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Viernes, 21 de septiembre
Edificio Sabatini, Sala de Bóvedas
Museo Reina Sofía
18:30 – 19:00 h
Janneke van der PuttenArtista visual y performer holandesa que hace de la voz su instrumento principal. Con ella explora física, sónica y emocionalmente diferentes entornos, empleando técnicas aprendidas durante años de estudio. Su música se aleja de los parámetros usuales de lo moderno, donde la amplificación y la síntesis son la norma, y se centra en la simple resonancia del cuerpo, en el aquí y el ahora.
19:00 – 19:30 h
Agnès PeMusicóloga de lo “no común”, residente en Madrid, su trabajo trasciende los límites de cualquier género. Si en la primera edición de Archipiélago participó con una sesión ecléctica y arrolladora, en esta ofrecerá un concierto intenso, retorciendo miles de archivos MIDI hasta dejarlos irreconocibles, al tiempo que genera nuevas formas y estructuras (ar)rítmicas. Computer music de baja fidelidad y alta fisicidad con una actitud lúdica e imparable: todo o nada.
19:30 – 20:00 h
HashigakariHashigakari rinde homenaje en su nombre al teatro noh japonés. Sus componentes, afincados en Madrid, David Area (electrónica) y Tomás Gris (instrumentos varios y objetos), focalizan su práctica en la libre improvisación y el reduccionismo, inspirándose en la escuela onkyo japonesa y en las obras de grupos como Wandelweiser, para los que el silencio, más allá de un recurso estético, supone el origen de un acontecimiento. Juntos dirigen el sello discográfico Ex-Nihilo y forman parte del ensemble maDam, el colectivo GRS y el cuarteto Nanimo.
20:00 – 20:30 h
Clara de AsísCompositora y guitarrista española radicada en Francia. Sus performances acentúan la simplicidad y la escucha activa como medios de creación musical, por lo que manipula electro acústicamente objetos, materiales y fuentes sonoras con un enfoque minimalista. Su último disco, Do Nothing (2018), es una suite en la que deja que los sonidos producidos entre una acción y otra "vivan" por sí solos, con resultados reveladores para el oyente.
20:30 – 21:30 h
Cedrik FermontNacido en Zaire (actual RDC), criado en Bélgica y residente en Berlín, Fermont se adentra desde 1989 en los dominios de la electrónica y el ruidismo. En Archipiélago ofrece una sesión basada en la investigación y divulgación de las escenas experimentales en varios países africanos y asiáticos. Con estas premisas, ha comisariado varias antologías desde su sello Syrphe y publicado diversos ensayos, entre los que destaca el volumen Not your world music. Noise in South East Asia (2016), escrito junto con Dimitri della Faie.
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Viernes, 21 de septiembre
Edificio Sabatini, Jardín
Museo Reina Sofía
19:30 – 20:30 h
TutuDesde Barcelona, la dj Gemma Planell (Tutu) ha viajado a algunos de los festivales que marcan cómo se entiende una parte de la música actual en Europa (Atonal, TodaysArt, Sónar…). Suele comenzar sus sesiones con grabaciones de pájaros o carreras matinales, en las que se hayan patrones rítmicos a partir de los cuales construye un continuo de texturas oscuras e intensas. El punto de partida de su intervención en Archipiélago es un atardecer a cielo abierto, situación de escucha muy distinta a la de los clubes de electrónica.
20:30 – 22:00 h
ToukadimeToukadime, que significa "presentar" en árabe, se escucha con frecuencia en numerosas grabaciones magrebíes recogidas en formatos analógicos durante buena parte del siglo XX. Es también el nombre del proyecto con el que, desde 2011, los djs franceses Bachir y Krimau preservan y difunden este patrimonio sonoro, que han reunido en una imponente colección de discos de vinilo, a través de digitalizaciones publicadas online, programas radiofónicos y sesiones para la pista de baile como la que proponen en Archipiélago.
22:15 – 23:30 h
Ammar 808El productor tunecino Sofyann Ben Youssef aboga por reinterpretar composiciones tradicionales del Magreb desde una perspectiva futurista, al tiempo que denuncia la crueldad de las fronteras y lucha por superar el separatismo poniendo en valor las diferencias. En Archipiélago presenta el primer álbum de su proyecto Ammar 808, Maghreb United, donde el sonido hipnótico de la gasba y la zokra se yuxtapone al de la legendaria caja de ritmos TR-808, esencial en la definición del electro o el techno, géneros hoy consagrados pero rotundamente innovadores en sus inicios.
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Sábado, 22 de septiembre
Real Conservatorio Superior de Música
Interpretación al órgano del Auditorio Manuel de Falla
16:30 – 17:30 h
Áine O'DwyerLo que ha convertido a esta arpista, vocalista, compositora, improvisadora y artista visual irlandesa en una figura relevante de la música experimental más reciente es sin duda su inusual acercamiento al órgano. Su heterodoxa propuesta parte de la exploración del potencial acústico del instrumento, pero sin olvidar su relación con los espacios que habitualmente ocupa o su dimensión sacra. En Archipiélago O'Dwyer ofrece una interpretación site-specific, al utilizar el órgano del auditorio Manuel de Falla.
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Sábado, 22 de septiembre
Edificio Sabatini, Auditorio
Museo Reina Sofía
18:00 – 19:00 h
Tarawangsawelas + Rabih BeainiTeguh Permana y Wisnu Ridwana, procedentes de Bandung (Indonesia), realizan a dúo su especial versión del tarawangsa, una música propia de rituales y ceremonias procedente de Sunda, en Java Occidental. Para ello utilizan dos instrumentos, el tarawangsa, similar a un violín de dos cuerdas, y el jentreng, cítara de siete cuerdas. En su paso por Archipiélago contarán con la colaboración del inclasificable Rabih Beaini, artista libanés también conocido como Morphosis, quien procesará el sonido del dúo y lo llevará hacia direcciones nuevas e inesperadas.
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Sábado, 22 de septiembre
Edificio Sabatini, Jardín
Museo Reina Sofía
19:15 – 20,15 h
Nadah El ShazlyAhwar (2017), debut discográfico de esta joven vocalista y multi instrumentista asentada en El Cairo, que ha sido aclamado por los medios especializados, constituye una excelente introducción a la efervescente escena musical de la capital egipcia. Aún por descubrir en nuestro país, El Shazly mostrará en Archipiélago el personal discurso sonoro que articula sus canciones, donde a las habituales estrategias de improvisación y uso de la electrónica, suma elementos de la música popular árabe de principios del siglo XX, aunque sin asomo de nostalgia, más bien aprovechando su vigencia y potencial renovador.
Después de trece años de espera, celebramos la aparición del último álbum en solitario del alemán Erik Wiegand (Errorsmith), Superlative Fatigue (2017), cuyo título, además de remitir a su extenuante proceso de creación, bien podría servir para definir el cansancio que produce la repetición de las fórmulas caducas y predecibles de determinados estilos musicales, algo de lo que Errorsmith consigue zafarse siempre con éxito e imaginación. Wiegland ha creado el sintetizador Razor, piedra angular de este último álbum, y forma parte de los grupos MMM con Fiedel (dj residente del club Berghain), y Smith N Hack con Frank Timm (Soundstream).
21:45 – 23:15 h
DJ LagEl gqom, producido en los suburbios de Durban (Sudáfrica), es una mezcla singular de ritmos rotos, minimalismo percusivo y elementos procedentes de géneros como el hip hop, el house e incluso el maskandi (música folclórica zulú). Pese a su corta edad Lwazi Asanda Gwala (Dj Lag) ha conseguido catapultar este sonido eminentemente local al ámbito internacional gracias a sesiones arrolladoras y burbujeantes como la que promete para el cierre de esta edición de Archipiélago.
Celebrada el 21 sep 2018
En su segunda edición Archipiélago reafirma su intención de presentar la escucha como forma de conocimiento y, a la vez, de disfrute estético. En este sentido, invita a comprender la complejidad del mundo contemporáneo no solo a través del oído, sino también del cuerpo, induciendo al espectador a que absorba el sonido con todos sus órganos y huesos.
Este año aumenta el número de artistas participantes y se diversifican los espacios: se celebran conciertos en el Jardín del Edificio Sabatini, en su Sala de Bóvedas y Auditorio, así como en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, vecino al Museo.
Si algo caracterizó en lo musical los primeros años del siglo XXI, esto fue la impresión de una suerte de parálisis, una supuesta incapacidad de contribuir con algo nuevo a una historia entendida como un continuo avance lineal. De ahí que, en 2018, para escapar de una cierta institucionalización en la que ha terminado aislada la experimentación, se opte por explorar otras referencias geográficas, intentando volver a buscar sus orígenes y ecos en lo popular, del que la innovación continuamente se retroalimenta. Asimismo, se propone atender a otras formas de entender la escucha que impliquen el cuerpo a través del baile.
Ana R. Alonso-Minutti, Eduardo Herrera y Alejandro L. Madrid, en el libro Experimentalisms in practice. Music perspectives from Latin America (Oxford Universty Press 2018), definen la experimentación musical no como un concepto universal sino como una noción situada en relación con los contextos específicos en los que surge. Si bien lo experimental debería entenderse como sinónimo de búsqueda, o como aquello que "no tiene límites" según Michael Nyman, en los últimos años se ha visto lastrado por fórmulas predeterminadas, en buena medida deudoras de una concepción principalmente anglosajona y eurocéntrica, que de manera implícita parecen afirmar que aquellas otras expresiones musicales, fuera de sus límites sonoros y geográficos, carecen de la autoproclamada capacidad para mirar hacia el futuro de manera progresista.
Ante este sentimiento de agotamiento convertido en clima de época se ha producido un giro hacia al pasado: escuchar con nuevos oídos todos los registros sonoros del siglo precedente con el deseo de hallar alternativas a las ataduras de un canon construido en base a genealogías y relatos ya exhaustos.
Sin ánimo de construir una nueva jerarquía, las y los artistas de esta edición ofrecen propuestas desde diferentes geografías y prácticas, dando a conocer otros proyectos y contextos históricos, así como otros futuros musicales.
Con el apoyo técnico de
Laboratorio de Informática y Electrónica Musical-LIEM, Centro de Tecnología del Espectáculo-CTE, Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música-INAEM y Real Conservatorio Superior de Música de Madrid-RCSMM
Comisariado
Rubén Coll y José Luis Espejo
Organiza
Museo Reina Sofía
Patrocina
Más actividades
Paisajes en trance. El cine de Oliver Laxe
Del 5 al 28 de febrero, 2026 – Consultar programa
El Museo organiza durante el mes de febrero una retrospectiva completa de la filmografía de Oliver Laxe. El ciclo dialoga con la obra HU/هُو. Bailad como si nadie os viera, una instalación del autor de Sirāt concebida para el Espacio 1 del Museo Reina Sofía. El programa incluye los cuatro largometrajes realizados hasta la fecha por el cineasta, así como sus cortometrajes y una carta blanca de cuatro sesiones programadas por el autor en correspondencia con sus películas e intereses creativos.
Oliver Laxe representa una de las miradas más radicales del panorama fílmico contemporáneo. Su cine es un espacio resiliente, espiritual y transcultural, impregnado de un nomadismo cultural y social que refleja la vida y las creencias del cineasta, y que, en último término, propone una ética antimaterialista para afrontar nuestro tiempo. Su filmografía se caracteriza por una profunda espiritualidad, un tiempo contemplativo y una conexión íntima con la naturaleza y lo sagrado. En sus películas, Laxe ha abordado temas universales, como la redención o el sentido de la existencia, a través de relatos que se desarrollan en paisajes remotos, rurales y atemporales con atmósferas influidas por el cine de género, como el western o el policíaco. Los personajes de su cine, en su mayoría actores no profesionales, atraviesan territorios físicos a la vez que experimentan viajes interiores insuflados por la culpa, el deseo de reintegrarse en comunidad o la realización de un propósito final que ignoran. La naturaleza, con especial énfasis en el desierto y en el paisaje, es otro personaje más, una presencia viva y panteísta que condiciona y refleja los conflictos humanos. El tiempo dilatado, la atención a la experiencia sensorial y las alusiones a la religiosidad antigua nos sitúan en una concepción meditativa del cine que apela a ser un manifiesto para reencantar el mundo.
En la carta blanca el cineasta ha programado cuatro películas que cartografían sus obsesiones. Highway (1999), de Serguei Dvortsevoy, una ruta por los páramos de Kazajistan a través de un circo ambulante; Las estaciones (1975), de Artavazd Peleshian, una oda al transcurrir del tiempo a través del paisaje; Trás-os-Montes (1976), de António Reis y Margarida Cordeiro, una ficción etnográfica del campesinado portugués en sus rituales y pureza vital; y La isla desnuda (1960), de Kaneto Shindô, la lucha cotidiana de una familia de cuatro miembros en un paraíso natural.
Algorave. Compartiendo código vivo
Jueves 12 de febrero, 2026 - 19:30 h
La actividad Algorave. Compartiendo código vivo celebra, en diálogo con la exposición Oliver Laxe. HU/هُوَ. Bailad como si nadie os viera, la cultura del código abierto y la música electrónica. Se trata de una muestra-concierto en la que el alumnado de Sonología y Composición del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (RCSMM) pone cuerpo y sonido a los aprendizajes activados durante las VI Jornadas de Creación Sonora del RCSMM celebradas del 10 al 12 de febrero de 2026.
Al inicio de esta Algorave se introduce a las personas asistentes en algunos datos básicos de la cultura del live coding y en nociones elementales que les permitan seguir, a través de proyecciones, el proceso compositivo en tiempo real. A continuación, la música corre a cargo del alumnado del RCSMM, acompañado y respaldado por participantes de Toplap Madrid, colectivo de referencia en la práctica comunitaria y horizontal del live coding.
Este encuentro nace del compromiso didáctico del equipo de Educación del Museo Reina Sofía con el alumnado y el profesorado del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (RCSMM), colaboración iniciada en 2023 con el proyecto Una grieta: Escúchame a través de los oídos de un extraño.
Trabajo cultural
12 FEB 2026
Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que han participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa consiste en cuatro bloques temáticos alrededor de lo monstruoso.
Esta segunda entrega propone abordar el cine como un lugar desde el que se visibilizan el trabajo cultural y los procesos de producción que dialogan con la creación artística. A partir de esta premisa, la sesión se centra en explorar cómo se producen, ensamblan y distribuyen los contenidos audiovisuales, desde las manos que manipulan las imágenes hasta los cuerpos que participan en su circulación. Se pretende reflexionar así sobre el esfuerzo invisible, la precariedad y las formas de colaboración que sostienen la vida cultural, que transforman la experiencia cinematográfica en un acto de reconocimiento y cuidado del trabajo común.
Alberto Greco. Viva el arte vivo
Martes 10 de febrero, 2026 - 19:00 h
Con motivo de la inauguración de la exposición Alberto Greco. Viva el arte vivo, Fernando Davis, comisario de la muestra, y Amanda de la Garza, subdirectora artística del Museo Reina Sofía, conversan en el Auditorio 400 del Edificio Nouvel sobre la vida y la obra del artista argentino, figura fundamental de la vanguardia experimental.
La exposición y la charla toman el título de la proclama «Viva el arte vivo», con la que Alberto Greco (Buenos Aires, 1931- Barcelona, 1965) inundó las calles y los muros de Roma. Para Greco, el arte vivo fue el arte del futuro. Un arte basado en un conjunto de gestos irreverentes e intempestivos, de aventuras abiertas a lo imprevisto que se fundían con la propia vida, que inicia en 1962 y para el que más tarde acuña el término «vivo-dito». En su Manifiesto dito dell´arte vivo, con el que empapeló las paredes de Génova, animaba a entrar en contacto «con los elementos vivos de nuestra realidad: movimiento, tiempo, gente, conversaciones, olores, rumores, lugares, situaciones». También en Madrid irrumpe en la cotidianidad de la calle cuando convoca un «momento vivo-dito» que culmina con la quema de un lienzo pintado de manera colectiva en el barrio de Lavapiés.
Además de fundador del arte vivo, Alberto Greco fue pintor informalista, flâneur queer o poeta y actor ocasional. Esta intensa singladura vital y artística está íntimamente conectada además con su deriva migrante, que comenzó en 1950 en Buenos Aires, pasando por Atacama y Humahuaca, París, Río de Janeiro, São Paulo, Génova, Roma, Madrid, Piedralaves, Nueva York o Ibiza, para terminar abruptamente en Barcelona, donde se quitará la vida poco después de escribir su última gran obra, la novela Besos brujos (1965).
Estas charlas inaugurales, que forman parte de una de las líneas de trabajo principales del Área de Programas Públicos, tienen como objetivo profundizar en los contenidos de las exposiciones organizadas por el Museo desde la perspectiva de artistas, comisariados y especialistas.
![Basel Abbas y Ruanne Abou-Rahme, At Those Terrifying Frontiers Where the Existence and Disappearance of People Fade Into Each Other [En esas fronteras aterradoras donde la existencia y la desaparición de personas se disuelven entre sí], 2019](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Colecci%C3%B3n/abbasabourahme.png.webp)
Gaza y el esteticidio
Martes 10 de febrero, 2026 – 16:00 h
«Este seminario examina la destrucción sistemática de la sensibilidad colectiva palestina —lo que podríamos denominar "esteticidio"— que ha acompañado al genocidio y ecocidio perpetrados por Israel en Gaza, y considera las condiciones de la práctica artística en su estela. A lo largo de más de dos años, la demolición de universidades, archivos, museos y bibliotecas no solo ha borrado infraestructuras culturales e intelectuales, sino que también ha atacado la propia posibilidad de la representación. La destrucción de un pueblo ha ido acompañada de la destrucción de su imagen, su historia y su capacidad de ser conocido: el periodismo, la investigación académica y la memoria cultural han sido deliberadamente socavados, con instituciones mediáticas, universidades y museos a menudo cómplices de esta represión. Gaza funciona, en consecuencia, como un espacio de ensayo de un posible futuro global —de fascismo, autoritarismo posliberal, fronteras militarizadas y guerra habilitada por la IA—, un laboratorio de un orden mundial emergente. ¿Qué ocurre entonces con el análisis crítico y la resistencia en estas condiciones? ¿Y qué sucede con la estética y la política?».
—T.J. DemosEste seminario tiene lugar gracias a la invitación del historiador del arte a España por parte de la Fundación Miró. En el contexto del museo, dialoga con una línea de trabajo más amplia en torno a la emergencia climática y las perspectivas decoloniales presentes en el proyecto Museum of the Commons (2023-2026), de la red L’Internationale, de la que el Museo Reina Sofía forma parte; así como con algunas de las preguntas que movilizan el grupo de estudio Estéticas de la paz y tácticas de deserción. Por último, también se inserta en una estrategia más amplia de apoyo y compromiso con la creación artística y discursiva de artistas de origen palestino, que tiene su mejor reflejo en la red TEJA.