Lemóniz a través del archivo
Proyección y encuentro
Vista de la sala de la exposición Marisa González. Un modo de hacer generativo, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2025
Archivo fotográfico del MNCARS
Celebrada el 10 sep 2025
—A cargo de Marisa González y Violeta Janeiro Alfageme, comisaria de la exposición
Durante 2025 Marisa González ha trabajado en la digitalización de un valioso material videográfico inédito, conservado hasta hoy en videocasetes. Se trata de imágenes que la artista grabó en los años 2003 y 2004, cuando documentó el desmantelamiento de la central nuclear de Lemóniz. Esta labor no solo recupera un archivo visual, sino que también reconstruye una memoria personal y política. Al revisar y ordenar este material, González reinterpreta y resignifica el pasado, estableciendo un diálogo entre su testimonio individual y la memoria colectiva de la lucha antinuclear en el Estado español.
Esta obra muestra cómo el arte puede reabrir debates aún pendientes, especialmente en un presente marcado por la crisis energética, que reactiva viejas controversias. Más que un simple registro del pasado, esta reelaboración se convierte en una herramienta crítica para pensar el presente.
Tras la proyección, comisaria y artista proponen una conversación con el público sobre el sentido de rescatar estas imágenes, qué memorias se preservan y cuáles se desvanecen.
Organiza
Museo Reina Sofía
Participantes
Marisa González
(Bilbao, 1943) es artista, pionera en el uso de nuevas tecnologías aplicadas al arte. La reproducción de imágenes y el uso del fragmento y la repetición como generadores de forma son elementos constantes en su obra. Cuenta con amplia formación en música y artes visuales: piano en el Conservatorio de Bilbao, licenciatura en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid en 1971, máster en el Art Institute of Chicago (Estados Unidos) en 1973 y grado en Bellas Artes en la Corcoran School of the Arts de Washington D. C. (Estados Unidos) en 1976, donde recibe el Premio de Fin de Carrera. Su producción artística, basada en el ensamblaje de técnicas, ha sido ampliamente expuesta en numerosas instituciones artísticas, con más de 60 exposiciones individuales y 150 colectivas, y forma parte de importantes colecciones. En 2023 fue galardonada con el Premio Velázquez de las Artes Plásticas.
Violeta Janeiro Alfageme
(Vigo, 1982) es doctora en Historia del Arte por la Universidad de Santiago de Compostela. Su trabajo se centra en la memoria de los movimientos de mujeres en resistencia a la dictadura española y en prácticas artísticas colaborativas, comunitarias y procesuales con repercusión en la esfera pública. Ha cocomisariado exposiciones en el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) (Móstoles, Madrid), Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) (Ciudad de México), Museo de Arte Contemporáneo de Vigo (MARCO) (Vigo, Pontevedra) y comisariado proyectos en Städtische Galerie Kubus (Hannover, Alemania) y Matadero Madrid. Entre 2023 y 2024 dirige la XVII Bienal Internacional de Fotografía FotoNoviembre (Tenerife). Su exposición ¿Cómo continuar? (Lima, 2021) fue premiada por la Asociación de Curadores del Perú. En la actualidad prepara una muestra para Le 19, Centre Régional d’Art Contemporain (CRAC) (Montbéliard, Francia).
Actividad dentro de la programación...
Marisa González. Arte, memoria y compromiso
En el marco de la exposición antológica dedicada a Marisa González (Bilbao, 1943), este doble programa público busca ahondar en dos aspectos concretos de su trayectoria vital y artística. Por un lado, el proyecto Nuclear Lemóniz (2003-2004), con la proyección de una pieza audiovisual creada en torno a la obra; y por otro, el movimiento asociativo de algunos artistas a finales de los años sesenta y primeros años de la democracia en España, que es revisado, desde una perspectiva feminista, en una mesa redonda.
Ver programaLemóniz a través del archivo
Actividad pasada
—A cargo de Marisa González y Violeta Janeiro Alfageme, comisaria de la exposición
Durante 2025 Marisa González ha trabajado en la digitalización de un valioso material videográfico inédito, conservado hasta hoy en videocasetes. Se trata de imágenes que la artista grabó en los años 2003 y 2004, cuando documentó el desmantelamiento de la central nuclear de Lemóniz. Esta labor no solo recupera un archivo visual, sino que también reconstruye una memoria personal y política. Al revisar y ordenar este material, González reinterpreta y resignifica el pasado, estableciendo un diálogo entre su testimonio individual y la memoria colectiva de la lucha antinuclear en el Estado español.
Esta obra muestra cómo el arte puede reabrir debates aún pendientes, especialmente en un presente marcado por la crisis energética, que reactiva viejas controversias. Más que un simple registro del pasado, esta reelaboración se convierte en una herramienta crítica para pensar el presente.
Tras la proyección, comisaria y artista proponen una conversación con el público sobre el sentido de rescatar estas imágenes, qué memorias se preservan y cuáles se desvanecen.
Genealogías feministas del asociacionismo artístico en las postrimerías del franquismo y los primeros años de la democracia
Actividad pasada
—A cargo de Marisa González, Angiola Bonanni y Concha Jerez, en diálogo con la comisaria Violeta Janeiro Alfageme
Este encuentro toma como punto de partida el origen de la conciencia del sujeto artístico como agente político y su capacidad para reivindicar su propia autonomía dentro del campo de las artes visuales. Esta adquisición de conciencia, que emergió en un contexto de represión y exclusión institucional, fue clave para la creación de un movimiento asociativo que daría lugar a la Asociación Sindical de Artistas Plásticos en el Estado español, legalizada en 1977.
Desde una perspectiva feminista, la mesa redonda aborda este movimiento asociativo de artistas a través de la trayectoria política y artística de tres figuras fundamentales: Marisa González, Angiola Bonanni y Concha Jerez, en conversación con la comisaria e investigadora Violeta Janeiro Alfageme. Sus experiencias permiten trazar una genealogía crítica del asociacionismo artístico y de su función transformadora en un contexto que excluía la subjetividad de las mujeres, para quienes se había reservado únicamente los roles de madre y esposa.
Más actividades
![Joseph Kosuth. One and Three Chairs [Una y tres sillas]](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/joseph_kosuth.jpg.webp)
La persona (legal) y la forma legal. Parte III
Lunes 11, miércoles 13 y jueves 14 de mayo, 2026 - Ampliado el plazo de inscripción
Como parte de Constelación de Estudios, la residencia de pensamiento anual 2025-2026, el historiador y teórico del arte Sven Lütticken imparte el seminario La persona (legal) y la forma legal: compromisos teóricos, artísticos y activistas para dialogar y profundizar en las hipótesis y preguntas que animan su proyecto de investigación.
Este proyecto, titulado Deshacer la subjetividad jurídica, deformar la abstracción legal, estudia el dominio de las abstracciones reales —como el valor de cambio y la forma legal— sobre nuestros procesos de subjetivación y se pregunta cómo las prácticas artísticas pueden abrir otras formas de representar o performar al sujeto y su condición jurídica en el mundo contemporáneo.
El seminario consta de un total de ocho sesiones, distribuidas a lo largo del curso en tres partes. La primera sesión de esta tercera parte aborda la noción de propiedad, problematizándola contra el contexto del arte conceptual. La obra de arte, su propiedad, autoría y autenticidad son replanteadas y revisadas con una actitud abierta a la confección de modelos de gestión —hipotéticos y alternativos a los actuales— que revolucionen la relación artista-obra-propietario. ¿Pueden las prácticas artísticas conceptuales servir como modelos críticos? ¿Hasta qué punto es posible pensar, actuar con ellos y extrapolarlos más allá de un bello nicho?
La segunda sesión atiende a la cuestión de la representación. Mientras que la mayoría (aunque no todas) de las personas naturales humanas pueden, en principio, representarte a sí mismas en asuntos legales, otras necesitan representantes. Esto ocurre con menores y adultos bajo custodia legal, pero también con personas «ficticias» —como corporaciones y estados—que necesitan representantes humanos para firmar acuerdos o defenderse en un juicio. La sesión aborda la representación legal en conjunción con otras formas de representación (política y cultural), atendiendo a la distinción inestable e históricamente mutable que hace Gayatry Spivak entre la representación como retrato (Darstellung) y la representación como agencia política (Vertretung).
Por último, la tercera sesión sirve de recapitulación, digestión y cierre del que ha sido el primer seminario del programa de residencia anual Constelación de Estudios.
Colección. Arte contemporáneo: 1975 - Presente
Miércoles 13 de mayo, 2026 - 19:00 h
En esta conferencia, Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía, expone las claves de lectura de la nueva presentación de las Colecciones en la cuarta planta del Edificio Sabatini. Esta nueva organización de los fondos se enmarca en un ambicioso plan de reordenación de los usos arquitectónicos de los edificios del Museo, que continuará en 2027 con la inauguración de la tercera planta de este mismo edificio, para culminar en la segunda en 2028.
La nueva presentación de las Colecciones, inaugurada el 16 de febrero de 2026, ofrece un recorrido por la historia del arte contemporáneo de los últimos cincuenta años desde España. A diferencia de un relato unívoco, esta planta cuenta el mismo período —desde la Transición al presente— de tres maneras diferentes, reiniciándose en los años setenta una y otra vez.
El recorrido arranca con un prólogo que transita por los afectos, la cultura material y la institucionalidad en la Transición española como punto de partida a los tres itinerarios posteriores. El primero, Una historia de los afectos en el arte contemporáneo, navega desde los sistemas afectivos en la producción artística vinculada a la segunda ola feminista hasta el duelo como herramienta de interpretación de las nuevas realidades. El segundo itinerario, Los poderes de la ficción. Escultura, nuevos materialismos y estéticas relacionales, está concebido como una galería escultórica en la que las obras salen al encuentro del público incidiendo en la parte performativa de esta disciplina. Entre otras cosas, este itinerario muestra cómo, desde los años ochenta, la producción escultórica española ha tenido una gran proyección internacional en la que numerosas artistas mujeres han jugado un papel fundamental. El tercer itinerario, Un marco nuevo. La institución, el mercado y el arte que los excede a ambos, permite acercarse a los orígenes del Museo y su papel en el proceso de institucionalización del arte en nuestro país. En mayo de 1986 se abría el Centro de Arte Reina Sofía, utilizando las plantas primera y segunda del antiguo hospital: los cuarenta años transcurridos desde entonces permiten reevaluar precisamente los efectos del Museo sobre el arte español y de este sobre la institución.
Con esta charla se refuerza el objetivo de socialización de los relatos producidos desde el Museo, en una etapa en el que las Colecciones están sujetas a revisión permanente.
Patricia Falguières
Martes 12 de mayo, 2026 – 19:00 h
La historiadora del arte Patricia Falguières inaugura la Cátedra María Luisa Caturla con la conferencia La historia del arte en tiempos de oscuridad. Esta cátedra, consagrada a la reflexión sobre el arte de las épocas «enfermas de incertidumbre», está dedicada a desmontar, divagar o imaginar las múltiples temporalidades y materialidades de la historia del arte desde una mirada excéntrica, desplazada, fuera del centro o con un centro diferente.
El título de la conferencia hace referencia a Hombres en tiempos de oscuridad (1968), un conjunto de ensayos escritos por Hannah Arendt cuyo título parafrasea a su vez un poema de Bertolt Brecht. En esta obra, Arendt asevera que «los tiempos de oscuridad no solo no son nuevos, sino que no son una rareza de la historia».
También para Patricia Falguières la historia conoce multitud de épocas en las que el espacio público se oscurece, momentos en los que el mundo deviene tan incierto que la gente deja de demandar a la política cualquier cosa que no sea aliviar el peso de sus intereses vitales y de su libertad individual. Especialista en arte y filosofía de la Edad Moderna, pero siempre con una mirada abierta y curiosa hacia el arte contemporáneo, Falguières propone en este encuentro un recorrido «caótico y aventurero» desde el Renacimiento hasta Fukushima para indagar en preguntas como: ¿qué puede significar hoy, en un mundo que resplandece con destellos siniestros y amenazas más siniestras aún, practicar una historia del arte más allá del entretenimiento o el adorno social? y ¿de qué intereses vitales y de qué libertad puede ser testigo e instrumento esta historia del arte?
De Viva Voz 1. Cabello/Carceller
Lunes 11 de mayo, 2026 — De 18:30 a 20:00 h
La serie fotográfica de Cabello/Carceller Sin título (Utopía) (1998) se despliega en la pared de la Sala 8 de la cuarta planta del Museo como un imponente conjunto de imágenes de distinto tamaño y formato que impregna el espacio de una suerte de melancolía política. Hace reverberar el silencio que, aún hoy, domina los discursos públicos en torno al sida. El desolador escenario que proponen las imágenes de estas piscinas, vacías y fuera de temporada, activa un relato de lucha: la respuesta de activistas y artistas frente a la gestión política de dicha pandemia.
En este encuentro con el colectivo de artistas Cabello/Carceller, en diálogo con la subdirectora artística del Museo Amanda de la Garza, se busca mantener una conversación pausada y reflexiva sobre la obra y sus lecturas, así como conocer de cerca detalles sobre su génesis y repercusión.
A golpe de sample. Experimentación sonora contra el odio
7 MAY 2026
El equipo de adolescentes del Museo, equipo1517, invita a jóvenes de 15 a 17 años a participar en esta visita-taller con Rubén H. Bermúdez y Bria, artistas con quienes sumergirse en la posibilidad de romper con las categorías y los enjuiciamientos internos y transformarlos en una reivindicación musical contra el odio.
Tras una visita a las salas de las Colecciones del Museo con el artista Rubén H. Bermúdez, el taller propone una investigación en torno al sample y la automatización de la mano de Bria, artista sonora y productora musical. A través de las técnicas de sampleo sonoro, se exploran los relatos propios de vida y ficción hacia la construcción de futuros liberadores y espacios sonoros que condenen los discursos de odio.
Para inscribirse no es imprescindible tener experiencia previa o conocimiento de herramientas informáticas musicales. Aquellas personas que manejen programas de audio digital pueden traer sus ordenadores y/o instrumentos digitales. El taller es un espacio seguro para disidencias sexo-genéricas y se articula como herramienta artística antirracista.
Esta actividad se celebra en el marco del programa CAMBIAFORMAS. Eres la posibilidad propuesto por la artista Benia Nsi para la actual edición de equipo1517.