Mirtha Dermisache, Lectura Pública 7, 2006. Museo Reina Sofía
Depósito indefinido de la Fundación Museo Reina Sofía, 2020 (Donación de Juan Alejandro Larumbe y Leonor Cantarelli, Legado Mirtha Dermisache)
Clínica 2628 es un proyecto de acompañamiento y puesta en común de escrituras que nace con la intención de ofrecer un espacio y unos tiempos sostenibles para el trabajo de investigación en arte y cultura. En el contexto de una academia cada vez menos receptiva a las formas en que el pensamiento ocurre y es expresado, quiere rescatar lo académico de su captura neoliberal para recuperar la alianza entre precisión e intuición, trabajo y deseo. También quiere devolver la escritura al común que la hace posible a través de un trabajo de seguimiento de procesos y colectivización de ideas, posiciones, referencias y estrategias.
La propuesta, que resulta de la colaboración entre la Dirección de Estudios del Museo Reina Sofía y el grupo de investigación Artea a través del proyecto i+D Experimenta, se concreta en tres ediciones anuales, concebidas como un espacio de experimentación, discusión y muestra de haceres de escritura críticos con los que propone la academia hoy.
¿Qué fuerzas, formas y procesos se ponen en juego al escribir sobre arte y estética? En la academia, en los museos y en otras instituciones culturales la práctica de la escritura se ve atravesada por lógicas productivistas que ponen en riesgo los ritmos de la investigación y la experimentación. La imposición cientificista implicada en la estructura del paper o la cuantificación de resultados que exigen los criterios de calidad y visibilidad higienizan, de entrada, la rugosidad propia de una escritura entendida desde lo concreto de su lengua: las resistencias fónicas, gráficas, sintácticas y gramaticales que conectan a quien usa esa lengua con la comunidad que esta une y activa. Higienizan también la rugosidad implicada en el mismo deseo de escribir, los caminos intuitivos, claros y confusos que de nuevo conectan a quien escribe con quienes leyeron y escribieron así, participando de un bien común que se descubre y se produce al mismo tiempo.
La progresiva mercantilización del saber puesta en marcha por el capitalismo cognitivo aleja cada vez más la investigación y la producción de conocimiento de las obras, los lenguajes y las prácticas artísticas. Los trabajos de comisariado y archivo, la crítica, las performances o los ensayos contaban con un horizonte de posibilidades formales, emocionales y de imaginación mucho más amplio cuando no se desarrollaban en condiciones de competitividad, indexación o impacto. ¿Sería posible hoy retomar aquellos haceres de manera no nostálgica sino crítica, esto es, recuperar por las formas, y por las formas escritas, la cercanía entre el pensamiento de arte y sus objetos? ¿Cómo escribir de otro modo, a otro ritmo, con no más exigencias que las que una obra de arte lanza a las diferentes formas de ver, de leer, de estar en el mundo?
Dirección y acompañamiento
Erea Fernández y Arantxa Romero
Coordina
Ana Vidal González y Lola Visglerio Gómez
Organiza
Museo Reina Sofía y ARTEA
Organiza
EXPERIMENTA. Proyecto PID2023-148236NB-C21. Financiado por la Agencia Estatal de Investigación (AEI-MICIU) 10.13039/501100011033 y por FEDER, UE
Clínica año 1. Ilegibilidad
Llamada a escrituras
La primera edición de Clínica 2628 gira en torno a la idea de ilegibilidad, entendida como resistencia de los lenguajes artísticos a ser absorbidos por los significados y en consecuencia como afirmación de las formas. Unas formas que, al no referir un mensaje unívoco e inmediatamente descifrable, ponen en marcha un proceso de producción de sentido que compromete creativamente a todo el entorno implicado en la experiencia estética.
Esta manera de entender la ilegibilidad se apoya, por un lado, en las prácticas de las vanguardias y en las propuestas intermedia y conceptuales que toman la escritura por su performatividad gráfica (Mallarmé, Ferrari, Hatherly, Broodthaers, Michaux, Ullán). Se apoya, por otro lado, en la tradición teórica del desvío, que pone en diálogo las propuestas formalistas (Shklovski), estructuralistas (Jakobson o Lotman) y posestructuralistas (Deleuze, Derrida, Lacan, Barthes, Kristeva o Wittig) para producir, sobre todo a partir de los años setenta del siglo pasado, una red conceptual en la que nociones como diferencia, suplemento, deslizamiento, goce o disidencia apuntan a una estrecha relación entre estética y ontología, toda vez que el arte se concibe como una vía no solo de acceso y comprensión, sino también de producción y transformación de la realidad.
Esta red de pensamiento se extiende hasta la contemporaneidad para considerar el papel del arte y la escritura respecto a la actual fase colonial-extractivista del capitalismo. En este sentido operan nociones como las de «necroescritura» (Cristina Rivera Garza), «envoltura» y «síncope» (Isabel de Naverán), «analírica» (María Salgado) o «dificultad» (Erea Fernández). En el mismo sentido, y confiando en la posibilidad de confundir la práctica y la teoría del arte, resultan interesantes, entre muchas otras, las piezas de Theresa Hak Kyung Cha, Hélène Cixous, Fred Moten, Lyn Hejinian o Cecilia Vicuña.
Desde estas coordenadas y deseos, la clínica se configura como un espacio de trabajo estructurado alrededor de tres ejes:
- Seguimiento individual: una sesión en remoto cada dos meses para acompañar cada proceso de investigación y escritura.
- Encuentros de creación colectiva y puesta en común de procesos: tres sesiones grupales presenciales a lo largo del curso (en los meses de febrero, mayo y octubre, en horario de tarde) en la sede del Centro de Estudios, y prácticas de producción de pensamiento y textos. Las fechas de los encuentros presenciales se elegirán dentro de estos meses a partir de la disponibilidad de las personas que conformen la comunidad.
- Un taller anual conducido por una persona invitada acerca de la problemática convocada en cada edición.
Cada curso termina con una apertura al público de los procesos de escritura colectiva, y las escrituras acompañadas durante las tres ediciones se publican en un solo volumen al final. Como se busca generar una comunidad pequeña y unas dinámicas íntimas y pausadas, las personas participantes deben comprometerse a asistir a los encuentros y a mantener inédito su proyecto hasta la publicación.
A continuación, se proponen algunas líneas de trabajo que sirven de orientación para las solicitudes, pero que no agotan las problemáticas que pueden ocupar a las personas participantes:
- Implicaciones estéticas y políticas de la ilegibilidad en literatura y arte.
- Desvío, dificultad, opacidad. Investigaciones desde la práctica experimental.
- Prácticas artísticas entre escritura y dibujo: gestos, criptografías, alfabetos imaginados, grafismos y tachaduras.
- Revisiones críticas del legado posestructuralista en artes.
- Experimentación con la materialidad del pensamiento y las tensiones visible-sonoro-legible.
Para cualquier duda, puedes escribir a clinicax2628x@gmail.com y centrodeestudios@museoreinasofia.es.
Proyectos seleccionados
Andrea Abello es escritora e investigadora. Su proyecto, enredos, estudia la vinculación etimológica, temática y formal entre el texto y el tejido a través del concepto de ilegibilidad que vertebra Clínica 2628, incorporando, también, una perspectiva ecofeminista. Centra su trabajo en torno a un corpus de poesía experimental y arte textil, explorando los cruces entre ambas artes, especialmente en lo que respecta a su uso del lenguaje técnico. Durante el curso busca desarrollar la creación hermanada de un texto ensayístico de investigación y una pieza textil.
María del Buey Cañas es artista e investigadora predoctoral en la Universidad Autónoma de Madrid (UAM). Su interés oscila entre las prácticas escénicas, el trabajo sonoro y la escritura ante la crisis ecosocial. Noche Yegu✮ (traducción directa del inglés «nightmare») es una investigación que toma los materiales de la escucha, animal antes que humana, en la búsqueda de líneas de fuga de esos presentes-pasados marcados por el consumo de combustibles fósiles y la negación de nuestra condición ecodependiente en el continuo biológico-evolutivo.
Natalia Castro Picón es docente e investigadora en estudios culturales ibéricos en la Universidad de Princeton. En su actual investigación, Prohibido hablar de política, explora el potencial de la poesía como herramienta político-cultural para intervenir en la reconstrucción de las mayorías sociales que son centrales a la noción de democracia. Su trabajo consiste en la configuración de una cartografía de iniciativas en el Estado español (y sus redes trasnacionales) que experimentan con procedimientos poético-políticos desde los que abrir espacios comunes de negociación de sentidos y resistencia a las lógicas de captura capitalista del discurso en la sociedad de la información.
Tzu-Han es artista-investigadora, con contrato predoctoral (actualmente en etapa posdoctoral) en el marco del Plan Propio de I+D+i, cofinanciado por el Fondo Social Europeo Plus (FSE+) y la Universidad de Castilla-La Mancha (UCLM). Su investigación doctoral, La escucha consciente. Un estudio del ruido blanco del cuerpo y del entorno, se despliega como una indagación en la escucha encarnada, atravesada por la poética del qì, la cosmovisión taoísta y la imagen del agua. A través de performance, instalación y escritura expandida, atiende a cómo escuchamos y con qué cuerpo, dejando que emerjan las transformaciones sensibles y afectivas que se revelan al habitar, con atención, nuestros modos de percibir.
Laura Llevadot es ensayista y profesora de Filosofía contemporánea de la Universidad de Barcelona (UB). Hastiada del formato castrante de los papers académicos, hace ya un tiempo que busca otras formas de escritura directas al hueso. Es lo que ha intentado en libros como Mi herida existía antes que yo. Feminismo y crítica de la diferencia sexual (Tusquets, 2022) y el más reciente 4227 suïcidis no exemplars. Desig i melancolia al capitalisme neoliberal (HyO, 2025). En la actualidad desarrolla un proyecto de conferencia performática inspirado en el trabajo de Isabel de Naverán e Hito Steyerl.
Sara Santana López es artista visual y mediadora. Su propuesta gira en torno a las intervenciones vandálicas que Joe Orton y Kenneth Halliwell hicieron en los libros que robaban y reintroducían en la biblioteca de su barrio entre 1959 y 1961. Desde hace un tiempo, ella también busca cómo robar libros y acude a otra biblioteca para copiar a mano el libro en el que la historiadora Ilsa Colsell relata este caso. Quiere desarrollar una escritura crítica alrededor de la intervención Orton-Halliwell que reflexione acerca de cómo las estructuras de orden y control condicionan la legibilidad de los textos, y donde pueda infiltrarse el hacer clandestino de la copia.
![Tracey Rose, The Black Sun Black Star and Moon [La luna estrella negro y negro sol], 2014.](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Obra/AD07091_2.jpg.webp)
Más actividades
![Lloyd Bacon, Footlight Parade [Desfile de candilejas], 1933, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_portrait/public/Actividades/ciclocine-piscinas-8_0.jpg.webp)
Lloyd Bacon. Desfile de candilejas
Sábado 25 de julio, 2026
La piscina y los cuerpos acuáticos danzantes como un lugar de ensoñación y fascinación al servicio del primer Hollywood y de la temprana industria del entretenimiento. Un musical previo al moralista código Hays en el que un visionario Busby Berkeley dirige las coreografías más fastuosas y multitudinarias de la historia del cine. La principal es By a Waterfall [Cerca de la cascada], con una piscina y cientos de bañistas como protagonistas absolutos. El propio Salvador Dalí, tras observar el número, consideraría a Busby Berkeley como un igual en su delirio paranoico y como una gran influencia en sus instalaciones, como la realizada por el artista en la Exposición Universal de Nueva York en 1939.
La historia sigue a un ingenioso productor teatral que concibe grandes números musicales para ser representados en los cines antes de cada proyección, y así salvar los espectáculos en directo frente a las primeras películas habladas. Para ello, se embarca en una carrera para mostrar al mundo los tres espectáculos musicales más fastuosos jamás imaginados. Junto con Honeymoon Hotel o Shanghai Lil, destaca By a Waterfall, considerada la coreografía fílmica más imponente centrada en las posibilidades plásticas de la piscina. Cientos de nadadoras transforman sus cuerpos en monumentales y abstractas figuras geométricas en un crescendo de asombro y estupefacción que construye la piscina en la arquitectura esencial para un Hollywood concebido como la nueva fábrica de sueños.
![Mike Nichols, The Graduate [El graduado], 1967, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/ciclocine-piscinas-9_0.jpg.webp)
Mike Nichols. El graduado
Viernes 31 de julio, 2026
Benjamin Braddock (Dustin Hoffman) es un joven graduado perteneciente a una familia burguesa de California. Tras retornar a casa, conoce a la señora Robinson (Anne Bancroft), quien lo seducirá en continuos encuentros y le enseñará aquello que no está en los libros. La hija de la señora Robinson, Elaine (Katharine Ross), entrará en su vida para cambiar por completo sus sentimientos.
El excelente papel de Anne Bancroft nos muestra esa necesidad de sentirse viva en un mundo caduco, y las armas que el sexo posee frente al amor romántico. Ese aprendizaje es el que transita el joven Ben, y son los momentos en los que habita la piscina los que provocan su paso del aturdimiento a la lucidez. Pasa de ser un bufón con escafandra, perdido en el fondo de la pileta, a dejarse mecer por las aguas del placer o a ver el manto de la piscina manchado de hojarasca por la llegada del amor. La piscina es el lugar que permite el cambio de estado: el despertar a las fuerzas de la vida.
Sol Iglesias. Los nadadores
Sábado 1 de agosto, 2026
El fin del mundo, provocado por la crisis climática, ha llegado y un grupo de amigos deambula de piscina en piscina en medio del verano eterno de Buenos Aires. De pileta en pileta, atraviesan la ciudad en una deriva placentera y ociosa. En ese tránsito, encuentran a distintos supervivientes que buscan desesperadamente el agua hasta su propio final.
A modo de réplica de la película El nadador (1968) de Frank Perry y Sydney Pollack, Los nadadores de Sol Iglesias es, de igual forma, un camino hacia el crepúsculo. Las piscinas simbolizan, en este escenario quemado por el sol, una metáfora de refugio, pero invariablemente también de muerte dulce. El calor extremo es lo que la convierte en un final fresco y placentero. La piscina representa, además, el letargo de una juventud cansada de luchar contra lo que cree «inevitable». Al colarse los jóvenes en piletas de vecindarios privados, en lugar de mostrar espacios públicos, la piscina termina siendo un reducto de intimidad que es necesario asaltar: el falso paraíso de una sociedad que ha colapsado. El filme acerca conceptualmente al espectador a otra película argentina también presente en este ciclo, La ciénaga (2001) de Lucrecia Martel, donde los cuerpos buscan recodos de agua estancada.
Jack Hazan. A Bigger Splash
Viernes 7 de agosto, 2026
La pintura dota de permanencia y estabilidad a un instante fugaz e irrepetible. Esa es la visión del recientemente fallecido David Hockney cuando, pincelada tras pincelada, regresa a la piscina de A Bigger Splash: la gran zambullida en una piscina californiana que congela una sensación de felicidad. Quien se zambulle no es otro que Peter Schlesinger, pareja del pintor con el que este acaba de romper.
En A Bigger Splash, Jack Hazan retrata el mundo de un artista de éxito, la presión del mercado y de los marchantes, la tensión entre el ego y la fragilidad personal o la obligación para continuar con un estilo y una iconografía que, pese a su sello inconfundible, generan dudas para el propio pintor. En medio de un Londres gris y lluvioso, un Hockney melancólico y víctima del mal de amor sigue retornando a la piscina californiana como promesa de felicidad, a modo de una arcadia homosexual en la que el pintor convive con su joven pareja y un grupo de amigos igualmente lozanos y atractivos. La piscina, después de todo, como recuerda Jack Hazan en este pionero documental de artista, es un símil de la misma pintura en su función primigenia: asir lo fugaz para, pese a que ya no exista, dotarlo de permanencia para el que mira. Hockney, como uno de los últimos grandes pintores, sabe que su medio apenas ha cambiado en cientos de años de historia.
Seis piscinas. Un salto al cine experimental
Sábado 8 de agosto, 2026
Por primera vez, el cine de verano incluye un programa de cine experimental, en el que predomina la experiencia y la sensación de los cuerpos bajo el agua de la piscina. Esta sesión se desliza desde las fastuosas arquitecturas acuáticas de Barbara Hammer y Barbara Klutinis hasta las fantasías, los roces y los cuerpos húmedos y sexualizados de Jakobois. Seis piscinas completamente diferentes. Piscinas privadas, públicas, transparentes o insondables, interiores o exteriores, pero todas concebidas para el ocio, la competición y el deseo. Un recorrido que pasa de la monumentalidad de la arquitectura a la intimidad de los cuerpos mojados.
Pools, de Barbara Hammer y Barbara Klutinis, convierte las piscinas diseñadas por la arquitecta pionera Julia Morgan para el castillo del magnate William Randolph Hearst —quien inspirara Ciudadano Kane— en un espacio de juego, exploración corporal y apropiación queer, una excusa para zambullirse en un escenario reservado al privilegio. En An Algorithm, Bette Gordon fragmenta una serie de saltos de cabeza y transforma el gesto deportivo en una partitura visual de repeticiones, variaciones y ritmos. Por su parte, Water Work, de Tony Hill, seduce con la perspectiva, los reflejos y la profundidad; la piscina como ilusión óptica, como superficie inestable que distorsiona y multiplica la mirada. Cheap Imitation “They Walk and I Walk”, de Rickard Eklund, sumerge la cámara para capturar una coreografía de cuerpos sincronizados, una danza suspendida bajo el agua. Cuerpos desnudos que se esquivan, se retuercen y se abrazan en un espacio donde parece no haber gravedad se reúnen en All Under, de Gunilla Leander. Finalmente, Passage du désir, de Jakobois, cierra el programa con un montaje donde el agua deja de ser un entorno para pasar a convertirse en territorio del deseo.