Ira Sachs, Keep the lights on, 2012, película
Celebrada el 20, 21, 22, 23 nov 2025
El Festival Internacional de Cine LGBTIAQ+ de Madrid (QueerCineMad) y el Museo Reina Sofía dedican una retrospectiva a Ira Sachs (Estados Unidos, 1965), cineasta imprescindible del cine queer contemporáneo, cuya obra ha cartografiado durante tres décadas los afectos, las pérdidas y las resistencias que atraviesan las vidas de la comunidad LGBTIAQ+. Sachs es autor de una filmografía que concibe Nueva York como la arquitectura emocional de sus relatos, así como un espacio de memoria, lucha y comunidad. Este programa incluye el estreno en Madrid de su última película, Peter Hujar’s Day (2025), y cuenta con la presencia del cineasta en tres de sus sesiones.
Sachs ha filmado con delicadeza y firmeza las tensiones entre deseo, precariedad y pertenencia desde The Delta (1996), su primer largometraje, ambientado en los márgenes del Mississippi, hasta Love Is Strange (2014), donde una pareja gay es expulsada de su piso en Manhattan tras casarse. En Keep the Lights On (2012), la intimidad se convierte en campo de batalla frente a la adicción y el abandono, mientras que Lady (1994), cortometraje sobre la soledad de una mujer mayor en Nueva York, anticipa su sensibilidad por los cuerpos invisibilizados. Last Address (2010) es un homenaje silencioso a los artistas queer fallecidos por VIH/SIDA, como Robert Mapplethorpe, Keith Haring o David Wojnarowicz, convirtiendo las fachadas de los edificios en los que habitaron en monumentos íntimos, vestigios de una historia borrada a través de ventanas. El trabajo de Ira Sachs dialoga profundamente además con cineastas como Rainer Werner Fassbinder por situar su mirada en el centro de los cuerpos, por la complejidad de la lucha entre sí mismo y su propio cine. A la vez, la obra de Sachs resuena en el New Queer Cinema, movimiento cinematográfico de la década de 1990 que transformó la representación de la sexualidad desde la diferencia.
La presencia del cineasta en Madrid, junto al estreno de su nueva obra, convierte este ciclo en un acontecimiento que celebra no solo su trayectoria, sino también una forma de mirar y habitar la ciudad desde lo queer, lo comunitario y lo poético. En tiempos de expulsión y homogeneización urbana, su cine nos recuerda que el barrio puede ser también un gesto de cuidado, una forma de resistencia y una promesa de futuro.
Organiza
QueerCineMad (Festival Internacional de Cine LGBTIAQ+ de Madrid) y Museo Reina Sofía
Actividad accesible
Esta actividad cuenta con dos plazas para personas con movilidad reducida
Agenda
jueves 20 nov 2025 a las 19:00
Sesión 1. Ira Sachs. The Delta y Lady
The Delta. Estados Unidos, 1996, color, versión original en inglés subtitulada en español, 85’
Lady. Estados Unidos, 1994, blanco y negro y color, versión original en inglés subtitulada en español, 28’
«Salir del armario significa poner por delante tu autenticidad ante un intento más de agradar a los demás», dice el protagonista de The Delta, ópera prima del director Ira Sachs sobre la doble vida de un adolescente blanco de clase media en la década de 1990. La película aborda su incapacidad de poder ser él mismo en la realidad, debido a la culpa que no le deja desear. El cruising es la forma que tiene para dejar de reprimirse, la única vía para encontrar su pequeña ficción, el lugar que siente que le pertenece. Ira Sachs apuesta aquí por el escenario de deseo del primer Gus Van Sant de Mala noche (1986) y de su coetáneo Wong Kar-wai con Happy together (1997). Por su parte, en Lady (1994), una mujer anónima con peluca pelirroja recibe a un equipo de documentalistas en su apartamento de Nueva York. El equipo registra su vida cotidiana mientras discute con su novio y chismorrea con su amiga. Estas escenas se alternan con imágenes en blanco y negro de una mujer con peluca pelirroja que escapa de la vida suburbana.
viernes 21 nov 2025 a las 19:00
Sesión 2. Ira Sachs. Keep the Lights On
Estados Unidos, 2012, color, versión original en inglés con subtítulos en español, 101’
—Con presentación y coloquio de Ira Sachs. En esta sesión, el festival, de la mano del realizador Diego Céspedes, entrega el premio de honor al cineasta.
Keep the Lights On (2012), premio Teddy en la Berlinale de ese año, es el retrato descarnado de una relación entre dos hombres marcada por la adicción, el deseo y la fragilidad emocional. Ambientada en el Nueva York de principios de los años 2000, la película sigue a Erik, un documentalista danés, y a Paul, un abogado con problemas de drogadicción, en una espiral de encuentros sexuales, rupturas y reconciliaciones que se prolonga durante una década. Sachs filma la intimidad con una crudeza luminosa, donde el cuerpo es refugio y autodestrucción. Nueva York, vibrante y solitaria, se convierte en testigo de una generación que busca sentido entre galerías, fiestas y habitaciones compartidas.
sábado 22 nov 2025 a las 19:00
Sesión 3. Ira Sachs. Love Is Strange
Estados Unidos, 2014, color, versión original en inglés con subtítulos en español, 86’
—Con presentación y coloquio de Ira Sachs
Después de casi cuatro décadas juntos, Ben y George finalmente pueden casarse tras la aprobación del matrimonio igualitario en Nueva York. Sin embargo, poco después de su boda, George pierde su empleo como profesor en una escuela católica, lo que obliga a la pareja a vender su apartamento y vivir separados temporalmente, hospedándose con familiares y amigos. Esta nueva situación pone a prueba su amor, su dignidad y sus relaciones con los demás. Love Is Strange es una delicada y conmovedora reflexión sobre el amor maduro, la familia y la fragilidad de la estabilidad en la vida urbana.
domingo 23 nov 2025 a las 12:00
Sesión 4. Ira Sachs. Last Address y Peter Hujar’s Day
Last Address. Estados Unidos, 2009, color, versión original en inglés con subtítulos en español, 8’
Peter Hujar’s Day. Estados Unidos, Alemania, Reino Unido y España, 2025, color, versión original en inglés con subtítulos en español, 76’
—Con presentación y coloquio de Ira Sachs y David Velduque, cineasta y autor del pódcast Sabor a Queer. Estreno en Madrid
Last Address es un cortometraje realizado para el Día Mundial del Sida en el que Ira Sachs muestra las fachadas de los edificios donde distintos artistas neoyorkinos, como David Wojnarowicz, Robert Mapplethorpe o Peter Hujar, vivieron antes de fallecer a causa de esta enfermedad. Peter Hujar’s Day es, por su parte, una elegía silenciosa que captura las últimas horas del fotógrafo neoyorquino antes de morir de sida en 1987. Sachs filma el hospital, el cuerpo, la espera, con una contención que conmueve por su honestidad. La película, breve y devastadora, se convierte en un gesto de memoria queer, un tributo a quienes el arte y la historia han dejado fuera del encuadre. Como en Keep the Lights On o The Delta, Nueva York aparece como telón de fondo de la intimidad, el deseo y la pérdida. Aquí, sin embargo, la ciudad se reduce a una habitación, a un cuerpo que se apaga. El sida, más que enfermedad, es contexto, herida colectiva, y Sachs lo aborda con una ética del cuidado. Un cine que no busca respuestas, sino presencia. Que transforma el duelo en imagen, y la imagen en resistencia.
Más actividades
Expedientes de revoluciones tropicales
Sábado 20 y 27 de junio, 2026 - 19:00 H
El ciclo Reencuadrando las imágenes bananeras cierra con dos obras que condensan la culminación y el ocaso de este período histórico, epopeyas que cruzan fronteras y registros para encarnar las vivencias de la lucha armada en la región. Las cámaras conviven con los fusiles, las fronteras entre naciones se difuminan y la paciencia alcanza su límite. Es aquí donde llega el punto de inflexión, cuando la sangre derramada se vuelve demasiado pesada y los murmullos de aquella cofradía regional son sepultados de nuevo.
Pan y dignidad (Carta abierta de Nicaragua) recuenta los antecedentes históricos y el proceso de reconstrucción nacional en Nicaragua a partir de la insurrección popular sandinista. Historias prohibidas de Pulgarcito sumerge la cámara en el centro de la lucha revolucionaria salvadoreña, intercalando testimonios de violencia cotidiana con los versos del poeta Roque Dalton.
Ambas obras entienden la revolución armada como un expediente abierto y en vías de construcción. La cofradía insurgente, aunque disuelta, aún resuena en la historia regional.
Circular sobre cuerpos exprimidos
Viernes 19 y 26 de junio, 2026 - 19:00 H
Cuando las formas de la violencia se someten a la sociedad, el cine responde desde la urgencia. Las imágenes se abstraen, los sonidos se difuminan y el registro disidente viene desde las vísceras. La zona intertidal es un acercamiento ensayístico y poético a la represión sufrida por docentes en El Salvador durante los años setenta; un maestro estudia la biodiversidad de la costa salvadoreña mientras un niño encuentra un cuerpo en la misma playa. A propósito de la mujer entrelaza testimonios de miseria e ira hacia las estructuras patriarcales, con escenas de ficción de una procesión simbólica a través de un desierto hostil.
Ambas películas entienden el cuerpo como blanco de violencia y como territorio de insurrección; un espacio donde la sangre derramada por la militancia y la cruz del yugo patriarcal transforman el dolor en denuncia y la existencia fuera del statu quo en un acto de disidencia política.
Sello de origen centroamericano
Jueves 18 y 25 de junio, 2026 - 19:00 H
Las tierras fértiles, las manos campesinas, los rostros de la ruralidad. Este primer programa del ciclo Reencuadrando las imágenes bananeras entiende los cimientos de la experiencia centroamericana desde la explotación, el extractivismo y el desplazamiento, así como desde la organización y resistencia que surge como reacción. Las cuatro películas que lo componen van de la lírica documental de la solidaridad campesina a la subversión lúdica del formato institucional de la United Fruit Company.
Bananeras es un combativo retrato de las condiciones inhumanas en las plantaciones estadounidenses situadas en Nicaragua durante gran parte del siglo XX. Costa Rica Banana Republic presenta una incisiva sátira del documental institucional bananero que vislumbra la naturaleza extractiva de este modelo agroexportador en la década de 1970. Organización Campesina encuadra la resistencia rural hondureña desde el registro directo y la lírica documental. Dos veces mujer disecciona la invisibilización de la doble jornada a la que es sometida la campesina centroamericana: trabajo en el campo y en el hogar. En conjunto, estas obras presentan la tierra como un cuerpo herido y, a la vez, un espacio de dignidad.
Políticas y prácticas de acogida
19, 20 JUN 2026
Coincidiendo con el Día Internacional de las Personas Refugiadas, que se celebra el 20 de junio, Museo Situado y GRIGRI organizan este encuentro internacional que promueve la discusión, el debate y el intercambio de prácticas que sostienen la solidaridad con las personas migrantes en los países de la Unión Europea.
El programa, que se concibe como un espacio de intercambio y construcción colectiva de conocimientos, incluye un taller de creación colaborativa, conversatorios, una comida popular y un cinefórum —actividades diseñadas por un comité local integrado por jóvenes menores de 30 años de diferentes territorios de Europa—. Las recomendaciones políticas sobre acogida y hospitalidad en contextos urbanos surgidas de este encuentro se presentan en Bruselas a finales de 2026.
Estas jornadas se desarrollan en el contexto del proyecto de cooperación europea Bridging Borders y en el marco del décimo aniversario del proyecto GRIGRI Pixel.
![Agnes Essonti Luque, A Journey [Un viaje], 2024. Museo Reina Sofía](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/AGNESESSONT.jpg.webp)
De Viva Voz 3. Agnes Essonti Luque
Lunes 15 de junio, 2026 — De 18:30 a 20:00 h
La obra Un viaje (2024), de la joven artista española-camerunesa Agnes Essonti Luque, invita al público a acompañar a una réplica de una estatuilla africana de madera del Museu Etnològic i de les Cultures del Món (Barcelona) en su periplo de retorno a Camerún. La documentación visual y fotográfica que narra esta historia actúa como estrategia de reparación y restitución simbólica frente a las políticas extractivistas de la institución museo en la modernidad occidental. De esta manera, la instalación permite activar la conversación en torno a la violencia y el vaciado que producen ciertas dinámicas coloniales, pero también sobre la memoria familiar y los saberes comunitarios.
En diálogo con la comisaria Suset Sánchez, esta visita-encuentro busca propiciar una conversación en torno a la pieza y el contexto en que se muestra, así como atender a otros desafíos, tensiones o preguntas que la obra de Essonti lanza al público.