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Miércoles, 18 de septiembre - de 19:30 a 21:30 h / Escuela Municipal de Música y Danza del Distrito Centro María Dolores Pradera (Calle de la Farmacia, 13)
Taller práctico sobre Udlot Udlot de José Maceda
Udlot Udlot fue compuesta por José Maceda en 1975 “para cientos o miles de intérpretes” en Manila, Filipinas. Para su interpretación se han reconstruido 200 instrumentos según las instrucciones del compositor, entre los que se incluyen 50 kalu-tang (claves), 50 avakkao/balingbing (zumbadores), 50 tongatong (tubos) y 50 tungali (flautas). Esta pieza muestra el interés de Maceda por las músicas tradicionales y los instrumentos del Sudeste Asiático.
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Jueves, 19 de septiembre - de 19:45 a 20:30 h / Iglesia de San Millán y San Cayetano (Calle de Embajadores, 15)
Miguel Nava y Rafa Martín
Miguel Nava es músico y estudioso responsable de la recuperación de la gaita serrana, un instrumento de viento hecho de caña, madera y hueso que es propio de la sierra madrileña. Rafael Martín es musicólogo e historiador medieval, intérprete y estudioso de la zanfona, instrumento medieval de cuerda frotada que se manipula mediante una manivela y 21 teclas, y que suele usarse como bajo continuo. Ambos imparten clases en Entresierras, la Escuela de Música y Danza tradicionales en la Sierra Norte de Madrid.
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Viernes, 20 de septiembre / Museo Reina Sofía
Programa de conciertos. Viernes
Edificio Sabatini, Auditorio
Rashad Becker 18:30h
Compositor y músico residente en Berlín, concibe sus piezas como relatos con múltiples capas, pobladas por un conjunto de entidades sónicas, algunas arrogantes, algunas tímidas, otras a punto de rendirse. Con frecuencia en ellas hay un matiz tragicómico, como si se tratase de una versión para dibujos animados de lo que podría ser el réquiem de un sueño (o simplemente una danza ritual de fertilidad de otra dimensión). Trabajos recientes incluyen el ciclo Traditional Music of Notional Species publicado en dos volúmenes con el sello PAN, y una obra de varias entregas titulada Based On A True Story cuya música se inspira en acontecimientos históricos en una suerte de “puesta en escena sónica”. En esta línea, Becker colabora con el ensemble neoyorkino Alarm Will Sound y el conjunto de cuerda berlinés Kaleidoskop.
Ipek Gorgun 19:15 h
Artista sonora y compositora turca cuyo trabajo se enmarca en el campo de la electroacústica. Su producción se caracteriza por plantear narrativas densas y detalladas que oscilan entre plácidas viñetas ambientales y tupidos pasajes donde el sonido parece colapsar las estructuras que lo articulan. Prueba de ello son sus colaboraciones con artistas como Egyptrixx y Fennesz, así como sus álbumes Aphelion (2016) y Ecce Homo (2018); este último presenta una exploración en torno a la capacidad humana para originar a la vez belleza y destrucción.
Edificio Sabatini, Sala de Bóvedas
Nina García 20:00 h
La improvisadora francesa Nina García presenta su proyecto en solitario Mariachi. Sus conciertos de guitarra eléctrica son auténticas demostraciones de energía rebosante. García se acerca a un instrumento tan icónico como la guitarra explorando todo su potencial, pero sin intentar agotar su paleta sonora. Como si de objetos a esculpir se tratase, la materia sónica, su gestualidad como performer y el instrumento se convierten en las actuaciones de la artista en un todo indisoluble en transformación constante.
Saba Alizadeh 20:30 h
Artista sonoro y visual y virtuoso del kamanché, un instrumento de cuerda frotada de origen persa, Saba Alizadeh, es uno de los nombres más destacados del panorama iraní. Hijo de Hossein Alizadeh, músico de renombre internacional, y fundador de Noise Works, una plataforma dedicada a la difusión de la experimentación sonora en su Teherán natal. Para este programa, el artista propone un concierto en la estela de su excelente Scattered Memories (2018), álbum con el que pretende acercar la música tradicional persa a la electrónica contemporánea.
Gaba 21:15 h
Proyecto creado en 2018 por Enrique Garoz de Diego y Garazi Gorostiaga, dos activos del underground estatal. Si bien Garazi debutó recientemente con Irauten (2017), Enrique lleva más de una década publicando decenas de producciones bajo diferentes heterónimos, entre ellos Tube Tentacles. Ha colaborado con pioneros de la escena noise como The Haters o Toshiji Mikawa (de Incapacitants). Gaba propone atmósferas sombrías e interludios del ruido más áspero, tomando como inspiración la imaginería de la ciencia ficción y el esoterismo.
Edificio Nouvel. Vestíbulo del Auditorio 400
Síria 20:00 h
Síria es el nuevo proyecto de la portuguesa Diana Combo en el que suma su voz a su práctica habitual como EOSIN, su anterior proyecto, donde recurría a grabaciones de campo y discos de vinilo. Además de su trayectoria como artista, Combo comisaría el programa de música y arte sonoro del Teatro do Bairro Alto de Lisboa. Desde 2013 investiga también el archivo del etnomusicólogo Michel Giacometti, compuesto por canciones dedicadas al trabajo de los campos portugueses. Algunos de estos cantos se incluyen en sus piezas a través de procesos de reapropiación, sampleo y reinterpretación.
R. Vincenzo 20:30 h
Auto-denominado como un “samurái del sample”, Ricardo Vincenzo es un artista de São Paulo cuya propuesta consiste en editar y mezclar, en tiempo real, fragmentos de temas de una amplia variedad de regiones y folclores. El resultado es una suerte de collage o mashup sincrético donde se funden lo orgánico y lo electrónico, cuyos elementos constitutivos se resignifican y transforman. Vincenzo es además miembro de otras dos interesantes iniciativas paulistas, el grupo Roda da Sample y el colectivo Voodoohop.
Lechuga Zafiro 21:30 h
Pablo de Vargas, músico de Montevideo, se aproxima a lo experimental por medio de una reivindicación de elementos populares. Su música es el resultado de una temprana fascinación por géneros tan diversos como la cumbia, el kuduro, el tribal guarachero y muy especialmente la percusión del candombe, tradición afro-uruguaya que también explora como miembro del grupo F5. Bajo el nombre de Lechuga Zafiro sus temas han sido reivindicados por figuras como Matías Aguayo, Errorsmith, Kode 9 y Burial. Su paso por Archipiélago promete una sesión de ritmos de raíz latina, mutante y futurista.
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Sábado, 21 de septiembre / Museo Reina Sofía
Programa de conciertos. Sábado
Parque del Retiro, Palacio de Cristal
Udlot Udlot de José Maceda 13:00 h
La presentación de Udlot Udlot tiene lugar en el Palacio de Cristal, construido en 1887 para Exposición General de las Islas Filipinas, planteada para la explotación colonial de las islas. El compositor y musicólogo, José Maceda (1917-2004) estudió la música del este y el oeste de África, Brasil y el Sudeste Asiático. En París conoció a compositores europeos como Pierre Boulez o Iannis Xenakis, y en Estados Unidos estudió etnomusicología. En los años 1990 fundó el Centro para la Etnomusicología de la Universidad de Filipinas y escribió varios libros como Gongs & Bamboos, una aproximación a los instrumentos musicales filipinos.
Edificio Nouvel. Vestíbulo del Auditorio 400
Psicolabio 15:00 h
Miguel Ángel del Ser es un coleccionista de discos afincado en Madrid. Entre diciembre de 2017 y octubre de 2018, publicó una serie de sesiones de dj bajo el nombre de Psicolabio para Svala Radio. Estas sesiones, marcadas por el exotismo doméstico de las wunderkammer (gabinete de maravillas), destacaron rápidamente por su tono, variedad de estilos y organización temática.
Chulapeiras 17:00 h
Grupo de pandereteiras afincado en Madrid. Su repertorio, recopilado por Xurxo Fernandes, está compuesto por canciones gallegas y sefarditas de las zonas de Turquía y Grecia, algunas de las cuales representan los últimos eslabones de transmisión oral de las aldeas y poblaciones donde se grabaron. Estas canciones sirven como aglutinante y acompañamiento para la danza en reuniones espontáneas.
Żywizna (Raphael Rogiński + Genowefa Lenarcik) 17:30 h
Guiado por su interés en la etnomusicología, el guitarrista Raphael Rogiński transita por diferentes coordenadas entre el jazz y el blues hasta la música judía. Con la formación Żywizna, que integra junto a la vocalista Genowefa Lenarcik, se centra en la tradición musical de la región polaca de Kurpie. Żywizna significa “naturaleza” en el dialecto de esta zona, de la que Genowefa es originaria y en la que su padre, Stanisław Brzozowy, fue una verdadera institución para el folclore local. En este proyecto, el legado musical de Kurpie colisiona con la guitarra eléctrica de Rogiński, que lleva estas canciones hacia nuevos territorios.
Lea Bertucci 18:15 h
Compositora, intérprete y diseñadora de sonido estadounidense que desarrolla su trabajo en el ámbito de la electroacústica dentro de la tradición minimalista de Julius Eastman, Éliane Radigue o La Monte Young, sin descuidar la escucha de música grabada en Burundi, Finlandia, Bulgaria o Etiopía. Sus conciertos para saxo alto se relacionan específicamente con el lugar del que proceden por medio de técnicas expandidas y retroalimentación psicoacústica. Por ejemplo, su disco de 2019, Resonant Field, se concibió para experimentar con la resonancia del interior de un silo abandonado; en concreto, un colosal cilindro de hormigón que forma parte del complejo industrial de Silo City, en Buffalo, Nueva York.
Kolida Babo 19:00 h
Koliada es el nombre eslavo de la celebración del año nuevo solar, lo que en otras partes de Europa se conoce como solsticio de invierno o navidad. Los griegos Socratis Votskos y Harris P adoptaron el nombre de Kolida Babo para su dúo cuando comenzaron a grabar su primer disco en esas mismas fechas. Ambos tocan el duduk, un instrumento de viento de origen armenio, popularizado por Djivan Gasparyan, una de las principales influencias de la formación, junto al free jazz más espiritual, la electrónica cósmica y las músicas tradicionales de las regiones griegas de Epiro y Tracia.
Asmâa Hamzaoui y Bnat Timbouktou 19:45 h
La artista Asmâa Hamzaoui, hija del maâlem o maestro Rachid Hamzaoui, toca el guembri, una especie de bajo de tres cuerdas, acompañada por las Bnat Timbouktou (hijas de Tombuctú) a los qraqeb o crótalos. Se trata de una de las escasas formaciones marroquíes gnaua íntegramente femenina. Como el diwan o bilali (Argelia), el stambali (Túnez), o el sambali (Fezán, Libia), la música gnaua procede de las hermandades de antiguos esclavos que practicaban ritos de posesión y cuyos miembros sostienen descender de Bilal, primer abisinio (etíope) convertido al islam.
Bamba Pana & Makaveli 20:30 h
El tándem formado por el productor Bamba Pana y el rapero Makaveli es uno de los mejores exponentes del singeli, una corriente musical que causa furor entre los jóvenes de los barrios de Dar es Salam (Tanzania) y que la discográfica ugandesa Nyege Nyege Tapes ha catapultado a nivel global. Tomando influencias de otros géneros autóctonos como el taarab, el mchiriku y el bongo flava, una suerte de hip hop tanzano, la música de este dúo resulta tan vertiginosa o más que el gabber, sobrepasando los 180 bpms y dejando exhaustos a quienes se aventuran a bailarla.
Celebrada el 18 sep 2019
Por tercer año, el programa Archipiélago invita a comprender la complejidad del mundo contemporáneo mediante la escucha, indagando en lo que se entiende por música experimental y su relación con lo popular a partir de diferentes narrativas y geografías.
La presente edición explora el concepto de tradición: un término asociado al conservadurismo y la involución frente al cambio, pero cuyo significado también implica la transmisión de conocimiento, de una persona a otra y de una generación a la siguiente. En este sentido, puede asimilarse más como una manera de avanzar y conciliar, y no tanto como un intento sesgado de preservar cierta originalidad mitificada.
Archipiélago contempla de este modo la tradición como un conjunto de saberes, afectos y prácticas compartidas y específicas de unos contextos, momentos y grupos concretos. Desde este prisma, el programa se aproxima a distintos artistas que desarrollan géneros en apariencia no relacionados entre sí (gnaua, noise, singeli, electroacústica o músicas de baile que subvierten cualquier intento de clasificación) o que, pese a supuesta novedad, se asocian de forma remota a alguna tradición musical. En definitiva, se apuesta por la celebración de la escucha como una suerte de doble auscultación hacia un pasado, distante o reciente, y sobre todo hacia un futuro impredecible.
Con el apoyo de
Goethe-Institut Madrid, Embajada de Filipinas en España, Embajada de España en Filipinas, Centro para la Etnomusicología de la Universidad de Filipinas
Con el apoyo técnico de
Centro de Tecnología del Espectáculo-CTE, Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música-INAEM y Escuela Municipal de Música y Danza del Distrito Centro María Dolores Pradera
Comisariado
Rubén Coll y José Luis Espejo
Programa educativo Udlot Udlot
Fran MM Cabeza de Vaca, Cristina Gutiérrez y Jesús Jara
Organiza
Museo Reina Sofía
Con la colaboración de
Con el patrocinio de
Recursos
Programa Archipiélago 2019
Más actividades
Paisajes en trance. El cine de Oliver Laxe
Del 5 al 28 de febrero, 2026 – Consultar programa
El Museo organiza durante el mes de febrero una retrospectiva completa de la filmografía de Oliver Laxe. El ciclo dialoga con la obra HU/هُو. Bailad como si nadie os viera, una instalación del autor de Sirāt concebida para el Espacio 1 del Museo Reina Sofía. El programa incluye los cuatro largometrajes realizados hasta la fecha por el cineasta, así como sus cortometrajes y una carta blanca de cuatro sesiones programadas por el autor en correspondencia con sus películas e intereses creativos.
Oliver Laxe representa una de las miradas más radicales del panorama fílmico contemporáneo. Su cine es un espacio resiliente, espiritual y transcultural, impregnado de un nomadismo cultural y social que refleja la vida y las creencias del cineasta, y que, en último término, propone una ética antimaterialista para afrontar nuestro tiempo. Su filmografía se caracteriza por una profunda espiritualidad, un tiempo contemplativo y una conexión íntima con la naturaleza y lo sagrado. En sus películas, Laxe ha abordado temas universales, como la redención o el sentido de la existencia, a través de relatos que se desarrollan en paisajes remotos, rurales y atemporales con atmósferas influidas por el cine de género, como el western o el policíaco. Los personajes de su cine, en su mayoría actores no profesionales, atraviesan territorios físicos a la vez que experimentan viajes interiores insuflados por la culpa, el deseo de reintegrarse en comunidad o la realización de un propósito final que ignoran. La naturaleza, con especial énfasis en el desierto y en el paisaje, es otro personaje más, una presencia viva y panteísta que condiciona y refleja los conflictos humanos. El tiempo dilatado, la atención a la experiencia sensorial y las alusiones a la religiosidad antigua nos sitúan en una concepción meditativa del cine que apela a ser un manifiesto para reencantar el mundo.
En la carta blanca el cineasta ha programado cuatro películas que cartografían sus obsesiones. Highway (1999), de Serguei Dvortsevoy, una ruta por los páramos de Kazajistan a través de un circo ambulante; Las estaciones (1975), de Artavazd Peleshian, una oda al transcurrir del tiempo a través del paisaje; Trás-os-Montes (1976), de António Reis y Margarida Cordeiro, una ficción etnográfica del campesinado portugués en sus rituales y pureza vital; y La isla desnuda (1960), de Kaneto Shindô, la lucha cotidiana de una familia de cuatro miembros en un paraíso natural.
Algorave. Compartiendo código vivo
Jueves 12 de febrero, 2026 - 19:30 h
La actividad Algorave. Compartiendo código vivo celebra, en diálogo con la exposición Oliver Laxe. HU/هُوَ. Bailad como si nadie os viera, la cultura del código abierto y la música electrónica. Se trata de una muestra-concierto en la que el alumnado de Sonología y Composición del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (RCSMM) pone cuerpo y sonido a los aprendizajes activados durante las VI Jornadas de Creación Sonora del RCSMM celebradas del 10 al 12 de febrero de 2026.
Al inicio de esta Algorave se introduce a las personas asistentes en algunos datos básicos de la cultura del live coding y en nociones elementales que les permitan seguir, a través de proyecciones, el proceso compositivo en tiempo real. A continuación, la música corre a cargo del alumnado del RCSMM, acompañado y respaldado por participantes de Toplap Madrid, colectivo de referencia en la práctica comunitaria y horizontal del live coding.
Este encuentro nace del compromiso didáctico del equipo de Educación del Museo Reina Sofía con el alumnado y el profesorado del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (RCSMM), colaboración iniciada en 2023 con el proyecto Una grieta: Escúchame a través de los oídos de un extraño.
Trabajo cultural
12 FEB 2026
Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que han participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa consiste en cuatro bloques temáticos alrededor de lo monstruoso.
Esta segunda entrega propone abordar el cine como un lugar desde el que se visibilizan el trabajo cultural y los procesos de producción que dialogan con la creación artística. A partir de esta premisa, la sesión se centra en explorar cómo se producen, ensamblan y distribuyen los contenidos audiovisuales, desde las manos que manipulan las imágenes hasta los cuerpos que participan en su circulación. Se pretende reflexionar así sobre el esfuerzo invisible, la precariedad y las formas de colaboración que sostienen la vida cultural, que transforman la experiencia cinematográfica en un acto de reconocimiento y cuidado del trabajo común.
Alberto Greco. Viva el arte vivo
Martes 10 de febrero, 2026 - 19:00 h
Con motivo de la inauguración de la exposición Alberto Greco. Viva el arte vivo, Fernando Davis, comisario de la muestra, y Amanda de la Garza, subdirectora artística del Museo Reina Sofía, conversan en el Auditorio 400 del Edificio Nouvel sobre la vida y la obra del artista argentino, figura fundamental de la vanguardia experimental.
La exposición y la charla toman el título de la proclama «Viva el arte vivo», con la que Alberto Greco (Buenos Aires, 1931- Barcelona, 1965) inundó las calles y los muros de Roma. Para Greco, el arte vivo fue el arte del futuro. Un arte basado en un conjunto de gestos irreverentes e intempestivos, de aventuras abiertas a lo imprevisto que se fundían con la propia vida, que inicia en 1962 y para el que más tarde acuña el término «vivo-dito». En su Manifiesto dito dell´arte vivo, con el que empapeló las paredes de Génova, animaba a entrar en contacto «con los elementos vivos de nuestra realidad: movimiento, tiempo, gente, conversaciones, olores, rumores, lugares, situaciones». También en Madrid irrumpe en la cotidianidad de la calle cuando convoca un «momento vivo-dito» que culmina con la quema de un lienzo pintado de manera colectiva en el barrio de Lavapiés.
Además de fundador del arte vivo, Alberto Greco fue pintor informalista, flâneur queer o poeta y actor ocasional. Esta intensa singladura vital y artística está íntimamente conectada además con su deriva migrante, que comenzó en 1950 en Buenos Aires, pasando por Atacama y Humahuaca, París, Río de Janeiro, São Paulo, Génova, Roma, Madrid, Piedralaves, Nueva York o Ibiza, para terminar abruptamente en Barcelona, donde se quitará la vida poco después de escribir su última gran obra, la novela Besos brujos (1965).
Estas charlas inaugurales, que forman parte de una de las líneas de trabajo principales del Área de Programas Públicos, tienen como objetivo profundizar en los contenidos de las exposiciones organizadas por el Museo desde la perspectiva de artistas, comisariados y especialistas.
![Basel Abbas y Ruanne Abou-Rahme, At Those Terrifying Frontiers Where the Existence and Disappearance of People Fade Into Each Other [En esas fronteras aterradoras donde la existencia y la desaparición de personas se disuelven entre sí], 2019](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Colecci%C3%B3n/abbasabourahme.png.webp)
Gaza y el esteticidio
Martes 10 de febrero, 2026 – 16:00 h
«Este seminario examina la destrucción sistemática de la sensibilidad colectiva palestina —lo que podríamos denominar "esteticidio"— que ha acompañado al genocidio y ecocidio perpetrados por Israel en Gaza, y considera las condiciones de la práctica artística en su estela. A lo largo de más de dos años, la demolición de universidades, archivos, museos y bibliotecas no solo ha borrado infraestructuras culturales e intelectuales, sino que también ha atacado la propia posibilidad de la representación. La destrucción de un pueblo ha ido acompañada de la destrucción de su imagen, su historia y su capacidad de ser conocido: el periodismo, la investigación académica y la memoria cultural han sido deliberadamente socavados, con instituciones mediáticas, universidades y museos a menudo cómplices de esta represión. Gaza funciona, en consecuencia, como un espacio de ensayo de un posible futuro global —de fascismo, autoritarismo posliberal, fronteras militarizadas y guerra habilitada por la IA—, un laboratorio de un orden mundial emergente. ¿Qué ocurre entonces con el análisis crítico y la resistencia en estas condiciones? ¿Y qué sucede con la estética y la política?».
—T.J. DemosEste seminario tiene lugar gracias a la invitación del historiador del arte a España por parte de la Fundación Miró. En el contexto del museo, dialoga con una línea de trabajo más amplia en torno a la emergencia climática y las perspectivas decoloniales presentes en el proyecto Museum of the Commons (2023-2026), de la red L’Internationale, de la que el Museo Reina Sofía forma parte; así como con algunas de las preguntas que movilizan el grupo de estudio Estéticas de la paz y tácticas de deserción. Por último, también se inserta en una estrategia más amplia de apoyo y compromiso con la creación artística y discursiva de artistas de origen palestino, que tiene su mejor reflejo en la red TEJA.