimiento de Países No Alineados ofreció una alternativa a la división bipolar del mundo impuesta por las dos superpotencias, Estados Unidos y la Unión Soviética. El intento por buscar otra configuración forjó una liga de Estados-nación periféricos e inspiró nuevas formaciones culturales y artísticas. A través de este eje central del congreso, Atlántico Frío trata de impulsar estudios transnacionales que visibilicen redes de colaboración desarrolladas por artistas, críticos, comisarios e instituciones con o inspiradas por el Movimiento de Países No Alineados. Así, se muestra el modo en que esas constelaciones alternativas contribuyeron a consolidar una cultura transcontinental y hasta qué punto esos cruces y entrelazamientos subvirtieron las geografías de la Guerra Fría.
Bienvenida
09:00-09:30 hWalter Mignolo
Las repercusiones generales de la Conferencia de Bandug
09:30-10:30 hLectura de comunicaciones
Modera: Jesús Carrillo
10:30-11:15 hArmin Medosch
Cold Art Collectives [Colectivos de “Arte frío”]
Jennifer Josten
Non-Aligned Modernism in Mexico: Mathias Goeritz and the 1968 Olympics [Modernidad no alineada en México: Mathias Goeritz y los Juegos Olímpicos de 1968]Pausa
11:15-11:45 hLectura de comunicaciones
11:45-12:30 hKatarzyna Cytlak
Red Atlantic: artistic networks of the Cold War margins. Relations between Eastern Europe and Latin America in the 1970s and 1980s [Atlántico rojo: redes artísticas en los márgenes de la Guerra Fría. Las relaciones entre la Europa del Este y América Latina en los setenta y los ochenta]Bojana Piskur
Solidarity in Arts and Culture. Some cases from the Non Aligned Movement [Solidaridad en las artes y en la cultura. Algunos casos del Movimiento de los Países no Alineados]12:30-13:00 h
Ronda de preguntas de las comunicacionesRespuesta: Atreyee Gupta
13:00-13:20 hMesa redonda final
13:20-14:00 hPausa para la comida
14:00-16:00 h -
5 septiembre, 2016
Mesa 2. Hegemonías en pugna
La colisión entre las dos superpotencias generó un marco bilateral de aspiraciones y expectativas en gobiernos y bloques de oposición deseosos de ser "modernos". De esas negociaciones entre diferentes nociones de modernidad y de las circunstancias y condiciones de los contextos locales se derivó un amplio abanico de prácticas artísticas y discursos estéticos, a menudo contradictorios. La búsqueda de autonomía, soberanía y progreso de esos Estados coincidía con la necesidad de reconocimiento como miembros de un nuevo orden geopolítico.
Desde una óptica abierta y plural, esta mesa plantea un debate acerca de los intercambios y confrontaciones inherentes a la lucha por la hegemonía cultural en una coyuntura marcada por la emergencia de nuevas potencias geopolíticas en la arena crecientemente globalizada de la Guerra Fría.
Sarah Wilson
Picasso en China. Escribiendo la ópera, 2014
16:00-17:00 hLectura de comunicaciones
Modera: Mark Nash
17:00-17:45 hVardan Azatyan
Art History, the Ape of the Cold War: the Case of H.W. Janson [La historia del arte, el “simio” de la Guerra Fría: el caso de H. W. Janson]Michele Greet
Andean Abstraction as Displayed at the OAS [La abstracción andina en la exposición de la OAS]Pausa
17:45-18:15 hLectura de comunicaciones
18:15 -19:00 hFabiola Martínez
The Inter-American Biennials in Mexico 1958 and 1960 [Las Bienales Interamericanas de México de 1958 y 1960]Irene Herner
Siqueiros and the Cold War (1955-1974) [Siqueiros y la Guerra Fría (1955-1974)]Ronda de preguntas de comunicaciones
19:00 -19:30 hRespuesta: Julia Bailey
19:30-19:50 hMesa redonda final
19:50-20:30 h -
6 septiembre, 2016
Mesa 3. Resistencia, disidencia y utopía
En un mundo donde las políticas imperialistas y neocoloniales fueron impuestas en ambos lados del Telón de Acero, las prácticas artísticas proporcionaron modos de resistencia, lucha y subversión. Esta mesa tiene como objetivo estudiar prácticas vanguardistas y experimentales analizando sus fundamentos y sus contextos estéticos, políticos y sociales, y su papel como modelos de resistencia ante las culturas normativas del momento.
De este modo, se enfatiza el rol desempeñado por la producción artística y los diferentes agentes culturales que operaron tanto en centros hegemónicos como en espacios subalternos en el eje transatlántico, en tanto que constituyeron elementos de subversión operativos en movimientos contraculturales capaces de imaginar formas alternativas de organización social.
Andrea Giunta
Descolonización del canon: archivos del feminismo artístico en América Latina, 1960-1980
09:30-10:30 hLectura de comunicaciones
Modera: Olga Fernández
10:30-11:15 hPetra Lange-Berndt
Cold War Communes [Comunas de la Guerra Fría]Jacopo Galimberti
Transindividuality and Singularities. Western Artists against the Free World [Transindividualidad y singularidades. Artistas occidentales contra el mundo libre]11:15-11:45h
PausaLectura de comunicaciones
11:45-12:30hMaría Gaztambide
Dead Matter for an Enlivened Practice: The Dissident Scatology of Venezuela’s El Techo de la Ballena [Materia inanimada para una práctica animada: la escatología disidente de El techo de la Ballena en Venezuela]George Flaherty
Chicano Camera, Anti-colonial Aesthetics [Cámara chicana, estética anticolonial]Ronda de preguntas de comunicaciones
12:30-13:00 hRespuesta: Jaime Vindel
13:00-13:20 hMesa redonda final
13:20-14:00 hPausa para la comida
14:00-16:00 h -
6 septiembre, 2016
Mesa 4. Orden global: más allá de la Guerra Fría
En 1967 el filósofo francés Guy Debord interpretaba la división bipolar del mundo, el capitalismo versus el comunismo, como un sistema global e interdependiente de espectáculo total. Debord entendía que los complejos entrecruzamientos geopolíticos y sus repercusiones en las esferas política, social y cultural, acelerados por el rápido desarrollo de las redes mediáticas y económicas, estaban evolucionando hacia una única totalidad que, en gran medida, ha determinado y ha dado forma al actual mundo globalizado. Esta mesa de Atlántico Frío atiende a los diálogos y entrelazamientos entre las esferas artística y cultural durante la Guerra Fría y su persistencia en el mundo actual. Se plantea, pues, pensar hasta qué punto las configuraciones transatlánticas, en el tránsito de la modernidad a la contemporaneidad, han dado forma al actual orden global.
Jonathan Harris
El arte contemporáneo global y el legado de la Guerra Fría. El DMZ Project de Corea del Sur, 2011-2013
16:00-17:00 hLectura de comunicaciones
17:00-17:45 hErina Duganne
Group Material’s “Art for the Future”: Visualizing Transnational Solidarity at the End of the Cold War [El “Arte para el futuro” del Group Material: la imagen de la solidaridad transnacional al final de la Guerra Fría]Andrea Noble y Thy Phu
Cold War Camera: Feeling Suspicious [La cámara de la Guerra Fría: el sentimiento de sospecha]Pausa
17:45-18:15hLectura de comunicaciones
Modera: Chema González
18:15-19:00 hKristian Handberg
Multiple modernism: New globalized framings of the postwar era in the contemporary exhibitions After Year Zero and The World Goes Pop [Modernidad múltiple: nuevos enfoques globalizados de la época de la posguerra en las exposiciones actuales After Year Zero y The World Goes Pop]Terry Smith
Cold War Recurrence, Contemporary Events [Recurrencia de la Guerra Fría, sucesos actuales]Ronda de preguntas de comunicaciones
19:00-19:30 hRespuesta: Paula Barreiro
19:30-19:50 hMesa redonda final
19:50-20:30 h -
7 septiembre, 2016
Mesa redonda con los conferenciantes
Participantes: Walter Mignolo, Andrea Giunta, Sarah Wilson y Jonathan Harris
Moderador: Serge Guilbaut
17:00-19:00 h
Atlántico Frío
Guerra cultural, disidencia artística, redes y zonas de contacto en los tiempos del Telón de Acero
Celebrada el 05, 06, 07 sep 2016
El congreso internacional Atlántico Frío aborda los intercambios artísticos, culturales y estéticos que se produjeron entre Estados Unidos, Europa, África y América Latina durante la Guerra Fría, con el objetivo de poner de relieve los ejes de alineamiento entre los actores que se vieron atrapados en este gran teatro estratégico. Las mesas de debate, conferencias y comunicaciones que forman parte del congreso, seleccionadas en una convocatoria internacional abierta, proponen rescatar nodos de influencia y circulación cultural hasta ahora poco estudiados, con la finalidad de descentrar el eje París-Nueva York —todavía predominante y omnipresente en los estudios de la Guerra Fría y sus avatares artísticos— y promover una discusión que otorgue voz a las expresiones culturales que se generaron al margen de las estructuras oficiales de poder.
Partiendo de la desestabilización del status quo que supusieron la Conferencia de Bandung (1955) y la revolución húngara (1956), se destacan las formas de mediación, disidencia y resistencia que ofrecieron respuestas alternativas al cisma ideológico y estético que marcó el contexto cultural y social tras la Segunda Guerra Mundial. Desde esta perspectiva, se plantea dibujar una nueva cartografía de prácticas artísticas y de relaciones institucionales, subjetivas y políticas, que reconsidere las diferentes narrativas en pugna del arte moderno.
Este ejercicio de reconsideración no solo muestra alternativas a la visión occidental dominante, sino que también pone de relieve los vínculos que, a menudo, han servido como plataformas para materializar respuestas disidentes al orden geopolítico de la Guerra Fría, un periodo clave en la configuración del mundo globalizado actual.
Por último, la propia posición “periférica” de España con respecto al Reino Unido, Francia y Estados Unidos abre un espacio propicio para repensar el papel del arte moderno y cuestionar el relato basado en el concepto de progreso que ha dominado el estudio de la modernidad artística.
Este proyecto es posible gracias a la contribución de la Terra Foundation for American Art
Comité científico
Paula Barreiro López, Fabiola Martínez Rodríguez, Chema González, Carlos Prieto del Campo, Olga Fernández López, Juan Albarrán, Julia Bailey, Andrea Giunta, Serge Guilbaut, Jonathan Harris y Jesús Carrillo
En el marco del proyecto de investigación
Modernidad(es) descentralizada(s): arte, política y contracultura en el eje transatlántico durante la Guerra Fría (HAR2014-53834-P)
Actividades asociadas
Taller predoctoral en la Universidad de Barcelona 8 y 9 de septiembre de 2016
Agradecimientos
Organiza
Museo Reina Sofía, Saint Louis University, Universidad de Barcelona y Universidad Autónoma de Madrid
En colaboración con
Organiza
Recursos
Programa Atlántico Frío
Más actividades
![Isabel Coixet, 100 Years and You Everywhere [100 años y tú en todos los sitios], 2026, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/2.diseminar-mundo.jpg.webp)
John Berger e Isabel Coixet. Modos de seguir viendo
Jueves 17 de septiembre, 2026 - 19:00 H
Ways of Seeing [Modos de ver, 1972] es una de las series de televisión más revolucionarias sobre la historia del arte, el museo y la cultura crítica contemporánea. A lo largo de cuatro episodios, un articulado y entusiasta John Berger desgrana las relaciones del arte clásico con la mirada y las nuevas tecnologías, el desnudo y el feminismo, la pintura sobre óleo y el fetichismo de la mercancía, la publicidad y el consumo. Un nivel de compromiso crítico tan solo equiparable a su capacidad de divulgación; no es de extrañar que la serie, así como el libro que la sintetizara, continúe forjando vocaciones. En esta sesión, los historiadores del arte Alberto López Cuenca y Modesta Di Paola realizan un análisis del Berger audiovisual, con especial énfasis en los capítulos 1 y 4 de la serie. En el primer capítulo, Berger reflexiona acerca de la conexión entre el hecho de ver, mirar y ser a la luz de las nuevas tecnologías, como la cámara de cine. A su vez, analiza cómo la cultura de la reproducción está transformando las pinturas en mensajes o fragmentos de comunicación mientras defiende la importancia del silencio ante las pinturas históricas. En el capítulo cuarto, último de la serie, introduce la publicidad como un nuevo lenguaje icónico-verbal que comparte ciertos principios con el mensaje de la pintura al óleo en tanto que objeto de lujo.
La sesión abre con el estreno de una carta de Isabel Coixet, una de las cineastas españolas más reconocidas internacionalmente, a John Berger, con quien compartiera una larga amistad y admiración. El corto es un una muestra de la presencia ubicua y duradera del autor de Modos de ver, pese a su fallecimiento el pasado 2017.
![Chantal Akerman, Woman Sitting after Killing [Mujer sentada después de matar], 2001, instalación. Museo Reina Sofía](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/chantal-akerman-mujer-sentada-despues-matar.jpg.webp)
En tu pantalla: la historia del arte y del museo ante el reto audiovisual
18, 19 SEP 2026
El congreso En tu pantalla: la historia del arte y del museo ante el reto audiovisual invita a debatir las transformaciones que experimentan la historia del arte y el espacio museístico cuando adoptan el formato audiovisual. El punto de partida es la emblemática serie televisiva Ways of Seeing (1972) de John Berger, un hito en la democratización del discurso histórico-artístico. En esta serie, el escritor ilustraba cómo el traslado de una obra como Los fusilamientos del 3 de mayo de Goya desde las salas del museo hasta la pantalla doméstica alteraba por completo la experiencia del espectador, haciendo que la imagen viajara hacia él.
En el siglo XXI, este ecosistema de pantallas se ha expandido exponencialmente. Los museos ya no solo integran proyecciones y dispositivos en sus salas físicas, siguiendo la estela de numerosas exposiciones dedicadas a la imagen en movimiento, sino que despliegan complejas estrategias virtuales. Al mismo tiempo, multitud de personas historiadoras, estudiantes y creadoras utilizan plataformas digitales para difundir ideas y proyectos. Este giro audiovisual abre el acceso a materiales ignorados y democratiza el conocimiento, y además desafía las jerarquías tradicionales y la autoridad interpretativa de las instituciones. El congreso, promovido por el proyecto de investigación ATLAS AV: La audiovisualización de la historia del arte y del museo, propone analizar este abundante material audiovisual, sus archivos y su capacidad para transformar la memoria del arte.
Godard y Miéville: tiempo y ruina
Viernes 18 de septiembre, 2026 - 19:00 H
Habitar las ruinas del museo como institución que produce significado y ordena el conocimiento era la petición que el crítico de arte Douglas Crimp formula a los artistas de la posmodernidad crítica en la década de 1980. Es decir, exponer en el museo, pero evidenciando su crisis y sus zonas de sombra. Tal es también la pretensión de Jean-Luc Godard y Anne-Marie Miéville en estos dos mediometrajes. El primero, The Old Place. Small Notes Regarding the Arts at Fall of 20th Century (1999), es un encargo de The Museum of Modern Art (MoMA). En el ocaso del milenio, los autores proponen veintitrés tesis de lo que queda de ese «viejo lugar», que no es otra cosa que un museo extenuado tras un siglo de barbarie. Quizás, insisten con melancolía, el museo deba seguir siendo simplemente una idea, una «leyenda», mientras se suceden imágenes de obras de arte que caracterizaron el siglo XX. Reportage amateur (maquette expo) (2006) es otra ruina, en esta ocasión una reliquia. Se trata del único resto de la gran exposición nunca realizada que el autor de Film socialisme preparaba para el Centre Georges Pompidou. Una simple maqueta de papel frágil y doméstica en la que el cineasta había plasmado todo su pensamiento sobre el arte, el cine, la historia, la humanidad; la redención, a fin de cuentas. Un museo imaginario en el que conviven Matisse, Goya, Delacroix, Hannah Arendt, Sharon Stone, Emmanuel Lévinas o Charles Chaplin, y que la videocámara de Anne-Marie Miéville recorre estupefacta mientras la voz en off de Godard desgrana las diferentes salas. Pese a todo, el museo, ese viejo lugar en su dimensión más frágil, se muestra como el único dispositivo capaz de dar forma a las reflexiones de uno de los grandes intelectuales de nuestro tiempo.
![Ariella Azoulay, Un-documented. Unlearning Imperial Plunder [Indocumentados. Desaprendiendo el saqueo imperial], 2019, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/5.diseminar-mundo.jpg.webp)
Museos y restitución
Sábado 19 de septiembre, 2026 - 19:00 H
Siglos de expolio, décadas de amnesia, años de connivencia con el poder más extractivista, ¿tiene el museo, tal y como es conocido, razón de ser en una sociedad poscolonial? En esta sesión se exponen las operaciones del museo como una máquina colonial, a la vez que se apuntan ideas para pensar una institución por venir más justa, igualitaria e inclusiva con las voces marginalizadas y minorizadas de la sociedad en sus narraciones. La sesión comienza con el estreno internacional de Quinto verso, parte de Tonada, en el que se presenta una visión de la Colección Quimbaya (siglos V-VI d.C.) del Museo de América de Madrid. Montada con voces y cánticos de plañideras y guías wayúu, no solo como forma de devolver la función a estos ídolos de oro —figuras antropomorfas de hombres y mujeres usados como recipientes en prácticas rituales — más bien, de fabular que aquello que debe exhibirse no es el oro, sino el cántico mismo propio del ritual. En el clásico Me escondes (1970), el ghanés Kwate Nee-Owoo accede a la colección de arte africano del British Museum, ubicada en los sótanos del edificio, para preguntarse con qué sentido el museo expolia y anula. Un magnífico ejercicio de crítica institucional en primera persona, proyectado por vez primera en España. Casi setenta años después de que Resnais y Marker filmaran Las estatuas también mueren (1953), una reflexión sobre el valor aurático del museo frente a la pertenencia identitaria y cultural del arte africano, la teórica Ariella Azoulay vuelve a rodar las mismas estatuas en el Museo del Trocadero (actual Quay Brainly), las cuales sobreviven y esperan poder reunirse con su gente. Azoulay, en una original propuesta que apunta una lección para el museo del futuro, conecta la migración forzada de estas esculturas con el tránsito masivo de personas cruzando las fronteras artificialmente impuestas por el mismo sistema que ha expoliado su cultura.
Escuela de institucionalidad transformativa y organización local
Del 21 al 24 de septiembre, 2026
La Escuela de Institucionalidad Transformativa y Organización Local (S.T.I.L.O., por sus siglas en inglés) es un programa de coaprendizaje y coestrategia que pone en marcha un proceso de intercambio de preguntas, metodologías y experiencias entre organizaciones culturales. Todo ello con el objetivo de generar y poner en circulación y prototipar tácticas, herramientas y conocimientos colectivos sobre prácticas institucionales que abran nuevas vías para la defensa de la cultura y la transformación estructural en diversos contextos geográficos.
Este proyecto forma parte del Laboratorio de Institucionalidad Compartida (LIC) un espacio de investigación, trabajo e incidencia del Museo Reina Sofía dedicado a desarrollar, experimentar y sistematizar prácticas, protocolos y herramientas que contribuyan a un ecosistema cultural más justo y habitable.
Desde hace unos años, la llamada crítica infraestructural en los museos se cuestiona acerca de las infraestructuras materiales, jurídicas y económicas, entre otras, así como las formas de solidaridad y las prácticas necesarias para sostener el ecosistema cultural. Abordando estos debates actuales, S.T.I.L.O. plantea preguntas sobre los modos en que las organizaciones definen e interpretan sus prácticas, organizan sus relaciones y responden a los contextos sociales en los que operan.
Esta escuela reúne a cuatro organizaciones culturales que trabajan desde distintos modelos institucionales —con escalas, contextos, condiciones y modos de trabajo diferentes—, con el objetivo de poner en común estrategias y herramientas de organización, incidencia y relación con sus comunidades locales.
El programa se concibe como un proceso colaborativo en el que participan Arika, La Revuelta, BAK Basecamp y Museo Tentacular (Museo Reina Sofía), y se estructura en torno a sesiones preparatorias en línea y un seminario presencial en Madrid.
S.T.I.L.O. es una actividad enmarcada en la línea de trabajo Organizaciones Situadas del proyecto Museo de los Comunes de L'Internationale, que reflexiona sobre papel de los museos y las organizaciones artísticas como actores dentro de complejas redes sociales y ecosistemas, con el fin de explorar nuevas formas de democratizar las instituciones y hacerlas más abiertas, inclusivas y útiles.