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16 septiembre, 2017
Severine Beata y Javi Álvarez + iNSANLAR
Edificio Sabatini, Jardín
19:00 – 20:00 h, Severine Beata y Javi Álvarez
Severine Beata es el nombre elegido por Marta Peláez para su nuevo proyecto musical. Su aproximación al sintetizador encuentra parecidos formales con la de algunas pioneras del minimalismo y la música repetitiva, pero a diferencia de las raíces indias del minimalismo europeo y norteamericano, su obra encuentra sus orígenes en la música antigua occidental. Javi Álvarez (Fluzo, Dúo Cobra, Néboa, Dj de la muerte, La Follable, etc.), productor del nuevo disco que se presenta en esta cita, interpreta junto a Severine algunos de estos nuevos temas.
20:00 – 21:00 h, iNSANLAR
iNSANLAR (literalmente “humanidad” en turco, pero con un significado más profundo y esotérico detrás) se reunió por primera vez en 2010 –con Baris K y Cem Yıldız al timón– como una banda de jam para el Anatolian Revival Project que se celebró en el Minimüzikhol de Estambul, el club local de la red. Los integrantes del grupo han trabajado con destacados artistas, como la superestrella turca de hip-hop Kabus Kerim, el bailarín Bahar de Baba Zula y el percusionista Sinan Tansal, entre otros. El disco Kime Ne, publicado en 2015 por el sello británico Honest Jon, los catapultó al éxito internacional, cautivando a las audiencias con su mezcla idiosincrática de instrumentación tradicional anatoliana-mesopotámica, música electrónica y letras de corte espiritual y filosófico.
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23 septiembre, 2017
Yoshi y Tashi Wada + Damián Schwartz
Edificio Sabatini, Jardín
19:00 – 20:30 h, Yoshi y Tashi Wada
El músico y artista japonés Yoshi Wada, afincado en San Francisco, se unió a Fluxus en 1968, tras conocer a George Maciunas. Estudió composición con La Monte Young, con el vocalista indio Pandit Pran Nath y con los gaiteros escoceses James McIntosh y Nancy Crutcher. Su trabajo, que suele incluir largas trompas conectadas a compresores de aire, gaitas y otros medios electrónicos, incorpora el uso del drone a gran volumen. Por su parte, Tashi Wada, hijo de Yoshi Wada que creció en Nueva York y vive en Los Ángeles, desarrolla su práctica en la música experimental, el arte y la interpretación interdisciplinar. Sus composiciones usan estructuras en apariencia sencillas y sistemas de afinación calibrados para generar efectos perceptivos ricos e imprevistos.
En esta ocasión realizan una pieza específica con la colaboración del percusionista Ingar Zach y la Banda de Gaitas Lume de Biqueira.
20:30 – 22:00 h, Damián Schwartz
Productor, DJ y artista madrileño, se formó en el jazz, estudiando bajo desde el punto de vista de la composición, un enfoque que ha determinado su trabajo posterior. Los inicios de su carrera estuvieron marcados por una intensa influencia del tecno de los noventa, un sonido que fue creciendo y evolucionando hacia ritmos más cercanos al house. Schwartz ha actuado en clubs como Panorama Bar, Berghain, Robert Johnson, Fabric y Output, y sus discos han sido alabados tanto por la crítica como por otros artistas.
En esta sesión, explora la música de club en su vertiente más arriesgada pasando por nombres como Jamal Moss y sus ramas más experimentales relacionándolo con compositores como Terry Riley o Robert Ashley.
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30 septiembre, 2017
Éliane Radigue por Emmanuel Holterbach + Agnès Pe
Edificio Sabatini, Sala 102
18:00 - 21:00 h, Éliane Radigue, Trilogía de la muerte, interpretada por Emmanuel HolterbachDesde principios de los años setenta, la música electrónica de la compositora francesa Éliane Radigue, nacida en 1932, se ha creado casi exclusivamente con un solo sintetizador: el sistema modular ARP 2500. En 1970, Radigue fundó un estudio en la Universidad de Nueva York, que compartió con Laurie Spiegel. Tras un periodo de investigación, se convirtió al budismo tibetano y pasó tres años dedicada a esta práctica con el gurú Rinpoche Pao, para, posteriormente, reorientarse de nuevo hacia sus trabajos musicales.
Emmanuel Holterbach interpreta la versión completa de su Trilogía de la muerte, en una sala abovedada acondicionada para esta experiencia de inmersión: el público puede escuchar las piezas tumbado y descansar en los breves intermedios.
Edificio Sabatini, Jardín
21:00 - 23:00 h, Agnès Pe
Agnès Pe nació en Lleida en 1985. Trabaja el sonido más allá de los límites que establecen los géneros, con una actitud divertida y arrolladora, y según los parámetros del lo-fi, buscando nuevas formas de relación entre los elementos que recompone. Musicóloga e investigadora autodidacta y pluridisciplinar, le interesa lo no-común, sea cual sea su etiqueta. Esta constante investigación musical la ha llevado a celebrar numerosas sesiones en Valencia, Barcelona, Bilbao, Madrid y Ciudad de México. Actualmente, conduce el espacio radiofónico Mitt Paté en Radio_On_Berlin.
Agnès Pe hará una interpretación propia del concepto motor de Archipiélago, abarcando una temática musical desde diversos estilos y lugares, a partir de sus influencias e intereses.
Celebrada el 16, 23, 30 sep 2017
Archipiélago es un nuevo ciclo de conciertos que asume que la escucha es una forma de conocimiento y, a la vez, de disfrute estético. En este sentido, invita a "escuchar" composiciones y experimentaciones sonoras sin aplicar un orden histórico o geográfico, dejando, por el contrario, que se desborden los compartimentos estancos y afloren conexiones entre lenguajes y contextos heterogéneos.
En esta primera edición, Archipiélago se sumerge en la música drone (zumbido) y el minimalismo, para explorar sus influencias e inesperadas ramificaciones. El programa incluye desde veteranos de la composición como la francesa Éliane Radigue o el japonés afincado en Nueva York Yoshi Wada –vinculados al minimalismo y a Fluxus respectivamente– hasta artistas de generaciones más jóvenes que, si bien comparten algunos nexos como la música oriental, por ejemplo, denotan aproximaciones formales muy diversas.
La mayoría de las piezas presentadas son trabajos inéditos, realizados específicamente para este ciclo.
Con el apoyo técnico de
Laboratorio de Informática y Electrónica Musical-LIEM, Centro de Tecnología del Espectáculo-CTE, INAEM
Actividad incluida en
Comisariado
José Luis Espejo
Organiza
Museo Reina Sofía
Patrocina
Más actividades
![Joseph Kosuth. One and Three Chairs [Una y tres sillas]](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/joseph_kosuth.jpg.webp)
La persona (legal) y la forma legal. Parte III
Lunes 11, miércoles 13 y jueves 14 de mayo, 2026 - Ampliado el plazo de inscripción
Como parte de Constelación de Estudios, la residencia de pensamiento anual 2025-2026, el historiador y teórico del arte Sven Lütticken imparte el seminario La persona (legal) y la forma legal: compromisos teóricos, artísticos y activistas para dialogar y profundizar en las hipótesis y preguntas que animan su proyecto de investigación.
Este proyecto, titulado Deshacer la subjetividad jurídica, deformar la abstracción legal, estudia el dominio de las abstracciones reales —como el valor de cambio y la forma legal— sobre nuestros procesos de subjetivación y se pregunta cómo las prácticas artísticas pueden abrir otras formas de representar o performar al sujeto y su condición jurídica en el mundo contemporáneo.
El seminario consta de un total de ocho sesiones, distribuidas a lo largo del curso en tres partes. La primera sesión de esta tercera parte aborda la noción de propiedad, problematizándola contra el contexto del arte conceptual. La obra de arte, su propiedad, autoría y autenticidad son replanteadas y revisadas con una actitud abierta a la confección de modelos de gestión —hipotéticos y alternativos a los actuales— que revolucionen la relación artista-obra-propietario. ¿Pueden las prácticas artísticas conceptuales servir como modelos críticos? ¿Hasta qué punto es posible pensar, actuar con ellos y extrapolarlos más allá de un bello nicho?
La segunda sesión atiende a la cuestión de la representación. Mientras que la mayoría (aunque no todas) de las personas naturales humanas pueden, en principio, representarte a sí mismas en asuntos legales, otras necesitan representantes. Esto ocurre con menores y adultos bajo custodia legal, pero también con personas «ficticias» —como corporaciones y estados—que necesitan representantes humanos para firmar acuerdos o defenderse en un juicio. La sesión aborda la representación legal en conjunción con otras formas de representación (política y cultural), atendiendo a la distinción inestable e históricamente mutable que hace Gayatry Spivak entre la representación como retrato (Darstellung) y la representación como agencia política (Vertretung).
Por último, la tercera sesión sirve de recapitulación, digestión y cierre del que ha sido el primer seminario del programa de residencia anual Constelación de Estudios.
A golpe de sample. Experimentación sonora contra el odio
7 MAY 2026
El equipo de adolescentes del Museo, equipo1517, invita a jóvenes de 15 a 17 años a participar en esta visita-taller con Rubén H. Bermúdez y Bria, artistas con quienes sumergirse en la posibilidad de romper con las categorías y los enjuiciamientos internos y transformarlos en una reivindicación musical contra el odio.
Tras una visita a las salas de las Colecciones del Museo con el artista Rubén H. Bermúdez, el taller propone una investigación en torno al sample y la automatización de la mano de Bria, artista sonora y productora musical. A través de las técnicas de sampleo sonoro, se exploran los relatos propios de vida y ficción hacia la construcción de futuros liberadores y espacios sonoros que condenen los discursos de odio.
Para inscribirse no es imprescindible tener experiencia previa o conocimiento de herramientas informáticas musicales. Aquellas personas que manejen programas de audio digital pueden traer sus ordenadores y/o instrumentos digitales. El taller es un espacio seguro para disidencias sexo-genéricas y se articula como herramienta artística antirracista.
Esta actividad se celebra en el marco del programa CAMBIAFORMAS. Eres la posibilidad propuesto por la artista Benia Nsi para la actual edición de equipo1517.
School of SUP: sesión de cine trash
Jueves 30 de abril, 2026 – 19:00 h
El disparatado plan de estudios de School of SUP, que desarrolla el equipo1821, hace pública con esta proyección su particular muestra de trabajos de clase. Durante la sesión, se comparten tres cortometrajes grabados con cámaras analógicas, escritos, montados y protagonizados de forma colectiva por el propio alumnado al más puro estilo DIY. A continuación, se presenta American SUP (2026), largometraje trash e irreverente a cargo de Soy una pringada y Dani Tezla.
American SUP (2026) es un roadtrip por el Medio Oeste de Estados Unidos, grabado con una cámara de 1997, en el que la youtuber, dj, agitadora cultural y personalidad de culto de Internet Soy una pringada y Dani Tezla dirigen y protagonizan una aventura en la que no faltan apariciones estelares y escenarios imposibles: la casa de American Football, una tienda de cadáveres, la tormenta del Rainforest Cafe, un concierto de Cannibal Corpse, un sótano en Minnesota, hoteles infectos, sillas del cornudo (cuck chairs) y un hall of fame lleno de payasos. La película es una versión lo-fi del gótico americano con tintes folk, un género practicado por cineastas como George Kuchar, Harmony Korine y Sean Price Williams.
Esta sesión, asimismo, se articula con las líneas fundamentales del programa educativo equipo1821 School of SUP. Cine, arte y nihilismo en los noventa, en el que a través del cine —fundamentalmente de la década de 1990— se profundiza en diferentes prácticas artísticas underground, las culturas urbanas, los cruces del arte con la cultura popular y una suerte de ansiedad adolescente generacional como ruido de fondo.
RECREO #3. No tocar. Materiales, escultura y cuerpos en el aula
29 ABR 2026
La nueva presentación de las Colecciones del Museo, recientemente inaugurada bajo el nombre de Colección. Arte Contemporáneo: 1975 – Presente, dedica una parte importante de sus salas a mostrar una serie de objetos que hacen desbordar la propia idea de escultura e invitan a desviar la habitual atención monodireccional en favor de experiencias más inmersivas y participativas. Así, el Itinerario II. Los poderes de la ficción. Escultura, nuevos materialismos y estéticas relacionales propone una sucesión de obras y prácticas artísticas con las que confrontar la manera en que reaccionan los cuerpos al encontrarse de frente con volúmenes, materiales, arquitecturas y acciones que, aunque no siempre sean entendidas, activan corporalmente.
Esta nueva sesión de RECREO, dirigida a profesorado de Primaria y Secundaria de cualquier asignatura, sitúa el foco en la relación entre cuerpo y materia en las prácticas artísticas contemporáneas. Muchas de las obras de la Colección exploran los materiales —orgánicos, industriales, arquitectónicos o cotidianos— como una extensión del cuerpo o como detonadores para sentir y repensar conceptos como la materialidad, la presencia, la fragilidad, lastransformaciones o la memoria. Desde esta perspectiva, se propone un acercamiento a estas propuestas artísticas con el fin de plantear herramientas pedagógicas que trabajen con el alumnado la percepción y reflexionen en torno a los objetos, los materiales y su relación con la dimensión corporal de la creación artística.
Este taller forma parte del ciclo de formación online para profesorado RECREO, organizado por el Área de Educación del Museo Reina Sofía en diálogo con el colectivo Cápsula Cultura. RECREO combina la reflexión con propuestas prácticas adaptables a distintos niveles y contextos de enseñanza, además de fomentar el intercambio de experiencias entre docentes.
![Aurèlia Muñoz, Ocell estel S2 [Pájaro-cometa S2], 1982. Archivo Aurèlia Muñoz](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/aurelia-munoz-charlainaugura.jpg.webp)
Aurèlia Muñoz. Entes
28 ABR 2026
Con motivo de la inauguración de Aurèlia Muñoz. Entes, exposición comisariada por la Fundación EINA a través de su plataforma einaidea, su director científico Manuel Cirauqui y las colaboradoras Rosa Lleó y Sílvia Ventosa dialogan en torno al planteamiento curatorial de esta muestra antológica dedicada a Aurèlia Muñoz (Barcelona, 1926–2011). La exposición, organizada por el Museo Reina Sofía y el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), traza un amplio recorrido por su trayectoria artística y revisa los ejes conceptuales que atraviesan su obra, imprescindible para comprender el desarrollo del arte textil contemporáneo.
El encuentro pretende explorar las nuevas perspectivas aportadas por esta exposición y ofrecer una lectura ampliada del legado de Muñoz, recorriendo más de cincuenta años de práctica artística: desde las estructuras textiles monumentales hasta las esculturas de papel hecho a mano, desde sus inicios vinculados a la nouvelle tapisserie y a la Escuela Catalana del Tapiz hasta la consolidación de un lenguaje propio que desborda los límites del tejido y la artesanía.
Asimismo, la charla aborda el carácter experimental de su trabajo, definido por una investigación constante de técnicas y materiales que entrelaza saberes ancestrales y tradiciones artesanales con recursos contemporáneos, al mismo tiempo que sus principales referentes, influencias y su particular concepción espacial. De esta manera, se presta especial atención al concepto de los «entes», fundamental para comprender sus esculturas semiabstractas y estructuras suspendidas, concebidas como formas en constante devenir que habitan el espacio. Finalmente, el dibujo, las maquetas y su archivo personal se presentan como claves esenciales para entender la coherencia y profundidad de su universo creativo.
Estas charlas inaugurales, que forman parte de una de las líneas de trabajo principales del Área de Programas Públicos, tienen como objetivo profundizar en los contenidos de las exposiciones organizadas por el Museo desde la perspectiva de artistas, comisariados y especialistas.