Juan Uslé y la experiencia neoyorquina
Mesa redonda con Juan Uslé, Vicky Civera, Txomin Badiola, Octavio Zaya y Ángel Calvo Ulloa
Juan Uslé, Mi-Mon (Miró versus Mondrian), 1992
En el marco de la exposición Juan Uslé. Ese barco en la montaña, esta mesa redonda propone un viaje hacia un tiempo y un lugar decisivos: el Nueva York de los años ochenta y noventa, escenario de una efervescencia artística que marca profundamente a toda una generación de artistas procedentes de España que encuentran allí un territorio fértil, caótico, exigente y lleno de posibilidades. Tal es el caso de Juan Uslé, que en enero de 1987 atravesó el Atlántico en dirección contraria al buque Elorrio —cuyo hundimiento en 1960 en la costa de Langre (Cantabria) quedaría grabado en su memoria— y fijó su residencia en Nueva York.
La conversación, moderada por el comisario de la exposición Ángel Calvo Ulloa, reúne a Juan Uslé, Vicky Civera, Txomin Badiola y Octavio Zaya, cuatro voces que vivieron ese momento desde perspectivas diversas y complementarias. Su diálogo reconstruye la experiencia de llegar a un contexto ajeno y explora los modos en que estas figuras del arte forjan vínculos y comunidades en un ambiente atravesado por la intensidad creativa y las tensiones del cambio cultural.
Asimismo, se aborda la relación con un Museo Reina Sofía que, en esos años, comienza a redefinir su papel dentro del ecosistema artístico internacional. La mesa invita a reflexionar sobre cómo se percibe, desde la distancia neoyorquina, la escena española y la institución museística, recuperando a través de la oralidad un episodio clave de la historia del arte español.
Organiza
Museo Reina Sofía
Colabora
illycaffèParticipantes
Txomin Badiola
(Bilbao, 1957) es artista. Estudia en la Facultad de Bellas Artes de Bilbao, donde ejerce como profesor entre 1982 y 1988. Reside en Londres entre1988 y 1989 y en Nueva York entre 1990 y 1998. Junto a Ángel Bados imparte en Arteleku (San Sebastián) dos cursos en 1994 y 1997. Comisario de Propósito Experimental (Madrid, Barcelona y Bilbao 1988-1989), antológica del escultor Oteiza y, junto a Margit Rowell, Oteiza. Mito y modernidad para el Museo Guggenheim de Bilbao (2004), Guggenheim Museum de Nueva York y el Museo Reina Sofía en 2005. Ha expuesto en numerosas galerías e instituciones nacionales y extranjeras, con grandes retrospectivas celebradas en el Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA), el Museo de Bellas Artes de Bilbao (2002), el Musée d'Art Moderne de Saint Etienne-Metropole en Francia (2007) o el Museo Reina Sofia (2016-2017). Es autor del Catálogo razonado de escultura de Jorge Oteiza (FMO y Nerea, 2015). Como escritor de ficción ha publicado Malformalismo (Caniche, 2019) y las novelas El curador (Caniche) y Mamuk (Acantilado) en 2025.
Ángel Calvo Ulloa
(Lalín, 1984) es comisario y escritor. Licenciado en Historia del Arte por la Universidade de Santiago de Compostela (USC) y máster en Arte Contemporáneo: Creación e investigación por la Universidade de Vigo (UVigo). Ha desarrollado su labor en diversas instituciones nacionales e internacionales. Ha sido cocomisario de O Fantasma da Liberdade / Anozero Bienal de Coimbra 2024, junto con Marta Mestre. Entre sus últimos proyectos curatoriales cabe destacar: Jordi Teixidor. No-res, en Sala Alcalá 31 (Madrid), ¿Adónde irá el pájaro que no vuele?, en La Casa Encendida (Madrid); Humores y Espesores, de Rodríguez-Méndez, en el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) (Móstoles, Madrid); El sueño de la cólcedra, de Teresa Lanceta, en el Museo Patio Herreriano (Valladolid); Siron Franco: Pensamento insubordinado (Trabalhos, 1961-2023), en Museu de Arte Contemporânea de Goiás (MAC Goiás) (Goiânia,Brasil); Anidar en el gesto: unas estanterías de Alberto, en Fundación Cerezales Antonio y Cinia (Cerezales del Condado, León); Autoconstrucción. Piezas sueltas. Juego y experiencia, de Antonio Ballester Moreno, en Artium (Vitoria-Gasteiz); Complexo Colosso, en Centro Internacional das Artes José de Guimarães (CIAJG) (Guimarães, Portugal); o, junto a Nuria Enguita, Habitación. El Archivo F.X., las chekas psicotécnicas de Laurencic y la función del arte, de Pedro G. Romero, en el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) (Móstoles Madrid), el Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC) (Barcelona) y el Centro Cultural La Nau (Valencia). En 2020 publicó, junto a Juan Canela, el libro Desde lo curatorial. Conversaciones, experiencias y afectos, dentro de la Colección Paper de Consonni.
Victoria Civera
(Port de Sagunt, 1955) es artista. Vive y trabaja entre Nueva York y Saro (Cantabria). Su obra se articula como un territorio de exploración íntima donde materia, forma y memoria se entrelazan en un lenguaje plástico personal. Formada en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, inició una pintura gestual de gran formato que, tras su traslado a Nueva York, se volvió más introspectiva y material. Su práctica abarca pintura, escultura e instalación, integrando lo femenino, lo doméstico y lo corporal como campos de reflexión sobre identidad y fragilidad. Desde los años noventa desarrolla una intensa producción tridimensional. Ha expuesto individualmente en el Espacio Uno del Museo Reina Sofía, Institut Valencià d'Art Modern (IVAM), Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC Málaga) y Museo Patio Herreriano de Arte Contemporáneo Español de Valladolid, así como en galerías de arte de Europa y Estados Unidos.
Juan Uslé
(Santander, 1954) es uno de los pintores españoles contemporáneos más reconocidos a nivel internacional. Desde 1987 alterna su residencia entre Nueva York y Saro (Cantabria). Ha participado en eventos clave como la Bienal de Venecia (2005), Documenta 9 (1992), la Bienal de Estambul (1992) y la Bienal de São Paulo (1985). Ha expuesto de manera individual en Bombas Gens Centre d’Art, Valencia (2021); Kunstmuseum Bonn (2014); el Centro Galego de Arte Contemporánea, Santiago de Compostela (2013); SMAK, Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Gante (2004); IMMA, Irish Museum of Modern Art, Dublín (2004); Fundación Botín, Santander (2004); MNCARS, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2003); MACBA, Museu d’Art Contemporani de Barcelona (1996) o en el IVAM, Institut Valencià d’Art Modern, Valencia (1996) entre otros. Su obra está presente en numerosas colecciones públicas y privadas internacionales, entre las que se incluyen: MoMA; The Museum of Fine Arts, Houston; Museum of Fine Arts, Boston; IMMA; MACBA; MNAM – Centre Pompidou, París; Musée d’Art Contemporain du Luxembourg; Museo Guggenheim, Bilbao; MNCARS; Museu Serralves, Oporto; SMAK, o Tate Modern; entre otros. En 2002, fue reconocida su trayectoria con el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura.
Octavio Zaya
(Las Palmas, 1954) es comisario independiente, residente en Canarias desde 2022 tras cuarenta y cuatro años en Estados Unidos. Recientemente ha participado en la organización de la XV Bienal de Sharjah (Emiratos Árabes Unidos, 2023) y comisariado proyectos como Ríos intermitentes de Maria Magdalena Campos-Pons para la XIII Bienal de La Habana (2019) y la retrospectiva Luis Camnitzer. Hospicio de utopías fallidas en el Museo Reina Sofía (2018-2019). Otras exposiciones notables en su trayectoria son la de Lara Almarcegui para el Pabellón de España en la 55ª Bienal de Venecia (2013), Shirin Neshat. Escrito sobre el cuerpo (Fundación Telefónica, Madrid, 2013) o Yinka Shonibare. El futuro del pasado (Sala Alcalá 31, Madrid, 2011), Versiones del Sur: Cinco propuestas en torno al arte en América. Más allá del documento (Museo Reina Sofía, 2000). Fue curador de la I Bienal de Johannesburgo (1995), cocurador de la documenta 11 de Kassel (2002) y de la exposición principal de la 2ª Bienal de Johannesburgo (1997), miembro del equipo curatorial de In/Sight: African Photographers, 1940 to the Present (Museo Guggenheim de Nueva York,1997), director de la revista Atlántica (2000-2018), comisario externo y asesor del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC, León, 2005-2012), y codirector del Centro de Arte Contemporáneo Huarte (2007-2009). En la actualidad trabaja en la creación de un Archivo Decolonial para Tenerife Espacio de las Artes (TEA) y es miembro del consejo editorial de Nka Journal of Contemporary African Art y de los consejos asesores del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), Museo Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (MUCAC) y Performa (Nueva York).
Más actividades
In situ. African Guernica, de Dumile Feni
De lunes a sábados, del 1 de abril al 22 de septiembre, 2026 – Consultar horarios
In situ es un nuevo formato de mediación en sala que, en lugar de proponer una visita al uso o un itinerario, invita a una conversación cercana y pausada con el personal de Educación para compartir detalles y activar reflexiones abiertas en torno a distintas obras, artistas o salas del Museo.
En esta ocasión, la atención se centra en African Guernica [Guernica africano], una obra creada en 1967 por el artista sudafricano Dumile Feni en el contexto de violencia estatal y opresión racial institucionalizada del apartheid. El monumental dibujo de Dumile Feni se expone por primera vez fuera de Sudáfrica y lo hace en diálogo con otro gran alegato contra la violencia y el antiautoritarismo, Guernica, la icónica obra de Pablo Picasso en la que se inspiró, pintada treinta años antes.
Manel Muntaner. Especial 84
28 MAR 2026
—Con la presentación y coloquio de Manel Muntaner
El ciclo de cine cierra con una distopía sobre la década de 1980, considerada una de las piezas de culto del vídeo español y, sin embargo, una de las más olvidadas hasta la fecha. En Especial 84, Manel Muntaner entremezcla pasajes clave de la novela 1984 de George Orwell con imágenes contemporáneas de vigilancia, dominación, violencia, resistencia y sometimiento. El vídeo recuerda el reverso tenebroso de los años ochenta, tiempo de giro neoconservador en políticas internacionales y de la pandemia del SIDA, a través de una cuidada selección de fragmentos de ficción y noticias reales que, narradas con una apocalíptica voz en off, parece convertir las advertencias de Orwell en una acuciante profecía.
Pensar con el Guernica africano de Dumile Feni
Miércoles 25 de marzo, 2026 - 19:00 h
La comisaria Tamar Garb reúne en un panel a especialistas en diferentes disciplinas, desde el arte y la antropología social hasta los estudios africanos y la historia de la violencia, con motivo de la primera edición del ciclo La historia no se repite, pero rima que gira en torno a African Guernica [Guernica africano, 1967] de Dumile Feni (Worcester, Sudáfrica, 1942 – Nueva York, 1991). El encuentro tiene como objetivo reflexionar de manera colectiva sobre los puntos de encuentro entre la obra de Pablo Picasso y la del artista sudafricano.
Guernica africano es el dibujo monumental creado por Dumile Feni en los años sesenta y se expone por primera vez fuera de Sudáfrica, en un diálogo con Guernica (1937) de Picasso. Este encuentro físico provocador invita a considerar ambas obras como manifiestos antibelicistas y antitotalitarios, aunque relativos a lugares y momentos diferentes.
En el panel, Siyabonga Njica presenta el contexto artístico y cultural de Johannesburgo en la década de 1960, momento en el que se enmarca la obra de Feni. Por su parte, Pumla Gobodo-Madikizela se encarga de abordar el trauma del apartheid desde el punto de vista de lo estético y lo onírico. Thozama April analiza el corpus del artista en relación con las prácticas de archivo y la conservación. Por último, Elvira Dyangani ofrece una visión del Guernica Africano desde la problemática de la modernidad panafricana y el colapso del binomio centro-periferia.
Estos encuentros, que forman parte de las líneas de trabajo principales de Programas Públicos, tienen como objetivo profundizar y acercar al público las Colecciones y exposiciones temporales del Museo.
![Dumile Feni, You Wouldn’t Know God if he Spat in your Eye [No conocerías a Dios ni aunque te escupiera en un ojo], 1975, detalle](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/dumie_feni_charla_grande.png.webp)
La historia no se repite, pero rima. Dumile Feni: Guernica africano
Martes 24 de marzo, 2026 - 18:30 h
Con motivo de la exposición La historia no se repite, pero rima. Dumile Feni: Guernica africano, su comisaria Tamar Garb, introducida por el director del Museo Reina Sofía Manuel Segade, expone las oportunidades de reflexión que ofrece la exhibición en el espacio del Museo de la pieza African Guernica [Guernica africano, 1967], el hermano africano de la emblemática obra de Pablo Picasso. El encuentro finaliza con el estreno en directo de una pieza musical que los artistas sudafricanos Philip Miller y Tshegofatso Moeng han compuesto para esta ocasión.
African Guernica, el dibujo monumental creado por el artista sudafricano Dumile Feni (Worcester, Sudáfrica, 1942 – Nueva York, 1991) en los años sesenta, se expone por primera vez fuera de Sudáfrica en diálogo con Guernica (1937) de Picasso. La obra de Dumile Feni está profundamente vinculada a la procedencia de su autor, ya que surge en el contexto de violencia estatal y opresión racial institucionalizada del apartheid. Contemplar ambas obras en espejo permite considerar sus referencias y recursos compartidos, similitudes y sinergias, y también las diferencias formales y figurales que son en gran medida consecuencia de su separación geográfica y temporal.
Por su parte, la composición musical de Philip Miller y Tshegofatso Moeng trata de establecer un diálogo paralelo entre los sonidos tradicionales sudafricanos y el repertorio clásico de cuerda, voz y viento. Para ello, se ha reunido un completo elenco de intérpretes procedentes de Sudáfrica y España.
Estas charlas inaugurales, que forman parte de una de las líneas de trabajo principales del Área de Programas Públicos, tienen como objetivo profundizar en los contenidos de las exposiciones organizadas por el Museo desde la perspectiva de artistas, comisariados y especialistas.
Kebyart
23 MAR 2026
El cuarteto Kebyart, una de las formaciones de música de cámara más innovadoras del panorama europeo, regresa al ciclo Series 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) con un programa de gran densidad expresiva y exploración tímbrica.
El grupo catalán se adentra en la escritura refinada y casi espectral de Georg Friedrich Haas, de quien interpretan su primer cuarteto de saxofones y estrenan su Cuarteto de saxofones n.º 2, una obra que promete llevar los recursos del instrumento a sus límites más poéticos. Les acompañan los brillantes Fragments striés de Hèctor Parra y la aplaudida Entr’acte de Caroline Shaw, en la que la compositora neoyorquina subvierte con ironía y belleza los moldes clásicos del cuarteto.