La Colección proyectada

La Colección proyectada es un nuevo programa en el que una selección de los fondos de cine, vídeo e imagen en movimiento del Museo se exhiben en nuestra sala de Cine. Con ello, se da a conocer al público obras audiovisuales rara vez expuestas o difícilmente visibles en su conjunto, a la vez que se destaca o amplia un episodio, historia o artista que forme parte de las Colecciones del Museo.

En este programa inaugural, rendimos tributo a la singularidad de Adolpho Arrietta, uno de los autores clave del cine underground internacional, con la proyección de las dos películas del director adquiridas por el Museo en 2012, Las intrigas de Sylvia Couski (1974) y Tam-tam (1976), más una carta blanca seleccionada por el propio Arrietta de la Colección de cine del Reina Sofía, The Brig [El calabozo] (1964), por Jonas Mekas. Todas las sesiones cuentan con la presentación del autor.

En el marco de La Colección proyectada, el programa Desafío vital: acciones retadoras desde y sobre el cuerpo está comisariado por Laura Baigorri, una de las mayores especialistas en videoarte. Con el fin de abordar aspectos concretos vinculados a la identidad y a la autorrepresentación, el programa toma el cuerpo como punto de partida y horizonte a partir de la colección audiovisual del Museo desde la década de 1990. Las proyecciones dialogan con las experiencias pioneras de los años setenta y ochenta centradas en la experimentación audiovisual y atravesadas por la reivindicación del cuerpo y de las identidades.  

El ciclo se articula en tres sesiones, con dos pases cada una: Aquí seguimos… y no nos moveremos se acerca a la performance basada en la autoexposición corporal; Otras voces en todos nosotros invita a confrontar la razón desde la sensibilidad y la emoción; y Economía del odio estrena la película Oído Odio, de Diego del Pozo Barriuso.

En el marco de La Colección proyectada, el programa Tiempo presente: imágenes insurgentes está comisariado por Luis López Carrasco, cineasta clave con una destacada trayectoria internacional. La selección, procedente de la Colección de Cine y Vídeo del Museo, entrecruza proyectos de raíz conceptual, depurados y sistemáticos —como una radiografía de su tiempo histórico—, junto con películas domésticas y militantes de voluntad agitadora —que recogen distintas emergencias políticas de la segunda mitad del siglo XX en Europa y Latinoamérica. Estas obras se contemplan a la luz de una genealogía de la revuelta que hunde sus raíces en el siglo XIX. 

Para el teórico Siegfried Kracauer, una particularidad fundamental de la imagen cinematográfica es su capacidad para retratar la vida cotidiana. El cine captura fragmentos de vida de personas anónimas con una cercanía y una intimidad nunca vistas. También el crítico francés Serge Daney consideraba la imagen en movimiento como un «arte del presente», un modo de representación que captura un segmento concreto de tiempo, tiempo que se despliega ante nuestros ojos en cada proyección. 

Tiempo presente. Imágenes insurgentes propone una microhistoria de la vida cotidiana de la dictadura franquista, desde el retrato popular y cartesiano de la Puerta del Sol que propone Javier Aguirre en Objetivo 40º (1968-1970) a las reveladoras panorámicas de la periferia urbana que acoge Dorothée Selz en su Desplaçaments dels aparells d’imatges i so (1974), pasando por la expresividad callejera, infantil y proletaria, tan pocas veces mostradas con la crudeza con la que Joan Colom recoge Barcelona en 1960 en El carrer. Esta microhistoria enlaza ya en los años setenta con la etnografía rural y la postura antiimperialista del peruano Grupo de Cine Liberación sin Rodeos, cuyo mensaje emancipador encuentra un eco en la cronología de los movimientos anticapitalistas y anticoloniales de Danièle Huillet y Jean-Marie Straub, sesión que cierra este ensayo de Luis López Carrasco a partir de la colección audiovisual del Museo. 

El ciclo muestra imágenes privadas que atesoran la voluntad de ser públicas. Imágenes que proyectan futuros en los que esas energías insurgentes puedan encontrar audiencias en las que propagarse. Imágenes que pretenden, en conclusión, recordar aquello que no debe ser olvidado y que hablan de un modo cada vez más apremiante a nuestro presente. 

El ciclo Reencuadrando las imágenes bananeras cierra con dos obras que condensan la culminación y el ocaso de este período histórico, epopeyas que cruzan fronteras y registros para encarnar las vivencias de la lucha armada en la región. Las cámaras conviven con los fusiles, las fronteras entre naciones se difuminan y la paciencia alcanza su límite. Es aquí donde llega el punto de inflexión, cuando la sangre derramada se vuelve demasiado pesada y los murmullos de aquella cofradía regional son sepultados de nuevo. 

Pan y dignidad (Carta abierta de Nicaragua) recuenta los antecedentes históricos y el proceso de reconstrucción nacional en Nicaragua a partir de la insurrección popular sandinista. Historias prohibidas de Pulgarcito sumerge la cámara en el centro de la lucha revolucionaria salvadoreña, intercalando testimonios de violencia cotidiana con los versos del poeta Roque Dalton. 

Ambas obras entienden la revolución armada como un expediente abierto y en vías de construcción. La cofradía insurgente, aunque disuelta, aún resuena en la historia regional.

Cuando las formas de la violencia se someten a la sociedad, el cine responde desde la urgencia. Las imágenes se abstraen, los sonidos se difuminan y el registro disidente viene desde las vísceras. La zona intertidal es un acercamiento ensayístico y poético a la represión sufrida por docentes en El Salvador durante los años setenta; un maestro estudia la biodiversidad de la costa salvadoreña mientras un niño encuentra un cuerpo en la misma playa. A propósito de la mujer entrelaza testimonios de miseria e ira hacia las estructuras patriarcales, con escenas de ficción de una procesión simbólica a través de un desierto hostil. 

Ambas películas entienden el cuerpo como blanco de violencia y como territorio de insurrección; un espacio donde la sangre derramada por la militancia y la cruz del yugo patriarcal transforman el dolor en denuncia y la existencia fuera del statu quo en un acto de disidencia política.

Las tierras fértiles, las manos campesinas, los rostros de la ruralidad. Este primer programa del ciclo Reencuadrando las imágenes bananeras entiende los cimientos de la experiencia centroamericana desde la explotación, el extractivismo y el desplazamiento, así como desde la organización y resistencia que surge como reacción. Las cuatro películas que lo componen van de la lírica documental de la solidaridad campesina a la subversión lúdica del formato institucional de la United Fruit Company. 

Bananeras es un combativo retrato de las condiciones inhumanas en las plantaciones estadounidenses situadas en Nicaragua durante gran parte del siglo XX. Costa Rica Banana Republic presenta una incisiva sátira del documental institucional bananero que vislumbra la naturaleza extractiva de este modelo agroexportador en la década de 1970. Organización Campesina encuadra la resistencia rural hondureña desde el registro directo y la lírica documental. Dos veces mujer disecciona la invisibilización de la doble jornada a la que es sometida la campesina centroamericana: trabajo en el campo y en el hogar. En conjunto, estas obras presentan la tierra como un cuerpo herido y, a la vez, un espacio de dignidad.

La crisis del sida supuso uno de los momentos más difíciles de la historia del colectivo LGTBIAQ+. Sin embargo, la desinformación, el dolor y la rabia desembocaron también en un torrente desbordante de creatividad en el que la fuerza del arte se utilizó para denunciar e informar ante el silencio y el odio. Diferentes colectivos y artistas, algunos de los cuales articulan uno de los ejes fundamentales de la nueva Colección. Arte Contemporáneo: 1975 – Presente, reivindicaron el uso de la voz propia a través del arte y el diseño en sus formas más urgentes, como la cartelería, los fanzines, los flyers, las camisetas, las chapas o las pegatinas. 

Este taller, impartido y diseñado por la editora, fanzinera y profesora Andrea Galaxina, invita a sus participantes (alumnado, familias, profesorado, educadores) a crear un «kit activista» (fanzine, flyer y chapa) a partir de elementos tomados del activismo contra la estigmatización del sida. Para ello, se parte de una visita a la exposición Dulce venganza de Felix Gonzalez-Torres, artista que produjo una obra de enorme potencia estética y política en los años más duros de la crisis del sida, además de un breve recorrido por algunas de las salas de la colección dedicadas al VIH/sida. Con la producción gráfica generada en el taller se busca activar una conversación valiente en los centros escolares en torno al estigma aun presente, difundir contenidos contra la serofobia y cualquier tipo de discriminación y apelar a la memoria de las luchas activistas, para que la historia ni se olvide ni se repita.