Ira Sachs, Keep the lights on, 2012, película
Celebrada el 20, 21, 22, 23 nov 2025
El Festival Internacional de Cine LGBTIAQ+ de Madrid (QueerCineMad) y el Museo Reina Sofía dedican una retrospectiva a Ira Sachs (Estados Unidos, 1965), cineasta imprescindible del cine queer contemporáneo, cuya obra ha cartografiado durante tres décadas los afectos, las pérdidas y las resistencias que atraviesan las vidas de la comunidad LGBTIAQ+. Sachs es autor de una filmografía que concibe Nueva York como la arquitectura emocional de sus relatos, así como un espacio de memoria, lucha y comunidad. Este programa incluye el estreno en Madrid de su última película, Peter Hujar’s Day (2025), y cuenta con la presencia del cineasta en tres de sus sesiones.
Sachs ha filmado con delicadeza y firmeza las tensiones entre deseo, precariedad y pertenencia desde The Delta (1996), su primer largometraje, ambientado en los márgenes del Mississippi, hasta Love Is Strange (2014), donde una pareja gay es expulsada de su piso en Manhattan tras casarse. En Keep the Lights On (2012), la intimidad se convierte en campo de batalla frente a la adicción y el abandono, mientras que Lady (1994), cortometraje sobre la soledad de una mujer mayor en Nueva York, anticipa su sensibilidad por los cuerpos invisibilizados. Last Address (2010) es un homenaje silencioso a los artistas queer fallecidos por VIH/SIDA, como Robert Mapplethorpe, Keith Haring o David Wojnarowicz, convirtiendo las fachadas de los edificios en los que habitaron en monumentos íntimos, vestigios de una historia borrada a través de ventanas. El trabajo de Ira Sachs dialoga profundamente además con cineastas como Rainer Werner Fassbinder por situar su mirada en el centro de los cuerpos, por la complejidad de la lucha entre sí mismo y su propio cine. A la vez, la obra de Sachs resuena en el New Queer Cinema, movimiento cinematográfico de la década de 1990 que transformó la representación de la sexualidad desde la diferencia.
La presencia del cineasta en Madrid, junto al estreno de su nueva obra, convierte este ciclo en un acontecimiento que celebra no solo su trayectoria, sino también una forma de mirar y habitar la ciudad desde lo queer, lo comunitario y lo poético. En tiempos de expulsión y homogeneización urbana, su cine nos recuerda que el barrio puede ser también un gesto de cuidado, una forma de resistencia y una promesa de futuro.
Organiza
QueerCineMad (Festival Internacional de Cine LGBTIAQ+ de Madrid) y Museo Reina Sofía
Actividad accesible
Esta actividad cuenta con dos plazas para personas con movilidad reducida
Agenda
jueves 20 nov 2025 a las 19:00
Sesión 1. Ira Sachs. The Delta y Lady
The Delta. Estados Unidos, 1996, color, versión original en inglés subtitulada en español, 85’
Lady. Estados Unidos, 1994, blanco y negro y color, versión original en inglés subtitulada en español, 28’
«Salir del armario significa poner por delante tu autenticidad ante un intento más de agradar a los demás», dice el protagonista de The Delta, ópera prima del director Ira Sachs sobre la doble vida de un adolescente blanco de clase media en la década de 1990. La película aborda su incapacidad de poder ser él mismo en la realidad, debido a la culpa que no le deja desear. El cruising es la forma que tiene para dejar de reprimirse, la única vía para encontrar su pequeña ficción, el lugar que siente que le pertenece. Ira Sachs apuesta aquí por el escenario de deseo del primer Gus Van Sant de Mala noche (1986) y de su coetáneo Wong Kar-wai con Happy together (1997). Por su parte, en Lady (1994), una mujer anónima con peluca pelirroja recibe a un equipo de documentalistas en su apartamento de Nueva York. El equipo registra su vida cotidiana mientras discute con su novio y chismorrea con su amiga. Estas escenas se alternan con imágenes en blanco y negro de una mujer con peluca pelirroja que escapa de la vida suburbana.
viernes 21 nov 2025 a las 19:00
Sesión 2. Ira Sachs. Keep the Lights On
Estados Unidos, 2012, color, versión original en inglés con subtítulos en español, 101’
—Con presentación y coloquio de Ira Sachs. En esta sesión, el festival, de la mano del realizador Diego Céspedes, entrega el premio de honor al cineasta.
Keep the Lights On (2012), premio Teddy en la Berlinale de ese año, es el retrato descarnado de una relación entre dos hombres marcada por la adicción, el deseo y la fragilidad emocional. Ambientada en el Nueva York de principios de los años 2000, la película sigue a Erik, un documentalista danés, y a Paul, un abogado con problemas de drogadicción, en una espiral de encuentros sexuales, rupturas y reconciliaciones que se prolonga durante una década. Sachs filma la intimidad con una crudeza luminosa, donde el cuerpo es refugio y autodestrucción. Nueva York, vibrante y solitaria, se convierte en testigo de una generación que busca sentido entre galerías, fiestas y habitaciones compartidas.
sábado 22 nov 2025 a las 19:00
Sesión 3. Ira Sachs. Love Is Strange
Estados Unidos, 2014, color, versión original en inglés con subtítulos en español, 86’
—Con presentación y coloquio de Ira Sachs
Después de casi cuatro décadas juntos, Ben y George finalmente pueden casarse tras la aprobación del matrimonio igualitario en Nueva York. Sin embargo, poco después de su boda, George pierde su empleo como profesor en una escuela católica, lo que obliga a la pareja a vender su apartamento y vivir separados temporalmente, hospedándose con familiares y amigos. Esta nueva situación pone a prueba su amor, su dignidad y sus relaciones con los demás. Love Is Strange es una delicada y conmovedora reflexión sobre el amor maduro, la familia y la fragilidad de la estabilidad en la vida urbana.
domingo 23 nov 2025 a las 12:00
Sesión 4. Ira Sachs. Last Address y Peter Hujar’s Day
Last Address. Estados Unidos, 2009, color, versión original en inglés con subtítulos en español, 8’
Peter Hujar’s Day. Estados Unidos, Alemania, Reino Unido y España, 2025, color, versión original en inglés con subtítulos en español, 76’
—Con presentación y coloquio de Ira Sachs y David Velduque, cineasta y autor del pódcast Sabor a Queer. Estreno en Madrid
Last Address es un cortometraje realizado para el Día Mundial del Sida en el que Ira Sachs muestra las fachadas de los edificios donde distintos artistas neoyorkinos, como David Wojnarowicz, Robert Mapplethorpe o Peter Hujar, vivieron antes de fallecer a causa de esta enfermedad. Peter Hujar’s Day es, por su parte, una elegía silenciosa que captura las últimas horas del fotógrafo neoyorquino antes de morir de sida en 1987. Sachs filma el hospital, el cuerpo, la espera, con una contención que conmueve por su honestidad. La película, breve y devastadora, se convierte en un gesto de memoria queer, un tributo a quienes el arte y la historia han dejado fuera del encuadre. Como en Keep the Lights On o The Delta, Nueva York aparece como telón de fondo de la intimidad, el deseo y la pérdida. Aquí, sin embargo, la ciudad se reduce a una habitación, a un cuerpo que se apaga. El sida, más que enfermedad, es contexto, herida colectiva, y Sachs lo aborda con una ética del cuidado. Un cine que no busca respuestas, sino presencia. Que transforma el duelo en imagen, y la imagen en resistencia.
Más actividades
Las décadas prodigiosas
Lunes y miércoles, del 18 de marzo al 6 de mayo, 2026 - 18:30 h
El arte español de finales del siglo pasado, marcado por la transición política y la apertura al exterior, logra una cierta normalización que —aunque discutida— refleja una producción diversa, dinámica y llena de tensiones. Este curso quiere ofrecer una mirada general de la época a través de cuestiones como la reflexión sobre los géneros tradicionales, la irrupción de lo fotográfico y lo tecnológico o las nuevas áreas de exploración artística, como el cuerpo y el género.
El programa otorga pues un lugar específico a acontecimientos históricos como la institucionalización del sector, la preponderancia de la cultura popular y la crisis del sida. Esta progresiva relación del arte con lo real —es decir, las funciones y las limitaciones de la actividad artística en el «ahora» — se constituye como el debate conductor de todo el siglo y persiste, además, en el presente.
Mirar de cerca. Píldoras formativas
Del 16 al 26 de marzo, 2026 - Consultar programa
Las colecciones de la Biblioteca y Centro de Documentación del Museo Reina Sofía son accesibles a cualquier persona interesada. Este programa está destinado a facilitar el acceso a estos recursos a través de varios talleres centrados en aspectos clave como el manejo básico del catálogo, las revistas y otras publicaciones seriadas, los archivos, las bases de datos y LaDigitaldelReina.
Este proyecto se desarrolla en el marco de Mirar de cerca, una de las líneas que configuran el programa de mediación Casi libros, enfocado en dar a conocer los fondos de la Biblioteca y Centro de Documentación del Museo y difundir las herramientas especializadas para la investigación en el arte y la creación contemporánea, a través de talleres, cursos y guías temáticas.
Remedios Zafra
Jueves 19 de marzo, 2026 - 19:00 h
La Cátedra José Luis Brea, dedicada a la reflexión en torno a la imagen y la epistemología de la visualidad en la contemporaneidad, inaugura su programación con la conferencia de la ensayista y pensadora Remedios Zafra.
«Que el auge antifeminista contemporáneo se construya como un impulso antiintelectual no es casual y ambas tendencias se alimentan mutuamente. Para posicionar un discurso reaccionario que defiende la desigualdad de las personas es preciso cuestionar los estudios y políticas de género, pero también devaluar los pilares del conocimiento donde estos se han construido con mayor intensidad en las últimas décadas, maltratando además su sostén institucional: universidades, centros de arte e investigación y cultura académica.
El feminismo ha estado profundamente unido a la celebración del pensamiento humanista más comprometido, y los periodos de ilustración y los momentos de transición hacia formas sociales más justas y sostenidas en la educación han sido aquellos en los que la reivindicación feminista ha surgido con más fuerza. La conciencia y logros de igualdad aumentan cuando la educación es una protagonista social, de forma que desvalorizar el trabajo intelectual también contribuye a dañar el feminismo y viceversa, en tanto que el vínculo entre el conocimiento y el feminismo no es solo conceptual e histórico, es también un vínculo íntimo y político. Hoy el antifeminismo es usado a nivel global como adhesivo simbólico de movimientos de ultraderecha, paralelamente a la devaluación de los saberes y conocimientos que emergen de la universidad y la ciencia, maltratados por bulos y desinformación en las redes y desde la espectacularización de la vida mediada por pantallas. Son consecuencias no ajenas a la primacía de un valor escópico que desde hace tiempo denosta el pensamiento y posiciona lo más visto como lo más valioso en la mediación normalizada de la tecnología. Esta inercia convive con proclamas tecnolibertarias que reactivan un patriarcado que usa el resentimiento de muchos hombres como forma seductora y cohesionadora para mantener y azuzar privilegios en el nuevo mundo como tecnoescenario.
En esta conferencia se aborda este contexto epocal profundizando en la sincronía de estos auges desde un paralelismo añadido en las formas de dominio patriarcal y tecnolaboral. Un paralelismo en el que el feminismo y el trabajo intelectual tanto están siendo damnificados como lanzando señales de que en ambos descansan respuestas emancipadoras frente a los actuales giros reaccionarios y de neutralización crítica. Esta sintonía hablaría además de cómo la perversa base patriarcal que convierte a las mujeres en mantenedoras de su propia subordinación tiene su equivalente en la autoexplotación alentada de los trabajadores culturales; en la legitimación del capital afectivo y del capital simbólico como pagos suficientes; en el desdibujamiento de los límites entre vida y trabajo y en el aislamiento doméstico; o en la presión de agrado y complacencia como forma patriarcal extendida, hoy vinculada con el entusiasmo fingido de trabajadores precarios, pero también con la adulación tecnológica. Como respuesta a la resistencia y acción intelectual posible, el patriarcado ha vinculado a las feministas con un futuro que se aventuraba desdichado para ellas igualando «pensamiento y conciencia» a infelicidad, allí donde estos justamente han sido (y siguen siendo) resorte de autonomía y emancipación».
— Remedios Zafra
Otras movidas: el videoclip
14 MAR 2026
Programa que reúne a subculturas musicales juveniles de mediados de la década de 1980 en el momento de efervescencia del lenguaje del videoclip. Una sesión que trata cómo la música, la fiesta y la noche encierran un profundo deseo de cambio total, reflejado en las experimentaciones formales de estos trabajos. El rock radical vasco de La Polla Records (Juan José Narbona en Txus), Hertzainak (Josu Zabala en Mata a tu viejo) y Kortatu (Tipula Beltza. Sarri, Sarri), con el conflicto terrorista latente (Ramón de Vargas. Canciones vascas), se dan la mano con el punk telúrico e histriónico gallego de Os Resentidos y Antón Reixa en Abdul, videoclip con escenografías de los artistas Menchu Lamas y Antón Patiño, y en Alicia en Galicia Caníbal, histórico videoclip sobre la identidad gallega vista desde la contracultura a partir del tema Galicia caníbal. Cierra la sesión el folklore andaluz en clave humorística y noctámbula de Círculo Vicioso en Temperamento cañí.
Puestas en escena. El vídeo y la performance
13 MAR 2026
—Con la presentación del artista José Ramón Da Cruz
Programa en el que la puesta en escena, la mascarada, el disfraz, el pastiche y la saturación estética sirven de hilo conductor. Regina Álvarez, en un ejercicio pionero y poco reconocido de mirada femenina, estudia a través de la pose la construcción de la feminidad en el cine canónico. Antonio Cano y Pedro Garhel, por su parte, filman una performance para la cámara desarrollada en ARCO 1985, en la que Garhel y Rosa Galindo bailan en torno a esculturas posminimalistas de colores estridentes. José Ramón Da Cruz desarrolla un psicodrama cargado de esteticismo entre una bailarina y una persona de movilidad reducida. Por último, El Hortelano, uno de los pintores icónicos de la movida madrileña, realiza en Koloroa un telediario imposible que, en un español al revés, presenta junto con Ouka Leele y artistas de la época como Ceesepe, Nazario o Jaume Sisa. Un recurso que inspiraría al Almodóvar de Kika (1993).