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13 noviembre, 2013 / Edificio Sabatini, Auditorio
Isabel de Naverán
Cuerpos pensantes: de la promesa del eclecticismo al discurso coreográfico
En una década, que se inicia con la transición política de los años 80 y que se alarga hasta mediados de los años 90, los giros vividos desde la creación coreográfica dan cuenta tanto de los deseos por experimentar nuevos modos de hacer danza como de las decepciones surgidas, podemos pensar, de la presión por formas de entender lo profesional que no siempre se ajustaron a las necesidades artísticas. De estos giros surgen sin embargo gestos concretos que, apostando por el lenguaje y lo poético, devienen en discurso coreográfico. Desde entonces hasta la actualidad el concepto de coreografía también se transforma: ya no es únicamente la disposición de cuerpos y movimientos dentro de una representación, sino que se asume como una práctica textual autoreflexiva cuyas consecuencias discurren definitivamente en áreas que sin duda la traspasan. Una de esas áreas es el propio museo de arte.
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20 noviembre, 2013 / Edificio Sabatini, Auditorio
Beatriz Martínez del Fresno
Feminismo y danza contemporánea en la España de los ochenta
Una vez consolidada la transición democrática, la sociedad española que despertaba del letargo de la dictadura se vio por fin ante un amplio abanico de propuestas escénicas en el que destacaba, por su novedad, la danza contemporánea. La conferencia analizará la renovación coreográfica de los 80 con particular atención hacia la construcción escénica de sujetos femeninos, la transformación de las técnicas corporales y las representaciones de género que marcaron líneas de fuga respecto a los cánones establecidos por la biopolítica franquista.
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4 diciembre, 2013 / Edificio Sabatini, Auditorio
Núria Font/NU2'S
Del escenario a la pantalla: el vídeo cómo herramienta para la creación coreográfica
Con el surgimiento de las compañías de danza contemporánea a finales de los 70 y, sobre todo, durante los 80, coincide la aparición del vídeo como una nueva herramienta para la creación audiovisual, de mucho más fácil acceso y manipulación que el cine. Coreógrafos y bailarines descubren en la nueva tecnología, aplicaciones muy significativas para el sector: por un lado, el documento y la memoria, muy importante para un arte eminentemente efímero; por otro, la experimentación a través del diálogo entre los dos lenguajes, coreográfico y audiovisual, en la búsqueda de un nuevo espacio -virtual- de representación; y por último, pero seguramente el más importante en unos momentos en los que la danza necesita crear su público, una herramienta para la promoción y la difusión a través de los medios, es decir, la por entonces poderosa televisión.
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A partir del 15 octubre, 2013
Sala de lectura de la Colección
Cada comisario ha seleccionado las piezas más significativas de sus conferencias que se incluirán completas en un DVD que se exhibirá en la Sala de Interpretación de la Colección: Mínima resistencia. Entre el tardomodernismo y la globalización, para la consulta del público:[Belmonte;(1988); Gelabert -Azzopardi][Socorro! Gloria!; (1991)] y [ 13 Piezas distinguidas; (1993-1994)] La Ribot[Ahí va Viviana;(1988) ;Bocanada][Solos (1990); Vianants danza][Kolbebasar (1988); Angels Margarit/ Cía. Mudances[El Mar (1989); Angels Margarit/ Cía. Mudances] (videodanza)[Lugares Intermedios (1993); Olga Mesa] (videodanza)
Danza años 80
Primeros pasos de la danza contemporánea en España. Conferencias
Celebrada el 13, 20 nov, 04 dic 2013
A través de la mirada de tres comisarios se profundizará en diversos temas como son el feminismo, el vídeo danza o la diversidad de lenguajes que ocuparon estos años. Estos discursos estarán apoyados por la exhibición de material audiovisual, -fruto de una labor de recuperación de archivos-, de las creaciones que tuvieron lugar en España en los años 80 y principios de los 90. En paralelo a esta actividad, tendrá lugar un seminario con mesas redondas.
Organiza
Museo Reina Sofía
En colaboración con
Participantes
Núria Font Solá. Realizadora de vídeo desde 1980, ha dirigido durante ocho años el Espai Video en el Centre d'Art Santa Mònica, las bienales de Artes Electrónicas y vídeo de creación (1998, 2000 y 2002) y la Mostra de Videodansa. Desde el año 2003 dirige el VAD, Festival Internacional de Vídeo y Artes Digitales de Girona. Actualmente dirige el proyecto de actividades de NU2’s, associació per a la creació, que organiza entre otras actividades: el festival IDN, el programa Territoris Dansa en el Canal 33, la producción de videodanza a través del concurso de proyectos anual, los laboratorios de investigación en l’Animal a l’esquena y el proyecto educativo para el público infantil y juvenil. En el año 2009 fue galardonada con el Premio Nacional de Danza de la Generalitat de Catalunya.
Beatriz Martínez del Fresno es Profesora Titular del Departamento de Historia del Arte y Musicología de la Universidad de Oviedo. Especialista en el siglo XX, ha estudiado particularmente el nacionalismo musical, los lenguajes sonoros de la Edad de Plata y la música de la posguerra. En 1996 abrió en la universidad española una nueva línea de investigación sobre historia de la danza, orientada hacia aspectos metodológicos: los problemas de la investigación, danza y género, las relaciones entre música y danza, la reconstrucción de danzas históricas o la documentación y conservación del patrimonio coreográfico.
Isabel de Naverán es doctora en Bellas Artes e investigadora independiente. Trabaja en y desde la coreografía expandida, en la generación de discurso crítico, a través de Artea (www.arte-a.org) y de la revista Cairon, Revista de estudios de danza (UAH). Editora de varios libros, desde 2004 colabora como investigadora en el Archivo Virtual de Artes Escénicas, además de ser profesora invitada en el máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (UCLM), y en los máster de Investigación y Creación en Arte y Artes y Ciencias del Espectáculo de la (UPV/EHU).
Más actividades
![Joseph Kosuth. One and Three Chairs [Una y tres sillas]](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/joseph_kosuth.jpg.webp)
La persona (legal) y la forma legal. Parte III
Lunes 11, miércoles 13 y jueves 14 de mayo, 2026 - Ampliado el plazo de inscripción
Como parte de Constelación de Estudios, la residencia de pensamiento anual 2025-2026, el historiador y teórico del arte Sven Lütticken imparte el seminario La persona (legal) y la forma legal: compromisos teóricos, artísticos y activistas para dialogar y profundizar en las hipótesis y preguntas que animan su proyecto de investigación.
Este proyecto, titulado Deshacer la subjetividad jurídica, deformar la abstracción legal, estudia el dominio de las abstracciones reales —como el valor de cambio y la forma legal— sobre nuestros procesos de subjetivación y se pregunta cómo las prácticas artísticas pueden abrir otras formas de representar o performar al sujeto y su condición jurídica en el mundo contemporáneo.
El seminario consta de un total de ocho sesiones, distribuidas a lo largo del curso en tres partes. La primera sesión de esta tercera parte aborda la noción de propiedad, problematizándola contra el contexto del arte conceptual. La obra de arte, su propiedad, autoría y autenticidad son replanteadas y revisadas con una actitud abierta a la confección de modelos de gestión —hipotéticos y alternativos a los actuales— que revolucionen la relación artista-obra-propietario. ¿Pueden las prácticas artísticas conceptuales servir como modelos críticos? ¿Hasta qué punto es posible pensar, actuar con ellos y extrapolarlos más allá de un bello nicho?
La segunda sesión atiende a la cuestión de la representación. Mientras que la mayoría (aunque no todas) de las personas naturales humanas pueden, en principio, representarte a sí mismas en asuntos legales, otras necesitan representantes. Esto ocurre con menores y adultos bajo custodia legal, pero también con personas «ficticias» —como corporaciones y estados—que necesitan representantes humanos para firmar acuerdos o defenderse en un juicio. La sesión aborda la representación legal en conjunción con otras formas de representación (política y cultural), atendiendo a la distinción inestable e históricamente mutable que hace Gayatry Spivak entre la representación como retrato (Darstellung) y la representación como agencia política (Vertretung).
Por último, la tercera sesión sirve de recapitulación, digestión y cierre del que ha sido el primer seminario del programa de residencia anual Constelación de Estudios.
Colección. Arte contemporáneo: 1975 - Presente
Miércoles 13 de mayo, 2026 - 19:00 h
En esta conferencia, Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía, expone las claves de lectura de la nueva presentación de las Colecciones en la cuarta planta del Edificio Sabatini. Esta nueva organización de los fondos se enmarca en un ambicioso plan de reordenación de los usos arquitectónicos de los edificios del Museo, que continuará en 2027 con la inauguración de la tercera planta de este mismo edificio, para culminar en la segunda en 2028.
La nueva presentación de las Colecciones, inaugurada el 16 de febrero de 2026, ofrece un recorrido por la historia del arte contemporáneo de los últimos cincuenta años desde España. A diferencia de un relato unívoco, esta planta cuenta el mismo período —desde la Transición al presente— de tres maneras diferentes, reiniciándose en los años setenta una y otra vez.
El recorrido arranca con un prólogo que transita por los afectos, la cultura material y la institucionalidad en la Transición española como punto de partida a los tres itinerarios posteriores. El primero, Una historia de los afectos en el arte contemporáneo, navega desde los sistemas afectivos en la producción artística vinculada a la segunda ola feminista hasta el duelo como herramienta de interpretación de las nuevas realidades. El segundo itinerario, Los poderes de la ficción. Escultura, nuevos materialismos y estéticas relacionales, está concebido como una galería escultórica en la que las obras salen al encuentro del público incidiendo en la parte performativa de esta disciplina. Entre otras cosas, este itinerario muestra cómo, desde los años ochenta, la producción escultórica española ha tenido una gran proyección internacional en la que numerosas artistas mujeres han jugado un papel fundamental. El tercer itinerario, Un marco nuevo. La institución, el mercado y el arte que los excede a ambos, permite acercarse a los orígenes del Museo y su papel en el proceso de institucionalización del arte en nuestro país. En mayo de 1986 se abría el Centro de Arte Reina Sofía, utilizando las plantas primera y segunda del antiguo hospital: los cuarenta años transcurridos desde entonces permiten reevaluar precisamente los efectos del Museo sobre el arte español y de este sobre la institución.
Con esta charla se refuerza el objetivo de socialización de los relatos producidos desde el Museo, en una etapa en el que las Colecciones están sujetas a revisión permanente.
Patricia Falguières
Martes 12 de mayo, 2026 – 19:00 h
La historiadora del arte Patricia Falguières inaugura la Cátedra María Luisa Caturla con la conferencia La historia del arte en tiempos de oscuridad. Esta cátedra, consagrada a la reflexión sobre el arte de las épocas «enfermas de incertidumbre», está dedicada a desmontar, divagar o imaginar las múltiples temporalidades y materialidades de la historia del arte desde una mirada excéntrica, desplazada, fuera del centro o con un centro diferente.
El título de la conferencia hace referencia a Hombres en tiempos de oscuridad (1968), un conjunto de ensayos escritos por Hannah Arendt cuyo título parafrasea a su vez un poema de Bertolt Brecht. En esta obra, Arendt asevera que «los tiempos de oscuridad no solo no son nuevos, sino que no son una rareza de la historia».
También para Patricia Falguières la historia conoce multitud de épocas en las que el espacio público se oscurece, momentos en los que el mundo deviene tan incierto que la gente deja de demandar a la política cualquier cosa que no sea aliviar el peso de sus intereses vitales y de su libertad individual. Especialista en arte y filosofía de la Edad Moderna, pero siempre con una mirada abierta y curiosa hacia el arte contemporáneo, Falguières propone en este encuentro un recorrido «caótico y aventurero» desde el Renacimiento hasta Fukushima para indagar en preguntas como: ¿qué puede significar hoy, en un mundo que resplandece con destellos siniestros y amenazas más siniestras aún, practicar una historia del arte más allá del entretenimiento o el adorno social? y ¿de qué intereses vitales y de qué libertad puede ser testigo e instrumento esta historia del arte?
De Viva Voz 1. Cabello/Carceller
Lunes 11 de mayo, 2026 — De 18:30 a 20:00 h
La serie fotográfica de Cabello/Carceller Sin título (Utopía) (1998) se despliega en la pared de la Sala 8 de la cuarta planta del Museo como un imponente conjunto de imágenes de distinto tamaño y formato que impregna el espacio de una suerte de melancolía política. Hace reverberar el silencio que, aún hoy, domina los discursos públicos en torno al sida. El desolador escenario que proponen las imágenes de estas piscinas, vacías y fuera de temporada, activa un relato de lucha: la respuesta de activistas y artistas frente a la gestión política de dicha pandemia.
En este encuentro con el colectivo de artistas Cabello/Carceller, en diálogo con la subdirectora artística del Museo Amanda de la Garza, se busca mantener una conversación pausada y reflexiva sobre la obra y sus lecturas, así como conocer de cerca detalles sobre su génesis y repercusión.
A golpe de sample. Experimentación sonora contra el odio
7 MAY 2026
El equipo de adolescentes del Museo, equipo1517, invita a jóvenes de 15 a 17 años a participar en esta visita-taller con Rubén H. Bermúdez y Bria, artistas con quienes sumergirse en la posibilidad de romper con las categorías y los enjuiciamientos internos y transformarlos en una reivindicación musical contra el odio.
Tras una visita a las salas de las Colecciones del Museo con el artista Rubén H. Bermúdez, el taller propone una investigación en torno al sample y la automatización de la mano de Bria, artista sonora y productora musical. A través de las técnicas de sampleo sonoro, se exploran los relatos propios de vida y ficción hacia la construcción de futuros liberadores y espacios sonoros que condenen los discursos de odio.
Para inscribirse no es imprescindible tener experiencia previa o conocimiento de herramientas informáticas musicales. Aquellas personas que manejen programas de audio digital pueden traer sus ordenadores y/o instrumentos digitales. El taller es un espacio seguro para disidencias sexo-genéricas y se articula como herramienta artística antirracista.
Esta actividad se celebra en el marco del programa CAMBIAFORMAS. Eres la posibilidad propuesto por la artista Benia Nsi para la actual edición de equipo1517.