Cooltura Futura

Thaqafa Mostakbalia Halal es el nombre para esta edición de la Halal Arab Queer Party. Esta fiesta es una celebración radical de la vida, la identidad y el deseo. Creada por FDIHA Asociación, esta propuesta reivindica que ser queer es halal, resignificando los imaginarios árabes y mediterráneos desde la libertad, la memoria y el orgullo. Halal nace como un espacio seguro y vibrante para las comunidades queer del sur y este del Mediterráneo, donde la música, la danza, la poesía y la performance se entrelazan como lenguajes de resistencia, placer y afirmación.

Con una estética desbordante y provocadora, Halal rompe con el orientalismo, el racismo y el patriarcado, abriendo un territorio de disfrute colectivo donde nuestros cuerpos puedan existir, crear y celebrar sin culpa ni miedo. Una invitación a imaginar futuros donde nuestras identidades no solo sean aceptadas, sino profundamente celebradas.

Inspirada en el histórico discurso de Sojourner Truth (1797–1883) «Ain’t I a Woman?», la pieza revisita el concepto de «mujer» a lo largo de la historia, cuestionando los estándares, roles y modelos impuestos por la cultura y el arte. La performance se articula a través de una estética digital cercana al pixel art y al imaginario de los videojuegos y la presencia del cuerpo como territorio de resistencia. La pieza evoca la construcción de la identidad femenina como un proceso de capas, niveles y transformaciones: cuerpos que se visten y desvisten de historia, máscaras y símbolos, como si cada época fuera una pantalla más que atravesar. 

—Performance de Quan Zhou y Verónica Ruth Frías

En formato de una conversación ilustrada, Nathalia Grilo destaca dimensiones de encantamiento, lucha política, naturaleza y culturas populares. Recupera, a través de imágenes y sonidos, los motivos que hacen del arte suramericano una herramienta potente para desestabilizar la «esclavitud imaginativa». Propone generar un espacio de pensamiento colectivo que reconozca, desde el Sur, otras formas de imaginar, crear y habitar el mundo. Presenta, de igual manera, una performance de quince minutos, gestada a partir de su investigación en poesía hablada y música experimental en Brasil.

—Conversación y performance con Nathalia Grilo.

Más que una danza, el dabke es un acto colectivo de memoria y afirmación cultural que ha acompañado al pueblo palestino en su lucha por la vida y la dignidad. En este espacio, el cuerpo se convierte en herramienta de conexión y solidaridad: baile para recordar, para resistir y para celebrar la fuerza de un pueblo que ha hecho del arte una forma de existir frente a la opresión. 

La artista propone pensar en cómo las imágenes conservan historias, duelos y renacimientos a través del collage y la intervención sobre retratos familiares. Inspirada en el inicio de la primavera y en la celebración del Día de la Madre en Siria, esta propuesta nos conecta con los ciclos de la vida, la migración y la resistencia cotidiana. En este taller, bordar se convierte en un gesto de cuidado y de raíz, entrelazando la memoria, el arte y el afecto para coser nuevas formas de pertenencia, memoria y esperanza.

Se invita a cada participante a traer una fotografía propia para bordarla.

Inspirada en el libro de Moha Gerehou ¿Qué hace un negro como tú en un sitio como este? (Ed. Península, 2021), esta conversación reflexiona sobre la importancia de ocupar espacios y reivindicar la presencia racializada y migrante en todos los ámbitos de la sociedad. A partir de los desafíos, experiencias y estrategias de las trayectorias personales y colectivas de los ponentes, este encuentro invita a cuestionar las fronteras visibles y experiencias de la pertenencia a la esfera pública, para que la presencia racializada no sea una excepción, sino una realidad cotidiana, necesaria y transformadora.

Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que han participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa se articula en cuatro bloques temáticos en torno a la idea de lo monstruoso.

Esta última sesión se articula en torno a High Roads (Giuliana Racco, 2022), una película que desplaza la mirada desde los grandes relatos del genocidio en Palestina hacia formas cotidianas de resistencia. A través de cuatro mujeres palestinas que practican deporte, respiración y otras disciplinas corporales en un contexto marcado por la ocupación militar israelí, la obra muestra cómo el cuidado, la persistencia y la construcción de comunidad pueden convertirse en prácticas políticas. La película conecta con la idea del “sí mágico” desde la decisión de seguir produciendo bienestar, movimiento y vínculos allí donde las condiciones parecen impedirlo.

También propone una forma de descentralización: la resistencia no aparece en las instituciones ni en los discursos oficiales, sino en los cuerpos, los afectos y los gestos compartidos.

Esta última sesión se desarrolla a partir de películas que ensayan formas de desviarse del eje institucional y activar otros modos de mirar, jugar, resistir y organizarse colectivamente. A través de máscaras, reglas alteradas, ficciones corporales o prácticas cotidianas de cuidado, las obras trabajan con situaciones donde aceptar lo improbable o lo extraño funciona como una especie de «sí mágico»: un gesto que permite que algo se desplace y se transforme dentro de un contexto hegemónico. 

El museo deja entonces de aparecer como un lugar fijo desde el que se ordena la cultura y pasa a convertirse en un espacio atravesado por otras reglas, temporalidades y maneras de habitar lo común. Las películas reunidas en esta sesión desplazan la mirada hacia lo que normalmente queda fuera: territorios periféricos, prácticas híbridas, gestos torpes pero llenos de intención o formas de organización alejadas de los códigos dominantes. En lugar del brillo institucional, aquí aparecen lo áspero, lo precario y lo extraño como formas legítimas de hacer y mostrar cultura. 

La propuesta no busca tanto afirmar una nueva centralidad como abrir una pregunta sobre qué ocurre cuando la autoridad del centro se desestabiliza y otras sensibilidades, cuerpos o imaginarios entran en escena. Un cine que, más que ofrecer respuestas cerradas o buscar consenso, ensaya maneras distintas de habitar el museo y de producir espacio común.

Ordinario, común y público. Arreglos comunes para comunidades ordinarias es el título del decimocuarto encuentro de Sociología Ordinaria, un grupo de investigación transdisciplinar que explora el conocimiento cotidiano, considerado como ordinario, superficial o frívolo por la visión académica e intelectual tradicional. 

Esta edición propone abordar y mapear las conexiones entre los conceptos de lo común y lo público —recordando que lo ordinario también es lo común— y procurar la movilización de los afectos y humores del descontento hacia la esperanza.

A través de sus múltiples declinaciones —la comunidad, lo comunitario, el procomún, lo comunal—, el encuentro pretende reflexionar sobre las diferentes formas de crear, (re)configurar, mantener, arreglar, apañar, cuidar y defender lo público y lo común. Por otra parte, se indaga en sus formas de invocación y experimentación como herramientas frente a las impotencias generadas en este presente incierto, así como en las resistencias a los intentos de su expropiación, tergiversación, privatización y turistificación.

Nancy Spector y Alejandro Cesarco, comisarios de la exposición Felix Gonzalez-Torres. Dulce venganza, conversan con Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía, en una sesión dedicada a profundizar en los marcos de lectura de esta muestra, la primera presentación a gran escala en Madrid de la obra de Felix Gonzalez-Torres (1957–1996), cuya práctica continúa generando nuevas resonancias en el presente.

La conversación parte del propio título de la exposición, Dulce venganza, entendido como una noción paradójica que articula buena parte del pensamiento del artista. Desde ahí se exploran las tensiones que recorren su trabajo: la convivencia de registros opuestos, la ambigüedad como método y la carga simultáneamente afectiva y política de sus obras.

El diálogo recorre también algunos de los ejes que atraviesan su producción, como las nociones de identidad, ciudadanía y autoridad, junto a experiencias vinculadas a la crisis del sida y a emociones como el amor, la pérdida, el duelo o el optimismo. Se presta especial atención a la forma en que Gonzalez-Torres desplaza lenguajes asociados al arte povera, el conceptualismo y el minimalismo hacia estructuras abiertas, participativas y profundamente personales.

La sesión incluye asimismo una reflexión sobre el proceso de investigación que ha dado forma a la exposición, permitiendo situar las decisiones curatoriales y los criterios que la estructuran. En este contexto, la obra de Gonzalez-Torres aparece como un dispositivo que implica directamente a quienes la activan o la interpretan, distribuyendo la responsabilidad en la producción de sentido, siempre inestable y en constante negociación.

Estas charlas inaugurales, que forman parte de una de las líneas de trabajo principales del Área de Programas Públicos, tienen como objetivo profundizar en los contenidos de las exposiciones organizadas por el Museo desde la perspectiva de artistas, comisariadosy especialistas.

Bajo la dirección de Josep Planells Schiaffino, Klangforum Wien regresa al escenario, por segunda vez en esta temporada del ciclo Series 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), para protagonizar una velada que celebra el diálogo entre dos figuras fundamentales de la música contemporánea: Georg Friedrich Haas y Mauricio Sotelo.

El ensemble austriaco interpreta, en primer lugar, Hommage à Bridget Riley, obra del propio Haas inspirada en el arte óptico de la pintora británica, y, a continuación, el estreno absoluto de Homenaje a Georg Friedrich Haas, nueva obra de Mauricio Sotelo que rinde tributo al compositor austríaco desde una perspectiva personal. Un encuentro entre dos universos creativos complementarios que comparten una misma voluntad de exploración sonora.

La obra Antojo, expuesta en la Sala 14 de la cuarta planta del Museo, consiste en un arco de medio punto que funciona como continente y catalizador de múltiples referencias ornamentales y formales de la artista Elena Alonso, condensadas en un objeto liminal. A medio camino entre la escultura, la arquitectura y la instalación, la pieza acoge la experiencia-ritual de paso que supone atravesar el umbral que propone, activando en ese tránsito otros sentidos y lecturas. 

La propia artista, en conversación con la comisaria Beatriz Alonso, arroja luz en este encuentro a dichas referencias, en un diálogo que pretende además dar contexto a una pieza que condensa inquietudes y prácticas de la autora en torno a la escultura en los últimos diez años.