Adolpho Arrietta

Un giro de tuerca al mito de Pigmalión inspirado por las esculturas vivas del artista argentino Alberto Greco (1931-1965), conocido de Arrietta en el Madrid de la década de 1960. La exmujer de un famoso escultor convence a su amante para que robe la estatua que su exmarido ha esculpido para su próxima exposición en la histórica galería Yvon Lambert. Este se ve obligado a colocar a una modelo como escultura real, la cual acaba siendo adquirida por un coleccionista brasileño. Interpretada por actores profesionales, Michèle Moretti o Howard Vernon, y no-actores, como la comunidad transgénero de Les Gazolines, con los iconos contraculturales Marie France o Hélène Hazéra, el filme es un musical sobre el cruising, la fiesta y el disfraz en el París postradical de Mayo del 68, también un drama entre el matrimonio clásico y las nuevas formas de amar.

«Esta película me la enseñó Jonas Mekas cuando estuve viviendo en su casa en Wooster Street en 1975. Le conocí tras el premio a Las intrigas de Sylvia Couski en el festival de Toulon de 1974, cuyo jurado él presidió y me invitó a Nueva York. Me mostró The Brig porque no tiene nada que ver con lo que yo conocía de sus trabajos, sus diarios.  Esta película tiene más relación con el cine clásico, me sorprendió por lo cruda y terrible que es. Es el Living Theater quien actúa, pero yo no sabía nada, para mí era tan real que me parecía una ficción antes que un documental. Fue una emoción tremenda, un golpe fortísimo. Después de estar con Jonas y sus amigos, como Flo y Ken Jacobs, o Andy Warhol, todo me estimuló bastante, comprendí que mi idea del cine no era una locura ni una extravagancia, lo pasé bastante bien y me sentí muy estimulado por todos ellos». Adolpho Arrietta

Con aires buñuelianos, el autor de un libro titulado Tam-Tam, interpretado por el pintor Javier Grandes, trasunto del propio Arrietta, se encuentra en Nueva York cuando debería estar en una fiesta privada en París a la que nunca llega aunque todo el mundo le está esperando. Tam-Tam proporciona un retablo protagonizado por personajes misteriosos y atractivos, habitantes de la contracultura del momento, como los escritores Severo Sarduy, Enrique Vila-Matas y Michi Panero o la diseñadora trans Maud Molyneux y la modelo activista Paquita Paquin, como si nos hubiésemos perdido en una eterna fiesta parisina. Arrietta utilizó una cámara prestada por Jonas Mekas para rodar el comienzo en Nueva York. Los diálogos improvisados, el tono glam, la actitud dandy y el barroquismo visual nos hablan de la mezcla entre vida y cine. Se escucha un tam-tam de fondo: «¿es el apocalipsis?» —dice uno de los personajes —, «el apocalipsis somos nosotros», contesta otro.

El ciclo Reencuadrando las imágenes bananeras cierra con dos obras que condensan la culminación y el ocaso de este período histórico, epopeyas que cruzan fronteras y registros para encarnar las vivencias de la lucha armada en la región. Las cámaras conviven con los fusiles, las fronteras entre naciones se difuminan y la paciencia alcanza su límite. Es aquí donde llega el punto de inflexión, cuando la sangre derramada se vuelve demasiado pesada y los murmullos de aquella cofradía regional son sepultados de nuevo. 

Pan y dignidad (Carta abierta de Nicaragua) recuenta los antecedentes históricos y el proceso de reconstrucción nacional en Nicaragua a partir de la insurrección popular sandinista. Historias prohibidas de Pulgarcito sumerge la cámara en el centro de la lucha revolucionaria salvadoreña, intercalando testimonios de violencia cotidiana con los versos del poeta Roque Dalton. 

Ambas obras entienden la revolución armada como un expediente abierto y en vías de construcción. La cofradía insurgente, aunque disuelta, aún resuena en la historia regional.

Cuando las formas de la violencia se someten a la sociedad, el cine responde desde la urgencia. Las imágenes se abstraen, los sonidos se difuminan y el registro disidente viene desde las vísceras. La zona intertidal es un acercamiento ensayístico y poético a la represión sufrida por docentes en El Salvador durante los años setenta; un maestro estudia la biodiversidad de la costa salvadoreña mientras un niño encuentra un cuerpo en la misma playa. A propósito de la mujer entrelaza testimonios de miseria e ira hacia las estructuras patriarcales, con escenas de ficción de una procesión simbólica a través de un desierto hostil. 

Ambas películas entienden el cuerpo como blanco de violencia y como territorio de insurrección; un espacio donde la sangre derramada por la militancia y la cruz del yugo patriarcal transforman el dolor en denuncia y la existencia fuera del statu quo en un acto de disidencia política.

Las tierras fértiles, las manos campesinas, los rostros de la ruralidad. Este primer programa del ciclo Reencuadrando las imágenes bananeras entiende los cimientos de la experiencia centroamericana desde la explotación, el extractivismo y el desplazamiento, así como desde la organización y resistencia que surge como reacción. Las cuatro películas que lo componen van de la lírica documental de la solidaridad campesina a la subversión lúdica del formato institucional de la United Fruit Company. 

Bananeras es un combativo retrato de las condiciones inhumanas en las plantaciones estadounidenses situadas en Nicaragua durante gran parte del siglo XX. Costa Rica Banana Republic presenta una incisiva sátira del documental institucional bananero que vislumbra la naturaleza extractiva de este modelo agroexportador en la década de 1970. Organización Campesina encuadra la resistencia rural hondureña desde el registro directo y la lírica documental. Dos veces mujer disecciona la invisibilización de la doble jornada a la que es sometida la campesina centroamericana: trabajo en el campo y en el hogar. En conjunto, estas obras presentan la tierra como un cuerpo herido y, a la vez, un espacio de dignidad.

La crisis del sida supuso uno de los momentos más difíciles de la historia del colectivo LGTBIAQ+. Sin embargo, la desinformación, el dolor y la rabia desembocaron también en un torrente desbordante de creatividad en el que la fuerza del arte se utilizó para denunciar e informar ante el silencio y el odio. Diferentes colectivos y artistas, algunos de los cuales articulan uno de los ejes fundamentales de la nueva Colección. Arte Contemporáneo: 1975 – Presente, reivindicaron el uso de la voz propia a través del arte y el diseño en sus formas más urgentes, como la cartelería, los fanzines, los flyers, las camisetas, las chapas o las pegatinas. 

Este taller, impartido y diseñado por la editora, fanzinera y profesora Andrea Galaxina, invita a sus participantes (alumnado, familias, profesorado, educadores) a crear un «kit activista» (fanzine, flyer y chapa) a partir de elementos tomados del activismo contra la estigmatización del sida. Para ello, se parte de una visita a la exposición Dulce venganza de Felix Gonzalez-Torres, artista que produjo una obra de enorme potencia estética y política en los años más duros de la crisis del sida, además de un breve recorrido por algunas de las salas de la colección dedicadas al VIH/sida. Con la producción gráfica generada en el taller se busca activar una conversación valiente en los centros escolares en torno al estigma aun presente, difundir contenidos contra la serofobia y cualquier tipo de discriminación y apelar a la memoria de las luchas activistas, para que la historia ni se olvide ni se repita.