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Viernes 9 de julio, 2021 - 22:00 h / Edificio Sabatini, Jardín
Sesión 1
Segundo pase: viernes 6 de agosto, 2021
Akosua Adoma Owusu. Me Broni Ba [Mi bebita blanca]
Ghana y Estados Unidos, 2009, color, VO en inglés y akan con subtítulos en español, 22’Ousmane Sembène. La Noire de… [La chica negra]
Senegal y Francia, 1966, b/n, VO en francés y wólof con subtítulos en español, 60’ Versión restaurada por Film Foundation’s World Cinema Project en colaboración con Cineteca di Bologna—Recital con acompañamiento musical de Syla Aboubabacar y Artemisa Semedo, poeta, actriz y activista, su trabajo fusiona poesía, danza y música con una mirada afrodescendiente, en el primer pase
El primer largometraje del autor senegalés Ousmane Sembène se considera la obra fundacional del cine de los países de África al sur del Sahara y uno de los hitos del cine mundial. Pero la historia de esta mujer sin nombre, criada negra de una familia burguesa blanca en Dakar que se traslada con la familia a Europa, el relato de su alienación y su aislamiento, lejos de perder su relevancia y actualidad con el tiempo, se vuelve hoy en día más pertinente que nunca. El cortometraje Me Broni Ba, de la directora estadounidense de origen ghanés Akosua Adoma Owusu, proporciona algunas de las claves de la relevancia actual de la obra de Sembène. El confuso legado del colonialismo europeo en África se evoca mediante mujeres que peinan viejas muñecas occidentales. Este poético retrato de las peluquerías de Kumasi, en Ghana, presenta el cuerpo como un lugar de significados políticos vinculados con las nociones de raza y género.
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Sábado 10 de julio, 2021 - 22:00 h / Edificio Sabatini, Jardín
Sesión 2
Segundo pase: sábado 7 de agosto, 2021
Moustapha Alassane. Bon Voyage, Sim [Buen viaje, Sim]
Níger, 1966, color, sonido, 5’
Cortesía Institut français de EspañaOusmane Sembène. Mandabi [El giro postal]
Senegal, 1968, color, VO en wólof y francés con subtítulos en español, 90’. Versión restauradaEl segundo largometraje de Sembène es la tragicómica odisea de un hombre que trata de cobrar el giro postal que le ha mandado su sobrino desde Francia, enfrentándose a la burocracia local, a la codicia generalizada y a su propia ignorancia. Ya tendría asegurado un lugar en la historia del cine por ser el primer largometraje rodado en una lengua africana, en wólof, pero la película es a la vez un magnífico retrato del Senegal recién independizado y una declaración de intenciones de Sembène que, dividido entre la literatura y el cine (Mandabi, como La Noire de…, se basa en relatos previos suyos), escoge el cine. Frente a la literatura, que limita la recepción de la obra porque requiere dominar la lectoescritura, muy a menudo en alguna de las lenguas colonizadoras, Sembène concibe el cine como un lenguaje universal, que prolonga la transmisión oral africana, un medio fundamental para difundir la historia y el presente sin las barreras de la alfabetización. Otro medio universal que prácticamente puede prescindir del diálogo son las fábulas animadas de contenido satírico de Moustapha Alassane, pionero e inventor incansable de un cine crítico animado por el deseo de llegar a las masas.
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Viernes 16 de julio, 2021 - 22:00 h / Edificio Sabatini, Jardín
Sesión 3
Segundo pase: viernes 13 de agosto, 2021
Jean-Pierre Bekolo. La Grammaire de grand-mère [La gramática de la abuela]
Camerún, 1996, color, VO en francés con subtítulos en español, 7’Djibril Diop Mambéty. Touki bouki
Senegal, 1973, color, VO en wólof con subtítulos en español, 89’En Dakar, un pastor conoce a una estudiante. Ambos sueñan con llegar a París y todos los medios son válidos para reunir el dinero del pasaje. Entre la cotidianidad de los barrios pobres de Dakar y la representación de un París más simbólico que real, entre la tradición y la modernidad, el sueño y la realidad, nace un clásico del cine africano. Touki bouki viene precedida de una entrevista a Djibril Diop Mambéty, filmada casi con reverencia por Jean-Pierre Bekolo. Mambéty nos revela: “El cine nace en África porque la imagen ha nacido en África. Los instrumentos puede que sean europeos, pero la necesidad creativa y la razón proceden de nuestra tradición oral. Para hacer una película solo tienes que cerrar los ojos y ver las imágenes. Abres los ojos y ahí está la película. Quiero que los niños entiendan que África es una tierra de imágenes […] debido simple y paradójicamente, a la tradición oral. Y la tradición oral es una tradición de imágenes. Lo que se dice es más potente que lo que se escribe, la palabra se dirige directamente a la imaginación, no al oído. La imaginación crea la imagen y la imagen crea el cine, así que somos por vía directa los progenitores del cine”.
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Sábado 17 de julio, 2021 - 22:00 h / Edificio Sabatini, Jardín
Sesión 4
Segundo pase: sábado 14 de agosto, 2021
Safi Faye. Fad’jal
Senegal y Francia, 1979, color, VO en serer con subtítulos en español, 112’—Presentación del primer pase por Elena García, antropóloga y miembro de la asociación CNAAE (Comunidad Negra Africana y Afrodescendiente en España)
En 1975 la cineasta y etnóloga Safi Faye estrenó Kaddu Beykat, el primer largometraje dirigido por una mujer africana. Cuatro años más tarde dirigió Fad’jal, un documental sobre su pueblo natal, basado en su tesis doctoral, en el que buscaba poner en imágenes una historia y una vida cotidiana hasta entonces conservada mediante la palabra, así como relacionarlo con la denuncia de la explotación actual del mundo agrícola. En palabras de Safi Faye: “A diferencia de la historia de Francia, escrita y aprendida en la escuela, ¿cómo se transmite la historia africana que solo existe en la tradición oral? ¿Quién la transmitirá a los niños? El anciano, aquel que conserva la memoria de la historia. Todas las noches, los niños trepan a las hermosas ceibas al salir de la escuela y se encuentran con el anciano. Él les transmite su historia, la que no ha sido escrita. Fad'Jal habla de eso, de la fundación del pueblo y de todos los eventos que se sucedieron a continuación. El abuelo habla de los ritos de paso tradicionales y de los ritos agrarios, así como del origen de este pueblo fundado por una mujer (Mbang Fadial) en torno al siglo XVI”.
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Viernes 23 de julio, 2021 - 22:00 h / Edificio Sabatini, Jardín
Sesión 5
Segundo pase: viernes 20 de agosto, 2021
Moustapha Alassane. Le Retour d’un aventurier [El retorno del aventurero]
Níger, 1966, color, VO en hausa y francés con subtítulos en español, 34’
Cortesía Institut français de EspañaJean-Marie Teno. Lieux saints [Lugares santos]
Camerún, 2009, color, VO en francés con subtítulos en español, 70’—Presentación del segundo pase por Javier Fernández Vázquez, cineasta autor de dos largometrajes sobre Guinea Ecuatorial y el pasado colonial español (Anunciaron Tormenta, 2020, y Árboles, 2013 realizada por el colectivo de cine Los Hijos)
Jean-Marie Teno vuelve a Uagadugú, capital de Burkina Faso, para asistir a FESPACO, el Festival Panafricano de Cine y Televisión, la gran cita del cine africano desde 1969. Pero esta vez decide, invitado por una amiga, residir y filmar en el barrio de St. Léon, donde, entre otras cosas, hay un cine club en el que se proyectan copias piratas para los vecinos del barrio. De manera sutil y desenvuelta, las escenas de la película suscitan preguntas, algunas nuevas, otras menos, y revelan los hilos insólitos que enredan el cine, la religión, la tradición, la artesanía o la masculinidad. Como prólogo a este documental que aúna inteligencia, humor y modestia, recuperamos Le Retour d’un aventurier, el primer wéstern africano que constituye, a la vez, un homenaje al género; una adaptación al contexto y reflexión irónica sobre sus códigos. Sobre su película, Jean-Marie Teno dice: “Hace 50 años no se ponían películas africanas porque no había. Hoy, cuando ya hay, las películas europeas y americanas ocupan todo el mercado. Corremos el riesgo de que toda una generación crezca sin haber visto películas africanas. Idrissa Ouédraogo me decía: ‘Si yo tuviera los medios, sería peor que los piratas. Inundaría el mercado para que la juventud se acostumbre a ver estas películas’”.
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Sábado 24 de julio, 2021 - 22:00 h Edificio Sabatini, Jardín
Sesión 6
Segundo pase: sábado 21 de agosto, 2021
Jean-Pierre Bekolo. Les Saignantes [Las sangrantes]
Camerún, 2005, color, VO en francés con subtítulos en español, 97’—Presentación del segundo pase por Rubén H. Bermúdez, fotógrafo y cineasta. Fundador del colectivo Afroconciencia y autor del largometraje A todos nos gusta el plátano (2021) y del fotolibro Y tú, ¿por qué eres negro? (2018)
Una audaz mezcla de sátira política, película de horror y relato de ciencia ficción, situado en un ya cercano 2025. Dos mujeres jóvenes recurren a su apoyo mutuo y a los poderes de los antiguos rituales cameruneses de Mevungú para defenderse en una sociedad regida por la muerte, la burocracia y la corrupción. Como afirma Bekolo: “Yo diría, ante todo, que las películas de género son parte de nuestra cultura en tanto africanos. De esto no hay duda. Pero la cuestión no es usarlas sino cuestionarlas en relación con las elecciones que tenemos que hacer en el contexto de las culturas africanas. Se trata de saber cómo apropiarnos del cine que está ahí y que vemos como lo ve todo el mundo. No copiar como borregos lo que se está haciendo, sino reafirmar nuestras identidades propias. […] Tenemos que preguntarnos: ¿Por qué estoy usando un estilo de película de terror? ¿Por qué recurrir a la ciencia ficción? No creo que haya ninguna fórmula, excepto que hay que reflexionar sobre ello y preguntarse por qué hacer una película de ciencia ficción. Para mí la cuestión más importante es que cada vez que se habla de África nunca se habla del futuro”.
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Viernes 30 de julio, 2021 - 22:00 h / Edificio Sabatini, Jardín
Sesión 7
Segunda sesión: viernes 27 de agosto, 2021
Abderrahmane Sissako. Bamako
Francia, 2006, color, VO en francés, bambara, lenguas senufo, wólof e inglés con subtítulos en español, 115’—Presentación del segundo pase de Susana Moliner (productora cultural con un amplio trabajo con la comunidad africana y afrodescendiente en España, fundadora de Grigri Projects e integrante de la red Museo Situado) y Mamadou Traore, colaborador del Centro de día Programme Afrique de SERCADE (ONG dedicada a la acción social, la cooperación y la educación transformadora)
A finales de la década de 1980, el Banco Mundial y el Fondo Monetario Internacional quisieron incluir a África en el capitalismo globalizado. Su política exigía que los países africanos abrieran sus mercados al capital internacional, redujeran el gasto gubernamental y privatizaran bienes y servicios. En el patio de la casa que una cantante y su marido en paro comparten con otras familias se reúnen juristas, jueces y testigos para juzgar la globalización. Estas escenas se combinan con toques de humor, entre ellos, una secuencia de wéstern en la que Danny Glover llega a la ciudad para librar el enfrentamiento decisivo. “El western son muchas cosas para mí. El spaghetti western es ante todo el cine que me hacía soñar. Pero también es Le retour d’un aventurier, de Moustapha Alassane (1966), que cuando yo era niño y aún no sabía que me dedicaría al cine me hizo ver que nosotros también podíamos hacerlo. […] La misión del Banco Mundial o del Fondo Monetario Internacional es como un western. El ajuste estructural se consideró un ‘trabajo bien hecho’. Y ahí es donde se juega con el sufrimiento y la pobreza de la gente”, escribe el cineasta.
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Sábado 31 de julio, 2021 - 22:00 h / Edificio Sabatini, Jardín
Sesión 8
Segundo pase: sábado 28 de agosto, 2021
Sylvestre Amoussou. Africa Paradis [África paraíso]
Benín y Francia, color, 2006, VO en francés con subtítulos en español, 87’—Presentación del primer pase por la Red Interlavapiés, red de apoyo mutuo formada por personas migrantes y autóctonas en lucha contra las políticas racistas y excluyentes de la diversidad.
—Recital con acompañamiento musical de Artemisa Semedo, poeta, actriz y activista, en el segundo pase.
En un futuro imaginario, África ha entrado en una era de prosperidad, mientras que Europa ha sucumbido a la miseria y el subdesarrollo. Olivier, informático sin trabajo, vive con Pauline, maestra también en paro. Vista su situación laboral deprimente en Francia, emigran clandestinamente a África. Nada más llegar, la policía fronteriza los detiene y los encarcela a la espera de ser deportados de vuelta a Francia. Olivier consigue escapar. Empieza entonces una vida clandestina. Pauline acepta un puesto como criada de una familia burguesa africana. Escribe Sylvestre Amoussou: “Es complicado porque quienes financian el cine africano tienden a bloquear los proyectos que ellos no financian y hacen películas un poco miserabilistas, que hablan de la ablación, de las enfermedades o de los africanos que sufren y luchan día a día. Tenemos que crear nosotros mismos las cadenas, de principio a fin, que nos permitan rentabilizar nuestro cine. Las películas que yo hago se destinan prioritariamente a los países africanos y a la diáspora”.

Celebrada el 09 jul 2021
Un año más vuelve el cine de verano al Museo Reina Sofía, en esta ocasión dedicado a redescubrir una parte esencial del cine africano que, mediante la potencia de su ficción, desafía las imágenes con las que Occidente trata de invadirlo.
Como ya empieza a ser tradicional, la programación cinematográfica del Museo abandona en los meses estivales la sala de proyección y se traslada al entorno abierto y acogedor del jardín del Edificio Sabatini. Este ciclo se realiza en colaboración con la red Museo Situado, proyecto que conecta la institución con el barrio de Lavapiés. Es la ocasión perfecta para conocer o redescubrir obras hermosas, clásicas o contemporáneas, como se retoman en verano esas novelas pendientes que, durante el año, no da tiempo a disfrutar. Enlazando con las propuestas anteriores, en las que se buscaba traducir algunos de los imaginarios que pueblan las calles que rodean al Museo, este año el ciclo se centra en películas procedentes de países de África al sur del Sahara, origen de varias de las comunidades migrantes de Lavapiés.
La producción cinematográfica de estos países comienza en la década de 1950, coincidiendo con las fechas de los inicios de independencia de algunos de los países que componen la región. Por supuesto, los paisajes, las costumbres y la luz de África ya habían sido filmados hasta la saciedad, esquilmados mediante un gesto unívoco que degrada al cine a ser un arma colonial más. Pero, en respuesta, y con la conciencia de que el cine era probablemente a su vez el instrumento de combate más poderoso, este cine se construye entonces como una reacción consciente al racismo, a la apropiación cultural de la belleza exótica y del telón de fondo de las aventuras de Tarzán y Jane. Al contrario de lo que dicta la archicitada frase de la escritora afrofeminista Audre Lorde (Estados Unidos, 1934-1992) “las herramientas del amo nunca desmantelarán la casa del amo”, aquí se trata precisamente de desmantelar la casa del amo con las herramientas del amo. La historia de este cine es, por lo tanto, también la historia de la relación tormentosa, creativa e inesperada entre el cine y la lucha anticolonial. Y sus estrategias han sido y son tan diferentes como variadas han sido y son las circunstancias de cada país, de cada época.
Este ciclo comienza con el ideal panafricanista y popular en la obra emancipadora de Ousmane Sembène (Senegal, 1923-2007); continúa con la producción de los imaginarios de Djibril Diop Mambéty (Senegal, 1945-Francia, 1998) y Safi Faye (Senegal, 1943), y con Moustapha Alassane (Níger, 1942-2015), Jean-Marie Teno (Camerún, 1954), Jean-Pierre Bekolo (Camerún, 1966), Abderrahmane Sissako (Mali, 1961), Sylvestre Amoussou (Benin, 1964) y Akosua Adoma Owusu (Ghana-Estados Unidos, 1984), atisbamos la complicada relación de estas películas con los géneros cinematográficos canónicos y con el imperialismo de la industria audiovisual occidental.
Con las herramientas del amo. Relatos del cine africano no quiere ser un ciclo exhaustivo, ni podría serlo, aunque quisiera. No busca hacer un mapa de las distintas cinematografías nacionales, ni establecer un canon autoral. Cualquier película que se pueda echar de menos habría tenido sin duda su hueco aquí, porque si algo quiere ser este ciclo es una invitación a rellenar huecos, a preguntarse por ellos y a abrir otros muchos, hasta desmantelar la casa del amo.
Comisariado
Ana Useros y Chema González
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Agradecimientos
Institut français de España
Organiza
Museo Reina Sofía
Organiza

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Más actividades
Voces situadas 36
Jueves 16 de octubre, 2025 - 19:00 h
Territorio Doméstico es un colectivo feminista compuesto por empleadas del hogar y cuidados afincadas en la Comunidad de Madrid. Conforman un espacio transfronterizo que responde a varios problemas urgentes: la defensa del derecho laboral de parte de las trabajadoras del hogar y la exigencia de la regularización de las personas migradas trabajadoras, así como de su derecho a la reagrupación familiar, el reconocimiento social y la reparación de la deuda de cuidados por parte de las instituciones.
Acompañan este encuentro proponiendo una mesa intersectorial en torno a las enfermedades profesionales que sufren determinados colectivos de trabajadoras con empleos con un marcado componente físico, como las trabajadoras del hogar y cuidados o las de la agricultura. El objetivo de esta mesa es visibilizar las consecuencias físicas y psicológicas que los trabajos de cuerpo suponen para quienes los realizan, así como el poco reconocimiento social, legal y sanitario que reciben.
Las enfermedades profesionales de las mujeres a menudo no son reconocidas como tales, siendo diagnosticadas como enfermedades comunes con todo lo que ello supone a nivel legal y administrativo. Por otra parte, obtener una baja laboral puede convertirse en toda una lucha, incumpliéndose así sus derechos laborales.
La asamblea de Museo Situado convoca a conversar sobre esta realidad, dándole el espacio que se merece para poder reivindicar soluciones de forma colectiva y que se cumplan con los derechos de todas las trabajadoras.
Sven Lütticken
Viernes 10 de octubre, 2025 – 19:00 h
Las disciplinas académicas son, en efecto, disciplinarias. Imponen hábitos de pensamiento, parámetros ideológicos y a priori metodológicos a quienes se han formado en ellas. ¿Qué significa haber sido disciplinado por la historia del arte? ¿Qué nos ha hecho la historia del arte? Pero también, ¿qué podemos seguir haciendo con ella? La Cátedra Juan Antonio Ramírez, la cita anual del Museo Reina Sofía dedicada a reflexionar sobre la historia y la historiografía del arte, sus límites y sus puntos de fuga, invita a Sven Lütticken a examinar estas cuestiones a la luz de diversos casos seleccionados por el autor y de su propia práctica.
Su trabajo, enmarcado en la historia y la teoría del arte, siempre ha abogado por expandir, interpelar o cuestionar los límites de la disciplina hasta el punto de que esta se vuelva teórica y (auto)crítica. A lo largo de su trayectoria, Lütticken ha dirigido su interés fundamentalmente a la investigación histórica, crítica y teórica sobre la autonomía. Un hito importante en esta línea de trabajo es su participación en The Autonomy Project, iniciativa del Van Abbemuseum de Eindhoven junto con varias escuelas de arte y departamentos universitarios que desembocó en la publicación del volumen Art and Autonomy (Afterall, 2022). Una segunda línea está constituida por el proyecto a largo plazo Forms of Abstraction, que analiza prácticas artísticas contemporáneas como intervenciones en formas de «abstracción real», como la forma-valor, tal y como la teorizó Marx.
Desde septiembre de 2025, Sven Lütticken es residente de Constelación de Estudios, el programa de pensamiento anual del Museo Reina Sofía, en el que desarrolla el proyecto de investigación Deshacer la subjetividad jurídica, deformar la abstracción legal.
Warhol-Vijande. Más que pistolas, cuchillos y cruces
Viernes 10 de octubre, 2025 – 19:00h
El Museo Reina Sofía preestrena el documental Warhol-Vijande. Más que Pistolas, Cuchillos y Cruces (2025),dirigido por el realizador Sebastián Galán. El Museo se hace eco así de la memoria del galerista Fernando Vijande (Barcelona, 1930 – Madrid, 1986) y de su relevancia como actor principal de la modernidad cultural y artística española. La película ilustra el rol central de este marchante de arte examinando el hito que supuso la exposición producida por Andy Warhol en la Galería Vijande en 1983, su histórica visita a España y los puentes entre la movida madrileña y las corrientes artísticas de Nueva York.
Fernando Vijande, considerado el galerista de arte de la movida, fue el promotor de una revolución artística que llevó a Madrid y a España a coger el tren de la contemporaneidad, gracias al apoyo de Andy Warhol, figura emblemática de la posmodernidad artística de finales del siglo XX. La elección de Warhol de la ciudad de Madrid y, concretamente, de la Galería Vijande para celebrar una exposición creada exprofeso para este espacio refleja cómo la ciudad y su incipiente escena cultural se convirtieron en un eje artístico de primer orden.
El documental es guiado por la cantante Alaska, personaje central de la movida, y muestra cómo aquel Madrid innovador, colorista y provocador que despertaba a golpe de arte y fiesta supuso el acicate creativo para Warhol, que sintió en la movida de la década de 1980 la rebeldía creativa del Nueva York de las décadas de 1960 y 1970. Una nueva «Factory» emergía en medio de las calles que se llenaban de tribus urbanas, sacudiéndose la letanía franquista. Aquello no supuso solo un evento, fue la cristalización de un cambio. Como asegura en el filme el gestor cultural Martín Moniche: «En los eventos de Fernando se produce lo que este país necesitaba: ¡divertirse!, porque había estado cuarenta años sin diversión. El cambio político no podía venir por un cambio radical. Entonces, ¿por dónde iba a venir el cambio? Por la cultura».
Triángulo Rosa 6
Jueves 9 de octubre, 2025 - 17:30 h
El proyecto Triángulo Rosa busca consolidar un espacio de confluencia entre diversos agentes que trabajan en el ámbito de la diversidad sexual y de género en los centros escolares (profesorado, alumnado, familias y equipos directivos y de orientación psicopedagógica), con el propósito de desarrollar, en sintonía con la legislación vigente, programas integrales contra la LGTBlfobia y la discriminación por razón de orientación e identidad sexual.
En su sexta edición presenta Emociones públicas, una práctica performativa colectiva e investigación escénica del artista, docente y activista queer Silvio Lang. Este encuentro convoca a todas las personas de la comunidad escolar y de la educación no formal que deseen explorar colectivamente el retorno a la proximidad de los cuerpos: alumnado, profesorado, familias, colectivos, activistas, performers, mediadoras y trabajadoras de la cultura y la educación. El objetivo es constituir un grupo intergeneracional de corporalidades diversas lo más amplio posible
A través de la proxémica, disciplina que estudia el espacio y la distancia que las personas mantienen entre sí en los espacios públicos, y el uso de procedimientos somáticos, la práctica presta atención a la respuesta sensible y emocional que surge de los cuerpos en movimiento de los participantes reunidos. Siguiendo el pensamiento de Sara Ahmed, las emociones son consideradas «orientaciones corporales» que nos agrupan y desagrupan, contorneando los límites de nuestros cuerpos y de los espacios comunes que habitamos. Es así como se advierte, por ejemplo, que la performatividad de la norma cis-heterosexual restringe, excluye y oprime a las corporalidades y formas de existencia que no encajan o se desvían de esta. La práctica Emociones públicas se implica en las potencialidades de esas existencias desviadas y formas de sentir alternativas que pueden surgir de un «público íntimo».
Al finalizar el ejercicio, a modo de «asamblea afectiva», se pone en común la experiencia grupal compartida. Además, se confeccionan consignas y carteles que viajarán y difundirán en una siguiente edición del taller en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Argentina) durante el mes de noviembre.
Proclamas pormishuevistas
Jueves 9 de octubre, 2025 - 17:30 h
El club de lectura Otros libros, y eso es una propuesta literaria que busca transitar el Museo de un modo transversal, con el fin de aprehenderlo desde distintas miradas, cuestionarlo, habitarlo, acompañarlo en sus cambios. Una de las lecturas seleccionadas dentro de la cuarta edición de este club fue el libro Pormishuevismo (Blackie Books, 2023), en el que su autor, Erik Harley, establece las ideas y los elementos definitorios que sostienen este falso movimiento constructivo. Artistas, políticos, arquitectos y diseñadores, entre otros agentes, son los representantes de esta utopía vertical española, caracterizada por una visión común del arte y del mundo, en la que la fanfarronería, la ambición desbocada, la megalomanía, el pelotazo y la corrupción suelen estar presentes.
Para activar esta lectura, el colectivo Todo por la Praxis propone una dinámica para trazar una genealogía de este movimiento y, al mismo tiempo, recopilar de manera colectiva sus conceptos y rasgos más habituales. Con todo ello, las personas participantes podrán elaborar diversas proclamas y consignas que permitan hacer frente a este tipo de prácticas desde la sátira y la ironía.
Este taller está dirigido a las personas participantes en la última convocatoria del club de lectura y a cualquier otra persona que quiera conocer más en profundidad el contenido de esta obra y su vinculación con las líneas de interés del Museo. Por ello, es recomendable haber leído el libro para poder participar en la actividad.